La Canción de los Nombres Olvidados

‘La Canción de los Nombres Olvidados’ se sustenta tanto en la majestuosidad de la música como arte que ignora casi por completo el contenido.

Título original: The Song of Names
Dirección: François Girard
Guion: Jeffrey Caine (Libro: Norman Lebrecht)
Fotografía: David Franco
Música: Howard Shore
Reparto: Tim Roth, Clive Owen, Catherine McCormack, Saul Rubinek, Jonah Hauer-King, …
Fecha de estreno: 13/03/20.
País: Canadá. Duración: 111’.  Género: Drama.
Distribución: Filmax. Cines: 74. Trailer.

Sinopsis: Explica la historia del regreso de Dovidl a los escenarios musicales, un violinista judío que desapareció instantes antes de un esperado concierto, y el viaje de su hermano Martín hasta encontrarlo.

La Canción de los Nombres Olvidados es una película sobrecargada en todos los aspectos que sustenta todo el peso narrativo en un violín, con Clive Owen y Tim Roth como protagonistas, dos personajes muy mejorables, sobre todo el de Owen el cual es plano y frío y destila tal halo de suficiencia como si ya supiera su destino de antemano. El director ha pretendido priorizar el desarrollo de la reconversión del personaje de Owen al judaísmo en su tardía adolescencia y su huída del mundo del espectáculo antes del vínculo con su violín. Y, en mi opinión, que un objeto sea el núcleo de una historia no es un problema, pero la gravedad del asunto está cuando no se desarrolla un mundo alrededor suyo que acompañe.

El film desarrolla el argumento mediante flashbacks y discusiones, convirtiendo la trama en prefabricada, toda endulzada por un exceso de música extradiegética en manos del mismísimo Howard Shore. La música acompaña en todo y cada uno de los pasos del personaje de Owen, ejemplificado en las dos/tres notas de piano para acentuar un dramatismo en cada cambio de escena y/o de plano. La exaltación de la emoción producida por la majestuosidad de la música sintetiza la sensación que deja la película: pomposidad para tapar la carencia de imaginación.

Lo bueno: La caracterización del mundo judío.
Lo malo: La pretenciosidad de la cinta en todos los aspectos.

Nota: 3/10

Escrita por Edgar Caride.

First Love

‘First Love es una genialidad fascinante y cinematográficamente delirante.’

Título original: Hatsukoi
Dirección: Takashi Miike
Guion: Masa Nakamura
Fotografía: Nobuyasu Kita
Música: Kôji Endô
Reparto: Masataka Kubota, Shôta Sometani, Nao Omori,
Jun Murakami
Fecha de estreno en España: 13/03/2020
País: Japón – Duración: 108 min. Género: Thriller.
Acción.
Distribución: Barton Films. Cines: ?. Tráiler.

Sinopsis: explica la historia de Leo, un joven solitario que se dedica al boxeo. Tras una derrota que le deja inconsciente, le detectan un tumor en la base del cráneo, pronosticándole poco tiempo de vida. Con la intención de proteger a Mónica, una chica que es perseguida, repentinamente se ve inmiscuido en una guerra entre mafiosos.

Que esta premisa simple no nos engañe. Estamos ante un filme muy sofisticado, con una calidad audiovisual envidiable que está impregnado exquisitamente de géneros y subgéneros cinematográficos al mejor estilo del cine de Tarantino. Con una atmósfera urbana, samurái, western y un dinamismo muy anime y manga; es la mezcla perfecta que nos impresiona y nos lleva de un lado a otro como le da la gana.

Su director, Takashi Miike (Ichi The Killer; 13 Assassins), nos presenta una película coral donde no nos queda claro quiénes son exactamente los protagonistas, aunque lo intuimos, pero no es lo importante. Le da el tiempo necesario a cada personaje que, pese a no desarrollarlos demasiado, funcionan muy bien, y no nos da la sensación de que nos falta algo por saber, pues los personajes están al servicio de la historia sin llegar a ser meros deux ex machina.

Por lo tanto, First Love es una genialidad, una excentricidad comercial fascinante y delirante, donde la histeria y el humor negro te meten y te sacan de la película a partes iguales. Es divertida; visualmente impactante, siendo sugerente y directa a la vez; musicalmente envolvente, acompañando a las imágenes y con alternadas reminiscencias melódicas a James Bond.

Lo bueno: Audiovisualmente deliciosa. Se toma en serio a sí misma.
Lo malo: Al ser una película coral, cuesta reconocer y empatizar con la mayoría de personajes.

Nota: 9/10

Escrito por Gabriel Bonanni.

Vida Oculta

‘Vida Oculta’ es un mejorable, pero notable trabajo de Malick que explora los límites del amor, el odio, la fe y la trascendencia con su estilo visual y narrativo más personal.

Título original: A Hidden Life
Dirección: Terrence Malick
Guion: Terrence Malick
Fotografía: Jörg Widmer
Música: James Newton Howard
Reparto: August Diehl, Matthias Schoenaerts, Valerie Pachner, Michael Nyqvist, …
Fecha de estreno: 07/02/2020
País: Estados Unidos. Duración: 180’ Género: Drama.
Distribución: Disney. Cines: 70. Trailer.

Sinopsis: explica la historia de Franz y Fani Jägerstätter, un feliz matrimonio que vive con sus tres hijas en Austria que, cuando estalla la Segunda Guerra Mundial, los hombres comienzan a respaldar el nazismo, pero Franz no se deja arrastrar por la corriente mayoritaria. Así se convierte en el primer objetor de un mundo de ferviente nacionalismo y creciente ideología de odio.

Nunca es fácil aproximarse al cine de Terrence Malick. El director estadounidense, de origen sirio-libanés, es un cineasta enigmático y personal, con una filmografía bella pero compleja que le ha llevado a ser odiado o amado por los espectadores. En esta ocasión, Malick recupera la figura del objetor de conciencia, en esta ocasión Franz Jägerstätter, quien sirve a Malick para explorar los límites del amor, el odio, la fe, la trascendencia y el compromiso con los ideales, eso sí, con su estilo visual y narrativo más personal.

Y es que a Terrence Malick no se le puede negar que es un director artesano, con un sexto sentido para contar historias a través de una fotografía detallista, íntima y sin lujos y una música acorde a ella. En Vida oculta el director y guionista construye una narración a través de la gestualidad de los personajes, sus rasgos, expresiones o sus acciones más cotidianas, convertidas en algo simple y armonioso que irradia una emotividad compleja y profunda. Los diálogos son secundarios y el peso de la narración recae en voces introspectivas y poéticas reflexiones sobre la bondad y la trascendencia de nuestros actos. A ello contribuyen August Diehl y Valerie Pachner, con unas actuaciones notables (y minimalistas) bajo una sensación creciente de opresión y amenaza latente. Cada gesto de desprecio u odio que recibe el matrimonio Jägerstätter lo aleja de la idílica, verde y pura aldea de Radegund y lo traslada a la urbanidad marcial y carcelaria de la esvástica. Una historia adecuada para los días que nos ha tocado vivir.

Sin embargo, el film adolece de varios problemas. Uno de los más acuciantes es el excesivo metraje (3 horas) causado por una reiteración desmedida de las imágenes y las escenas. Esto convierte el resultado en irregular, ya que combina escenas de gran dramatismo y belleza con una repetición de planos que no contribuyen a intensificar la trama sino a adormecerla. Disfrutar del cine de Malick requiere de una sintonía con su ‘modus operandi’, pero en demasiadas ocasiones aquello que era una virtud se convierte en una debilidad por la desmesura del director. Notable, pero podría ser mejor. Por cierto: que un elenco alemán/austríaco utilice el inglés para los diálogos principales y el alemán para los gritos y arengas nazis es un despropósito.

Lo bueno: El Malick más narrativo mantiene un estilo visual apabullante y emotivo.
Lo malo: Excesiva duración, reiterativa visualmente, irregular narrativamente. O en alemán o en inglés.

Nota: 7,5/10

Escrita por Alexandre Lavado.

El Ritmo de la Venganza

‘El Ritmo de la Venganza’ es un thriller de manual, sin sorpresas y medianamente interesante. Prometía mucho más de lo que es.

Título original: The Rhythm Section
Dirección: Reed Morano
Guión: Mark Burnell
Fotografía: Juan Diego Solanas
Música: Steve Mazzaro
Fotografía: Sean Bobbitt
Reparto: Blake Lively ,Jude Law, Sterling K. Brown, Daniel Mays, Raza Jaffrey, Nasser Memarzia, Ivana Basic, …
Fecha de estreno: 06/03/2020
País: Reino Unido. Duración: 109′. Género: Thriller.
Distribución: Paramount Pictures. Cines: 146. Trailer.

Sinopsis: explica la historia de Stephanie Patrick, quien sufrió la pérdida de su familia en un accidente de avión. Cuando descubre que el accidente no fue tal, su rabia encontrará un nuevo sentido a su vida y se adentrará en una peligrosa misión para intentar descubrir la verdad y vengar a su familia.

La directora Reed Morano es la responsable de algunas series de culto como Halt and Catch Fire, Billions o El Cuento de la Criada, y también de algunas películas menores como Dentro del Dolor y ¿Estamos solos?. En esta última faceta como director de largometrajes no ha demostrado gran talento ni maestría y en El Ritmo de la Venganza no mejora, puesto que ofrece un thriller básico, de manual, ya muy visto, sin sorpresas con el que, por lo menos, te entretienes durante 109 minutos. 

Este film, protagonizado por Blake Lively, que demostró ser una gran actriz en Infierno Azul, por ejemplo, y el ya veterano Jude Law prometía mucho más, sobre todo en cuanto a argumento, puesto que la idea inicial era interesante. No obstante, sigues la historia sin problemas, de forma lineal, con su inicio, su nudo y su desenlace, y sales de la sala pensando que no han querido arriesgarse y han realizado un producto más dentro del montón semanal.

Por lo tanto, el trabajo de Reed Morano y su equipo es de manual, ofreciendo un thriller medianamente interesante, poco estimulante, hecho sin gracia y que pasará totalmente desapercibido. Ni Lively ni Law son capaces de levantar la película.

Lo bueno: por lo menos entretiene.
Lo malo: no te crees la historia en ningún momento. Además, es demasiado básica.

Nota: 5/10

La Ola Verde (Que Sea Ley)

‘La Ola Verde’ es un documental feminista que muestra la actual polémica sobre el derecho al aborto en Argentina.

Título original: Que Sea Ley
Dirección: Juan Diego Solanas
Guión: Juan Diego Solanas
Fotografía: Juan Diego Solanas
Música: Paula Moore
Reparto: Documental
Fecha de estreno: 06/03/2020
País: Argentina Duración: 85” Género: Documental, Política.
Distribución: Caramel Films. Cines: 24. Trailer.

Sinopsis: Explica la historia del contexto sociocultural en Argentina de las mujeres y los derechos sobre sus cuerpos, en la lucha entre colectivos abortistas y sus contrarios, el movimiento provida.

El estreno de La Ola Verde llega dos días antes al célebre Día Internacional de la Mujer Trabajadora, el 8-M. Gozamos de la oportunidad de conocer de primera mano la versión del debate abortista con pintura argentina y un fascículo más del significado y la importancia de la lucha feminista. En España, sin ir más lejos, la ley de la interrupción voluntaria del embarazo (aborto) entró en vigor hace poco menos de una década, en julio de 2010.

La lucha feminista, en su búsqueda por el transversalismo e internacionalismo, es positivo que sea plasmada para el conocimiento de la causa en profundidad. La apuesta del director pasa por un relato directo, con una amalgama de entrevistas a figuras que viven el contexto que entremezclan la iglesia católica, las mujeres y los estratos pobres de la sociedad, más la influencia de los medios de comunicación y las opiniones parlamentarias en el Congreso de los Diputados. Funciona gratamente para compactar los fenómenos de opresión y la contra-reacción liberadora.

El documental se sitúa en la capital de Buenos Aires y alrededores, donde se realizan las manifestaciones más multitudinarias del país. El punto de vista está del lado proabortista, en ejemplos como la preponderancia en tiempo en pantalla de los grupos marginados y los que les ayudan y las escenas donde los provida se quedan, a causa del montaje, sin palabras o perdiendo el debate.

Este punto de vista será a la larga primordial para comprobar si dicha pieza audiovisual será útil o no, si servirá para remover conciencias e unir más y mejora los colectivos feministas, tanto a nivel nacional argentino como internacional. Su función es visibilizar y empujar a los poderosos a ceder un poquito más, aunque a paso de tortuga, en sus privilegios. Y de entrada, cumple.

Lo bueno: El mensaje y su rico contenido divulgativo.
Lo malo: El montaje es poco innovador.

Nota: 7/10

Escrita por Edgar Caride.

Onward

‘Onward’ es toda una aventura mágica y peculiar, entretenida y divertida que reflexiona sobre la magia del día a día en nuestro mundo hiper-tecnológico.

Título original: Onward
Dirección: Dan Scanlon
Guión: Keith Bunin, Dan Scanlon
Fotografía: Sharon Calahan
Música: Jeff Danna, Mychael Danna
Reparto: Voces de Tom Holland, Chris Pratt, Julia Louis-Dreyfus, Octavia Spencer, …
Fecha de estreno: 06/03/2020
País: Estados Unidos. Duración: 103′. Género: Animación, Aventuras.
Distribución: Disney. Cines: ?. Trailer.

Sinopsis: explica una historia de un mundo de fantasía suburbana donde dos hermanos elfos adolescentes, Ian y Barley Lightfoot, se embarcan en una aventura en la que se proponen descubrir si existe aún algo de magia en el mundo que les permita pasar un último día con su padre, que falleció cuando ellos eran aún muy pequeños como para poder recordarlo.

Pixar empieza el 2020 estrenando en los cines esta película dirigida por Dan Scanlon, un habitual en la factoría Pixar, autor de Tracy y Monstruos University, y participante en películas como Toy Story 4, Cars, Brave y un largo etcétera. En esta película pretende explicar una historia personal sobre la pérdida de un ser querido, la relación entre hermanos y, sobre todo, la necesidad de poner un poco de magia a nuestro día a día, en nuestra sociedad cada vez más deshumanizada. Inevitablemente, y como es habitual en Disney-Pixar, el film tiene momentos muy divertidos, algunos hilarantes, y otros muy tristes, de lágrima fácil, que perpetúan las mismas fórmulas de siempre, sin innovaciones ni sorpresas.

Sin embargo, los elementos que diferencian a Onward de las demás películas es el mundo élfico que crea, como si de un juego de rol se tratara, con sus conjuros, personajes y trampas, que convierten el film en una aventura épica y única. Los más pequeños saldrán encantados porque es muy entretenida y visualmente apabullante y, los mayores también se lo pasarán pipa, viviendo en este mundo que, sin ir más lejos, es el reflejo de nuestra sociedad. Vale la pena comentar que es curioso y realmente loable como Disney-Pixar es capaz de sacar el máximo partido a unas piernas y regalar instantes inolvidables de máxima reflexión, como la escena del baile.

Quizás esta película no sea la mayor apuesta de Disney-Pixar para este 2020 en cuanto a rendimiento económico (lo es más Soul), pero contiene todos los elementos para ser una película notable: un argumento sólido y reflexivo, unos personajes bien desarrollados, una animación insuperable que crea un mundo apasionante, y un ritmo idóneo para vivir una aventura emocionante, peculiar y divertida. 

Lo bueno: la escena del baile.
Lo malo: no innova demasiado y repite códigos ya habituales en Pixar.

Nota: 8/10

Cuestión de Justicia

‘Cuestión de Justicia’ es una película construida para situarse en la piel del oprimido, aunque de forma superflua y trivial.

Título original: Just Mercy
Dirección: Destin Cretton
Guión: Destin Cretton & Andrew Lanham (Libro: Bryan Stevenson)
Fotografía: Brett Pawlak
Música: Joel P. West
Reparto: Michael B. Jordan, Jamie Foxx, Brie Larson, O’Shea Jackson Jr., Tim Blake Nelson, Rob Morgan
Fecha de estreno: 28/02/20120
País: Estados Unidos Duración: 135′. Género: Drama, Biográfico
Distribución: Warner Bros. Cines: 132. Trailer.

Sinopsis: Explica la historia real de Bryan Stevenson, un abogado afroamericano licenciado en Harvard que libró diversas batallas judiciales contra las abusivas sentencias a presos afroamericanos en el estado de Alabama.


Cuestión de Justicia es una película basada en el libro de Bryan Stevenson, Por Compasión (Editorial Península), quien vivió en su propia piel los hechos sucedidos. La película se centra en el caso de Johnny D y su encarcelamiento por el asesinato de una chica blanca de 18 años. Por eso, el film es un drama judicial con el retrovisor puesto en precedentes como To Kill a Mockingbird con el que las similitudes entre ambas obras, literarias y cinematográficas, son tan solo argumentales, pues la realización dista mucho en cuanto a calidad.

La película de Cretton gusta por su bondad; tiene la estructura narrativa de una historia que busca justicia. Presenta un maniqueísmo necesario para construir la historia del opresor contra el oprimido y el público comprender las intríngulis de la parcialidad legal. Los personajes son estereotipos propios de una fábula apta para contar a generaciones futuras para que aprendan cómo fue la historia. En cierto sentido, funcionan como partes de una fábula, pero uno se pregunta si un ermitaño sin ningún tipo de antecedente informativo comprendería la cuestión del racismo a través de este film.

La película nunca ataca el racismo desde la raíz. La lucha aparece endulzada, entre otras causas, por el carácter plano del protagonista, más inclinado por cumplir como persona o abogado que por sentir la sangre hirviendo contra los abusos de poder sistemáticos. De trivializar a no trivializar el racismo puede dibujarse una “delgada” línea entre dibujar matices a un personaje en su implicación con la causa con detalles específicos que lo demuestren. ¿Qué motivos llevaron Stevenson a Alabama? ¿Qué baches tiene que atravesar para penetrar en el sistema judicial de Alabama con su color de piel? ¿Qué detalles nos muestran la brecha social diaria que sufre la población negra contra la blanca? Nada de esto aparece en pantalla.

En resumen: falta chicha en los personajes que tiran del carro, tanto en el héroe como en el sistema racista. Esencial acomplejar en un tema tan históricamente tratado por el cine, sea enfocado para un público juvenil o para un público con la barriga llena de cine antirracista.

Lo bueno: Su funcionamiento como una fábula contra el racismo.
Lo malo: La trivialidad con la que es presentado el racismo.

Nota: 5/10

Escrita por Edgar Caride.