La Canción de los Nombres Olvidados

‘La Canción de los Nombres Olvidados’ se sustenta tanto en la majestuosidad de la música como arte que ignora casi por completo el contenido.

Título original: The Song of Names
Dirección: François Girard
Guion: Jeffrey Caine (Libro: Norman Lebrecht)
Fotografía: David Franco
Música: Howard Shore
Reparto: Tim Roth, Clive Owen, Catherine McCormack, Saul Rubinek, Jonah Hauer-King, …
Fecha de estreno: 13/03/20.
País: Canadá. Duración: 111’.  Género: Drama.
Distribución: Filmax. Cines: 74. Trailer.

Sinopsis: Explica la historia del regreso de Dovidl a los escenarios musicales, un violinista judío que desapareció instantes antes de un esperado concierto, y el viaje de su hermano Martín hasta encontrarlo.

La Canción de los Nombres Olvidados es una película sobrecargada en todos los aspectos que sustenta todo el peso narrativo en un violín, con Clive Owen y Tim Roth como protagonistas, dos personajes muy mejorables, sobre todo el de Owen el cual es plano y frío y destila tal halo de suficiencia como si ya supiera su destino de antemano. El director ha pretendido priorizar el desarrollo de la reconversión del personaje de Owen al judaísmo en su tardía adolescencia y su huída del mundo del espectáculo antes del vínculo con su violín. Y, en mi opinión, que un objeto sea el núcleo de una historia no es un problema, pero la gravedad del asunto está cuando no se desarrolla un mundo alrededor suyo que acompañe.

El film desarrolla el argumento mediante flashbacks y discusiones, convirtiendo la trama en prefabricada, toda endulzada por un exceso de música extradiegética en manos del mismísimo Howard Shore. La música acompaña en todo y cada uno de los pasos del personaje de Owen, ejemplificado en las dos/tres notas de piano para acentuar un dramatismo en cada cambio de escena y/o de plano. La exaltación de la emoción producida por la majestuosidad de la música sintetiza la sensación que deja la película: pomposidad para tapar la carencia de imaginación.

Lo bueno: La caracterización del mundo judío.
Lo malo: La pretenciosidad de la cinta en todos los aspectos.

Nota: 3/10

Escrita por Edgar Caride.

Vida Oculta

‘Vida Oculta’ es un mejorable, pero notable trabajo de Malick que explora los límites del amor, el odio, la fe y la trascendencia con su estilo visual y narrativo más personal.

Título original: A Hidden Life
Dirección: Terrence Malick
Guion: Terrence Malick
Fotografía: Jörg Widmer
Música: James Newton Howard
Reparto: August Diehl, Matthias Schoenaerts, Valerie Pachner, Michael Nyqvist, …
Fecha de estreno: 07/02/2020
País: Estados Unidos. Duración: 180’ Género: Drama.
Distribución: Disney. Cines: 70. Trailer.

Sinopsis: explica la historia de Franz y Fani Jägerstätter, un feliz matrimonio que vive con sus tres hijas en Austria que, cuando estalla la Segunda Guerra Mundial, los hombres comienzan a respaldar el nazismo, pero Franz no se deja arrastrar por la corriente mayoritaria. Así se convierte en el primer objetor de un mundo de ferviente nacionalismo y creciente ideología de odio.

Nunca es fácil aproximarse al cine de Terrence Malick. El director estadounidense, de origen sirio-libanés, es un cineasta enigmático y personal, con una filmografía bella pero compleja que le ha llevado a ser odiado o amado por los espectadores. En esta ocasión, Malick recupera la figura del objetor de conciencia, en esta ocasión Franz Jägerstätter, quien sirve a Malick para explorar los límites del amor, el odio, la fe, la trascendencia y el compromiso con los ideales, eso sí, con su estilo visual y narrativo más personal.

Y es que a Terrence Malick no se le puede negar que es un director artesano, con un sexto sentido para contar historias a través de una fotografía detallista, íntima y sin lujos y una música acorde a ella. En Vida oculta el director y guionista construye una narración a través de la gestualidad de los personajes, sus rasgos, expresiones o sus acciones más cotidianas, convertidas en algo simple y armonioso que irradia una emotividad compleja y profunda. Los diálogos son secundarios y el peso de la narración recae en voces introspectivas y poéticas reflexiones sobre la bondad y la trascendencia de nuestros actos. A ello contribuyen August Diehl y Valerie Pachner, con unas actuaciones notables (y minimalistas) bajo una sensación creciente de opresión y amenaza latente. Cada gesto de desprecio u odio que recibe el matrimonio Jägerstätter lo aleja de la idílica, verde y pura aldea de Radegund y lo traslada a la urbanidad marcial y carcelaria de la esvástica. Una historia adecuada para los días que nos ha tocado vivir.

Sin embargo, el film adolece de varios problemas. Uno de los más acuciantes es el excesivo metraje (3 horas) causado por una reiteración desmedida de las imágenes y las escenas. Esto convierte el resultado en irregular, ya que combina escenas de gran dramatismo y belleza con una repetición de planos que no contribuyen a intensificar la trama sino a adormecerla. Disfrutar del cine de Malick requiere de una sintonía con su ‘modus operandi’, pero en demasiadas ocasiones aquello que era una virtud se convierte en una debilidad por la desmesura del director. Notable, pero podría ser mejor. Por cierto: que un elenco alemán/austríaco utilice el inglés para los diálogos principales y el alemán para los gritos y arengas nazis es un despropósito.

Lo bueno: El Malick más narrativo mantiene un estilo visual apabullante y emotivo.
Lo malo: Excesiva duración, reiterativa visualmente, irregular narrativamente. O en alemán o en inglés.

Nota: 7,5/10

Escrita por Alexandre Lavado.

Cuestión de Justicia

‘Cuestión de Justicia’ es una película construida para situarse en la piel del oprimido, aunque de forma superflua y trivial.

Título original: Just Mercy
Dirección: Destin Cretton
Guión: Destin Cretton & Andrew Lanham (Libro: Bryan Stevenson)
Fotografía: Brett Pawlak
Música: Joel P. West
Reparto: Michael B. Jordan, Jamie Foxx, Brie Larson, O’Shea Jackson Jr., Tim Blake Nelson, Rob Morgan
Fecha de estreno: 28/02/20120
País: Estados Unidos Duración: 135′. Género: Drama, Biográfico
Distribución: Warner Bros. Cines: 132. Trailer.

Sinopsis: Explica la historia real de Bryan Stevenson, un abogado afroamericano licenciado en Harvard que libró diversas batallas judiciales contra las abusivas sentencias a presos afroamericanos en el estado de Alabama.


Cuestión de Justicia es una película basada en el libro de Bryan Stevenson, Por Compasión (Editorial Península), quien vivió en su propia piel los hechos sucedidos. La película se centra en el caso de Johnny D y su encarcelamiento por el asesinato de una chica blanca de 18 años. Por eso, el film es un drama judicial con el retrovisor puesto en precedentes como To Kill a Mockingbird con el que las similitudes entre ambas obras, literarias y cinematográficas, son tan solo argumentales, pues la realización dista mucho en cuanto a calidad.

La película de Cretton gusta por su bondad; tiene la estructura narrativa de una historia que busca justicia. Presenta un maniqueísmo necesario para construir la historia del opresor contra el oprimido y el público comprender las intríngulis de la parcialidad legal. Los personajes son estereotipos propios de una fábula apta para contar a generaciones futuras para que aprendan cómo fue la historia. En cierto sentido, funcionan como partes de una fábula, pero uno se pregunta si un ermitaño sin ningún tipo de antecedente informativo comprendería la cuestión del racismo a través de este film.

La película nunca ataca el racismo desde la raíz. La lucha aparece endulzada, entre otras causas, por el carácter plano del protagonista, más inclinado por cumplir como persona o abogado que por sentir la sangre hirviendo contra los abusos de poder sistemáticos. De trivializar a no trivializar el racismo puede dibujarse una “delgada” línea entre dibujar matices a un personaje en su implicación con la causa con detalles específicos que lo demuestren. ¿Qué motivos llevaron Stevenson a Alabama? ¿Qué baches tiene que atravesar para penetrar en el sistema judicial de Alabama con su color de piel? ¿Qué detalles nos muestran la brecha social diaria que sufre la población negra contra la blanca? Nada de esto aparece en pantalla.

En resumen: falta chicha en los personajes que tiran del carro, tanto en el héroe como en el sistema racista. Esencial acomplejar en un tema tan históricamente tratado por el cine, sea enfocado para un público juvenil o para un público con la barriga llena de cine antirracista.

Lo bueno: Su funcionamiento como una fábula contra el racismo.
Lo malo: La trivialidad con la que es presentado el racismo.

Nota: 5/10

Escrita por Edgar Caride.

El Doble Más Quince

‘El Doble Más Quince’ es cine romántico independiente que se queda a medio camino de una premisa inicial prometedora.

Título original: El Doble Más Quince
Dirección: Mikel Rueda
Guion: Mikel Rueda
Fotografía: Kenneth Oribe
Reparto: Maribel Verdú, Germán Alcarazu, Mario Plágaro
Fecha de estreno: 28/02/2020
País: España Duración: 98’. Género: Drama, Romance.
Distribución: Filmax. Cines: 42. Trailer.

Sinopsis: explica la historia de una mujer de 45 años y un chico adolescente que se conocen en un chat de sexo y pasan un fin de semana juntos.

Mikel Rueda regresa a la cartelera con un drama romántico protagonizado por la veterana Maribel Verdú y por el joven Germán Alcarazu para explicar esa relación que, a través del diálogo, ambos consiguen conocerse y cruzarse las edades. Ella rejuvenece y se transforma en una adolescente emocionalmente inestable: miente por miedo a la situación, se esconde o se suelta la melena en una fiesta. Él se hace mayor, deja citas sobre la muerte y el tiempo, ejemplificadas en una a lo Benjamin Button: “Sería mejor que empezáramos a vivir con 80 años y en nuestra jubilación estuviésemos más guapos, más ágiles y más enérgicos”.

En el universo visual de la película no cabe otro espacio en la imagen que planos medio, corto y detalle de los protagonistas; el resto, el espacio que les rodea, sea cual sea, se nubla, casi siempre desenfocado. La borrosidad de la imagen nos sugiere que nada importa: todo está en sus cabezas, miradas y cuerpos. En focalizarse en tan solo ellos dos, el tú a tú, aumenta la importancia de cada gesto y cada palabra.

Es una película de diálogo y requiere de sutileza tejiendo lo que dice y muestra. Sin embargo, dice demasiado y muestra demasiado poco. Cuando se introducen detalles de la vida de los protagonistas de una historia cualquiera, éstos ganan en profundidad y nos permite como espectadores conocerlos de tal modo que los veamos únicos, con una personalidad que los hace ser ellos. No es el caso. Todo lo nuevo que aprendemos de ellos proviene de lo que hablan, no del lenguaje no-verbal. A sus escenas paseando en silencio juntos les falta sustancia; carece de atención a las particularidades de cada uno. Ante la falta de desarrollo de los caracteres, la narración no anda equilibrada en ritmo e historia y se impregna de clichés.

Lo bueno: El acierto en el desenfoque del espacio visual.
Lo malo: La falta de profundidad del perfil de los personajes.

Nota: 6/10

Escrita por Edgar Caride.

Nuestras Madres

‘Nuestras Madres’ es una ópera prima muy loable que tiene mucho que contar aunque el relato pueda resultar aburrido.

Título original: Nuestras Madres
Dirección: César Díaz
Guion: César Díaz
Fotografía: Virginie Surdej
Reparto: Armando Espitia, Emma Dib, Aurelia Caal, Julio Serrano Echeverría, Victor Moreira.
Fecha de estreno: 21/02/2020
País: Guatemala. Duración: 78′. Género: Drama.
Distribución: Alfa Pictures. Cines: ?Tráiler.

Sinopsis: explica la historia de Ernesto, un joven antropólogo de la Fundación Forense que se encarga de identificar a las personas que han desaparecido después de la Guerra Civil en Guatemala.

Siempre es de agradecer que el cine sudamericano llegue a la cartelera española para poder entrar en historias que, quizás, aquí no se explicarían. Este es el caso de esta película de Guatemala que explica unos hechos muy concretos y delicados a día de hoy como son los cuerpos no identificados que están mal enterrados en fosas, bosques, prados y cementerios. Un drama que en España toca de lleno. Sin embargo, no estamos ante un documental, aunque pueda parecerlo, sino que es una historia ficcionada que sigue al joven antropólogo Ernesto y su ambición por descubrir el paradero de su padre.

Armando Espitia es el protagonista y el encargado de llevar el ritmo, puesto que es una película que no malgasta tiempo en planos innecesarios sino que desarrolla el argumento bien en sus 78 minutos. Si es cierto que, en conjunto, es un film muy personal de César Díaz y le falta garra y nervio para entretener al espectador y, por eso, los minutos de metraje pueden hacerse pesados. Aun así, el tema que trata es muy importante y está bien que se dé voz a todas esas madres guatemaltecas que no pudieron enterrar a sus maridos e hijos. Díaz hace un homenaje a ese sufrimiento vivido por muchas mujeres, sobre todo representado en los personajes de Cristina y Nicolasa.

En general, Nuestras Madres es una ópera prima pequeña y sencilla, pero loable y emotiva que trata un drama plural del ser humano que en cualquier país puede existir. Claro es, por eso, que hay que tener interés por este tema, no es un film para disfrutar sino para pensar, y fácilmente quede en el olvido.

Lo bueno: la emotividad que consigue transmitir.
Lo malo: el tono documental que tiene puede resultar soporífero.

Nota: 7/10

Las Golondrinas de Kabul

‘Las Golondrinas de Kabul’ es una sorprendente y emotiva película de animación con una feroz crítica y representación del Kabul de finales de siglo XX.

Título original: Les hirondelles de Kaboul
Dirección: Zabou Breitman y Eléa Gobbé-Mévellec
Guion: Zabou Breitman, Patricia Mortagne, Sébastien Tavel (Libro: Yasmina Khadra)
Música: Alexis Rault

Fotografía: Animación.
Reparto: Animación.
Fecha de estreno: 21/02/2020
País: Francia. Duración: 80′. Género: Animación, Drama.
Distribución: Night Drive. Cines: 17. Tráiler.

Sinopsis: explica la historia de Mohsen y Zunaira, dos adolescentes que viven en Kabul y se han enamorado pese a vivir en un entorno repleto de violencia y miseria. Paralelamente, explica la historia del matrimonio de Atiq, un trabajador en una cárcel de mujeres y Mussarat, una mujer enferma.

Es una pena que Las Golondrinas de Kabul no haya tenido más recorrido internacional porque bien podría ser una firme candidata en muchos premios, sobre todo por el componente crítico de los efectos de la llegada de los talibanes a Afganistán. Y es que el libro de Yasmina Khadra, pseudónimo de Mohamed Moulessehoul, enmarca dos relaciones de amor en ese Kabul destrozado y sin rumbo, gobernado por la angustia de la guerra. El film plasma muy bien los escenarios de la novela con la ayuda de una magnífica y luminosa animación de acuarela que, acompañada de una música orchestral, adentran al espectador de lleno en la historia.

La historia de Atiq Shaukat recuerda a El Alquimista de Paulo Coelho, un hombre sin alma, pensativo, que anda por las calles de la ciudad, con una vida rutinaria y una mujer enferma de cáncer. Paralelamente, se contrapone a la historia de Mohsen Ramat y Zunaira, dos jóvenes llenos de vida que tienen planes de futuro pese a vivir en un país cerrado, que no les deja salir y con pocas aspiraciones. Ambos relatos se combinan muy bien para que se vaya creando un clímax final lleno de tensión, dejando una sensación amarga en el cuerpo por la crudeza de los hechos, un factor que en la novela no se vive tanto. Eso sí: hay instantes en la película que podrían estar mejor explicados y que, por suerte, la novela los expone más claramente. 

Por lo tanto, el trabajo de Zabou Breitman y Eléa Gobbé-Mévellec es digno de alabar y demuestra que hay largometrajes que con animación pueden llegar mucho más lejos que con acción real. Este es un ejemplo que, por supuesto, no sería recomendable que niños y niñas la viesen ya que contiene momentos muy duros. Al final, por eso, se logra una sorprendente y emotiva película de animación con una feroz crítica y representación del Kabul de finales de siglo XX.

Lo bueno: aunque se haya leído la novela, emocionará mucho.
Lo malo: hay partes mal explicadas que con la novela se entienden mejor.

Nota: 8/10

Monos

‘Monos’ es un retrato abrumador, bello e incómodo sobre la naturaleza y el instinto humano.

Título original: Monos
Dirección: Alejandro Landes
Guion: Alexis Dos Santos,Alejandro Landes
Música: Mica Levi

Fotografía: Jasper Wolf
Reparto: Julianne Nicholson, Moises Arias, Jorge Román, Sofia Buenaventura, Laura Castrillón, Sneider Castro.
Fecha de estreno: 21/02/2020
País: Colombia. Duración: 102′. Género: Drama.
Distribución: B Team Pictures. Cines: 37. Tráiler.

Sinopsis: explica la historia de una mujer norteamericana secuestrada por una organización paramilitar en Colombia, en un asentamiento aislado en las montañas, en el que un sargento adiestra a jóvenes que están en plena transición hacia la adolescencia, para que mantengan en cautiverio a la mujer secuestrada.

La historia que dirige y explica Alejandro Landes es original y diferente en la que se desarrollan lazos de amistad, amor, envidia y celos entre los jóvenes del campamento situado en lo alto de la montaña. El argumento se va desarrollando y complicando a medida que avanza el metraje, con cambios de escenarios, muchos de ellos salvajes, en medio de la selva colombiana, con una transición visual de un lugar a otro sorprendentemente realizada, decisión que le da ritmo y dinamismo a la película.

La narrativa está contada de forma lineal, con un aspecto cinematográfico impecable y una iluminación muy acertada, aportando una atmósfera muy realista, siendo representada adecuadamente la naturaleza de las montañas y la selva. El sonido de la película es de carácter ambiental, dando mayor protagonismo a los diálogos; pero cuando se inserta la banda sonora, realmente destaca y crea un estado de tensión y expectación muy pronunciado. Las interpretaciones de los jóvenes son muy buenas y creíbles aunque el desarrollo de personajes es selectivo, pero funciona perfectamente sin necesidad de contar un trasfondo sobre ellos. El único personaje que no logra transmitir suficiente fuerza y credibilidad es el de la secuestrada, que por no saber nada sobre su pasado o cómo llegó a estar en esta situación, cuesta empatizar con ella.

En definitiva, esta película refleja la gran capacidad que tiene el cine latinoamericano para explicar historias interesantes con ópticas originales y diferentes.

Lo bueno: El ritmo de la película, la fotografía y la banda sonora.
Lo malo: Trasfondo escaso de la trama.

Nota: 7/10

Escrita por Gabriel Bonanni.