Madre

‘Madre’ es la lucha por la superación de una pérdida mediante la mezcla de sentimientos entre el amor de verano y la (todavía) estima de una madre destrozada.

Título original: Madre
Dirección: Rodrigo Sorogoyen
Guion: Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña
Fotografía: Álex de Pablo
Música: Olivier Arson
Reparto: Marta Nieto, Àlex Brendemühl, Anne Consigny, Frédéric Pierrot, Jules Porier, Raúl Prieto, Álvaro Balas, Blanca Apilánez.
Fecha de estreno: 15/011/2019
País: España. Duración: 129′. Género: Drama.
Distribución: Wanda Visión. Cines: ?. Tráiler

Sinopsis: explica la historia de Elena, una madre que perdió a su hijo en una playa de Francia y, ahora pretende salir de ese oscuro túnel donde lleva anclada desde hace tiempo. Pero su vida se agita cuando conoce a Jean, un adolescente francés que le recuerda a su hijo.

Uno de los mejores directores españoles del momento es Rodrigo Sorogoyen porque con tan solo tres películas (Stockholm, Que Dios Nos Perdone y El Reino) ha sabido demostrar de lo que es capaz. Cuando se menciona su nombre ya se sabe el estilo de buen cine que puede brindar. No obstante, con esta cuarta película se aleja del thriller y el ritmo trepidante para explorar el drama intimista y emocional, mucho más calmado, como si de un barquito en alta mar se tratase en el que no importa llegar a puerto sino, más bien, sentir las olas del mar y el viento.

Madre es la continuación alargada de ese cortometraje que presentó y tuvo tanto éxito en España y a nivel internacional que le valió la nominación en los Oscars 2019. El film ocurre veinte años después de lo sucedido en el corto y, pese a que técnicamente es magnífico, esos 129 minutos son excesivos y algo aburridos. Sin embargo, es una historia que se debe saborear como un caramelo o un bombón, poco a poco, sintiendo las emociones y sabores que te va transmitiendo. Marta Nieto es la responsable de la película en la que no vemos ningún cambio físico con el paso de los años, como si no hubiera pasado nada, pero sí vemos una chica destrozada interiormente. Pues el film ahonda en esa perspectiva materna del sufrimiento, descorazonadora y algo perturbadora que pretende mezclar con el amor de verano que presenta un chico de 16 años, interpretado por Frédéric Pierrot.

El resultado final del trabajo de Sorogoyen que, como ya hemos mencionado, en su aspecto técnico, es muy notable aunque con 90 minutos hubiera contado lo mismo, no es del todo satisfactorio, pero tampoco decepcionante. Simplemente ha querido alargar esos primeros minutos trepidantes y sobresalientes del cortometraje para explorar el drama social y psicológico con excesivas escenas de mar, subtramas que se complican innecesariamente y una narración un tanto repetitiva. Nieto es el gran valor de la película junto a Pierrot, mezclando ese amor de verano con la estima de una madre rota por dentro.

Lo bueno: sus primeros minutos y Marta Nieto.
Lo malo: su duración y el desnivel entre el corto y el largo.

Nota: 6/10

Le Mans ’66

‘Le Mans ’66’ es una buena y entretenida película que emociona en determinados momentos y desprende adrenalina para todos los públicos.

Título original: Ford v. Ferrari
Dirección: James Mangold
Guion: Jason Keller, James Mangold, Jez Butterworth, John-Henry Butterworth
Fotografía: Phedon Papamichael
Música: Marco Beltrami
Reparto: Matt Damon, Christian Bale, Jon Bernthal, Caitriona Balfe, Noah Jupe, Josh Lucas, Tracy Letts, JJ Feild, Ray McKinnon, …
Fecha de estreno: 15/11/2019
País: Estados Unidos. Duración: 152′. Género: Drama, acción. Distribución: Disney. Cines: 336. Tráiler.

Sinopsis: historia que se centra en el excéntrico y decidido equipo americano de ingenieros y diseñadores, liderados por el visionario automovilístico Carroll Shelby y su conductor británico Ken Miles. Henry Ford II y Lee Iacocca les dan la misión de construir desde cero un nuevo automóvil con el fin de derrocar el dominio de Ferrari en el Campeonato del Mundo de Le Mans de 1966.

Hace unos años tanto los fans como los que no saben nada de coches de carrera caían rendidos ante la película Rush con unos magistrales Daniel Brühl y Chris Hemsworth. Ahora llega Le mans ’66 narrando una historia distinta en la que Christian Bale da vida a Ken Miles, un piloto e ingeniero británico y Matt Damon al diseñador estadounidense de automóviles Carroll Shelby. En Le mans ’66 no sólo veremos carreras de coches que nos quitarán el hipo, sino también una historia de amistad entre sus dos protagonistas, unos Matt Damon y Christian Bale que vuelven a demostrar todo su talento (que no es poco). Atentos al acento británico de Bale… ¿qué no sabe hacer este hombre?

A pesar de que estamos ante una película bien hecha, con unos grandes efectos especiales y grandes interpretaciones, por momentos se puede hacer algo eterna (sus 152 minutos se hacen algo pesados). Su interés decae en determinados momentos del metraje, salvándola en el instante cumbre de la película, el verdadero enfrentamiento en los circuitos de Ferrari y Ford: sus carreras son espectaculares y entretenimiento puro.

Le Mans ’66 es una buena película, entretenida y que emociona en determinados momentos. Tanto los adultos como los más jóvenes de la casa disfrutarán con este film lleno de adrenalina.

Lo bueno: Christian Bale y la carrera final.
Lo malo: Su excesiva duración.

Nota: 7/10

Escrita por Gabriela Rubio.

Estafadoras de Wall Street

‘Estafadoras de Wall Street’ es una crítica feroz a los hombres de Wall Street en los años previos a la Gran Recesión y los efectos de ésta en las strippers.

Título original: Hustlers
Dirección: Lorene Scafaria
Guion: Jessica Pressler, Lorene Scafaria
Fotografía: Todd Banhazl
Reparto: Constance Wu, Jennifer Lopez, Julia Stiles, Keke Palmer, Lili Reinhart, Lizzo, Cardi B, Mercedes Ruehl, …
Fecha de estreno: 08/11/2019
País: Estados Unidos. Duración: 110′. Género: Drama. Distribución: Diamond Films. Cines: 274. Tráiler.

Sinopsis: historia inspirada en hechos reales sobre un grupo de bailarinas de striptease que se unen para estafar a sus clientes, ricos magnates de Wall Street después de la crisis de 2008. Cuando Elizabeth, una periodista del New York Magazine, comienza a investigar a las strippers, ellas verán peligrar su negocio y tendrán que afianzar su lealtad por encima de la envidia y la avaricia.

 

El trabajo de la directora Lorene Scafaria ha sido todo un éxito en Estados Unidos sobre esta historia real y dura sobre un hecho que ocurrió hace tan solo diez años y que, desgraciadamente, sige existiendo. El mundo de las strippers se ha visto en la gran pantalla en algunas ocasiones, siempre con una moraleja social detrás, y el caso de esta película no es diferente. No obstante, su ejecución es ideal para que el espectador se entretenga viendo un relato que merece ser conocido si no se leyó los artículos publicados en el New York Magazine.

El film no es un drama social panfletario feminista ni pretende sarmonear sobre lo que sucedió victimizando a la mujer. En mi opinión, dejando de lado ideologías y pesamiento, cuenta la historia apoyándose en un buen montaje, sin ser, como se ha comentado, una película sobre el empoderamiento de la mujer. Es la realidad misma de este acontecimiento. Expone lo que sucedió de una forma clara y entendible, centrándose en todo momento en los personajes interpretados por Constance Wu y Jennifer López, ambas magníficas en sus papeles.  Si es cierto que en algun momento el film ahonda demasiado en esa relación familiar “chic” y “cool” entre todas las protagonistas y, en algun momento, como película de atracos, puede ser bastante descafeinada.

Aun así, es un trabajo bien realizado, en términos generales, y muy disfrutable para cualquier público que quiera conocer los efectos de la crisis de 2008 en el mundo de la noche, haciendo una crítica feroz a los hombres de Wall Street.

Lo bueno: el retrato social de los efectos de 2008.
Lo malo: que ese machismo siga existiendo.

Nota: 7/10

Entrevista a Aritz Moreno

“Estoy muy aburrido de esta corriente de infantilizar a la gente y, si yo estoy preparado y al equipo le gusta, obviamente a la gente le puede encantar.” – Aritz Moreno

El 8 de noviembre de 2019 se estrena la película española más extraña del año y una de las más esperadas por su inquietante publicidad: Ventajas de Viajar en Tren. Está dirigida por Aritz Moreno que se estrena en el mundo del largometraje con esta adaptación de la novela escrita por Antonio Orejudo. Durante el Festival de Sitges 2019 pudimos conversar con Aritz gracias a la amabilidad de la distribuidora Filmax y a la agencia de prensa Olaizola Comunicación. A continuación podéis leer todo lo que nos contó sobre esta locura de película:

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Ventajas de Viajar en Tren

‘Ventajas de Viajar en Tren’ es un viaje tormentoso, hipnótico, absorbente y muy estimulador.

Título original: Ventajas de Viajar en Tren
Dirección: Aritz Moreno
Guion: Javier Gullón (Novela: Antonio Orejudo)
Fotografía: Javier Agirre Erauso
Música: Cristobal Tapia de Veer
Reparto: Luis Tosar, Pilar Castro, Ernesto Alterio, Quim Gutiérrez, Belén Cuesta, Macarena García, …
Fecha de estreno: 08/11/2019
País: España. Duración: 102′. Género: Comedia negra, thriller. Distribución: Filmax. Cines: ?. Tráiler.

Sinopsis: explica la historia de Helga, una señora que se encuentran con un desconocido en el tren que se le presenta como Ángel Sanagustín, psiquiatra que trabaja en la misma clínica investigando trastornos de personalidad a través de los escritos de los pacientes. 

Altísima expectación por esta película dirigida por Aritz Moreno que se estrena adaptando el libro de Antonio Orejudo (recomendamos su lectura). El trailer y la promoción ya indicaban que el film sería una locura y, de hecho, el libro contiene 6 capítulos que, todos ellos acaban siendo una extrañeza importante.

Idóneamente, Aritz Moreno coge 3 capítulos y los adapta en este viaje en tren por episodios que, poco a poco, se entrelazan entre ellos gracias al magnífico y sólido guion de Javier Gullón que sabe dar vida a estas historias. Con él, el trabajo de todo el elenco actoral es excelente y dan credibilidad a sus personajes en una historia surrealista, loca y demencial que, quizás, no sea para todos los estómagos.

Ventajas de Viajar en Tren es de esas películas que, o bien irritan o bien fascinan, puesto que tiene momentos muy incómodos y muy divertidos, y puede llegar a dividir la opinión del público porque hay que tener agallas para poder saborear y entender todo lo que se proyecta en pantalla. Mediante el surrealismo, la comedia negra y el thriller, el film propone reflexionar sobre las identidades, las personas con trastornos mentales, el poder y el machismo que, todo ello recuerda a esa extraordinaria película titulada Relatos Salvajes.

Aritz Moreno logra dar vida a los personajes de Orejudo y facilita la faena al espectador cuando el libro se vuelve algo confuso. Asimismo, el director demuestra que con el humor negro se puede tratar cualquier tema y convertir su ópera prima en un viaje tormentoso, hipnótico, absorbente y muy estimulador.

¿Recomendable? Sí, pero depende para qué estómago.

Lo bueno: que se haga este tipo de cine arriesgado, cruel y ambicioso.
Lo malo: es muy difícil de digerir para los estómagos más sensibles.

Nota: 8’5/10

Reseñas sobre el libro de Antonio Orejudo.
Cobertura del Festival de Sitges. 

Joker

‘Joker’ es un viaje por la psique de un personaje maltratado por el sistema, que tiene todos los componentes para ser una obra perfecta (y maestra) con un Joaquin Phoenix superlativo que, toda ella, inquieta, perturba e impresiona.

Título original: Joker
Dirección: Todd Phillips (Resacón)
Guion: Todd Phillips, Scott Silver
Fotografía: Lawrence Sher
Música: Hildur Guðnadóttir
Reparto: Joaquin Phoenix, Robert De Niro, Frances Conroy, Zazie Beetz, Brett Cullen, Dante Pereira-Olson, Douglas Hodge, Jolie Chan, …
Fecha de estreno: 04/10/2019
País: Estados Unidos. Duración: 118′. Género: Thriller.
Distribución: Warner Bros. Pictures. Cines: 369. Tráiler.

Sinopsis: explica la historia de Arthur Fleck, un hombre ignorado por la sociedad, cuya motivación en la vida es hacer reír, pero una serie de trágicos acontecimientos le llevarán a ver el mundo de otra forma.

Tres años hemos tenido que esperar para que Todd Phillips volviera al cine después de Juego de Armas. Tres años hemos tenido que esperar para volver a ver el villano por excelencia de DC Comics en el cine desde Escuadrón Suicida (interpretado por Jared Leto). Por suerte, hemos tenido que esperar muy poco para volver a ver a Joaquin Phoenix en la gran pantalla (protagonista en Los Hermanos Sisters). Y, esta vez es especial porque Phoenix hace la mejor o de las mejores interpretaciones de su carrera después de más de cincuenta proyectos. Además, nadie se pensaba que Todd Phillips, director de la famosa saga Resacón en Las Vegas, pudiera hacer esta película seria y dramática después del listón tan alto que dejó el fallecido Heath Ledger en El Caballero Oscuro.

El ya conocido “Joker de Todd Phillips” o “Joker de Joaquin Phoenix” obliga al espectador a entrar en la psique del personaje, un hombre maltratado por el sistema que lo que quiere es hacer reír como payaso, pero que la indecencia e hipocresía que gobierna Gotham City lo trastorna cada día. El espectador debe saber que esta película tiene un ritmo lento, de cocción lenta, con algunos momentos de violencia, muy controlados, y una estética oscura, gris y depresiva. No sería extraño acabar con una sensación de tristeza, impotencia y abatimiento.

La estética del film recuerda, inevitablemente, a Taxi Driver y la representación del personaje por parte de Joaquin Phoenix recuerda a Christian Bale en El Maquinista. No obstante, este Joker será recordado durante muchos años y puede ser que el adjetivo “insuperable” para Ledger haya quedado inhabilitado. Es así porque todo en el film funciona: el guion y los diálogos (magistral), las interpretaciones (todas excelentes), el ritmo (lento pero correcto), la banda sonora (extraordinaria, a manos de Hildur Guðnadóttir), la dirección artística, el carácter reflexivo (sobre todo, sobre los movimientos sociales y el poder político), la empatización con el personaje (te sientes como Joker) y las sensaciones que transmite (pena, amargura, indignación, rabia).

Este Joker tiene todos los números para convertirse en obra maestra. Se debe indicar que durante una hora y media, el espectador está siguiendo al villano pero, a la vez, se está corrompiendo moralmente como el mismo Joker hasta que te das cuenta de que ha jugado contigo (gran labor de guion y montaje). Los últimos 30 minutos son un no parar, con un ritmo trepidante, lleno de sensaciones y emociones que elevan el film a un nivel tan alto que acaba estallando en su conclusión.

Lo bueno: todo, realmente todo.
Lo malo: que su ritmo lento desconecte al espectador.

Nota: 9/10

Mientras Dure La Guerra

‘Mientras Dure La Guerra’ es un filme serio y convincente, que explica a través de la gran pantalla sucesos que debemos conocer para aprender del pasado y comprender el presente.

2719939Título original: Mientras Dure La Guerra
Dirección:
 Alejandro Amenábar
Guion: Alejandro Amenábar, Alejandro Hernández
Fotografía: Alex Catalán
Reparto: Karra Elejalde, Eduard Fernández, Santi Prego, Nathalie Poza, Patricia López, Luis Zahera, Luis Bermejo, …
Fecha de estreno: 27/09/2019
País: España. Duración: 107′. Género: Drama.
Distribución: Buena Vista International. Cines: 283. Tráiler.

Sinopsis: explica los primeros compases de la Guerra Civil Española, de julio a diciembre de 1936, desde los ojos del célebre escritor Miguel de Unamuno. Tras ganarse la enemistad de la República apoyando al bando sublevado ––convirtiéndose así en la referencia intelectual de los insurrectos––, a medida que avanza el conflicto empieza a cuestionar su posición y sus principios cuando advierte de primera mano la verdadera naturaleza de la ideología de los rebeldes.

De la mano de uno de los intelectuales más lúcidos y a la vez contradictorios de la España moderna, Alejandro Amenábar nos muestra el inicio de un conflicto fratricida que derivó en la página más negra de la contemporaneidad española con la dictadura franquista. Lo que el director trata de mostrar al espectador es la vigencia y actualidad de los sucesos acaecidos en ese periodo, y cómo la sombra de la Guerra Civil y del Franquismo forman parte de un legado que es necesario recordar, pero no acoger ni extender sus raíces.

El filme es un retrato extraordinario y fidedigno de los primeros meses de la guerra. No necesita cubrirse de un manto de sangre o visibilizar la dureza del conflicto para conmover, pues la cinta logra consternar a través de una atmósfera triste y trágica característica de la guerra entre ciudadanos de un mismo país, circunstancia que acentúa su sentido funesto bajo un cielo plomizo.

El discurso de Unamuno en el paraninfo de la Universidad de Salamanca ante los sublevados es con toda probabilidad el momento de más actualidad y donde reside el espíritu de la cinta. El espectador abrigará la convicción de que casi nada ha cambiado: desde la criminalización a catalanes, vascos y comunistas (la llamada Anti-España o los “malos españoles”) a ése espíritu rancio, propio de los extremos, envuelto bajo el grito de “Arriba España”, propio de las mentes menos lúcidas y vacías de contenido, perfectamente representado en la figura de Millán Astray.

De esta forma, Amenábar consigue dejar patente su mensaje: la irreconciabilidad de los dos bandos (representado en las discusiones entre Unamuno y Salvador Vila) y que alude a la confrontación izquierdas-derechas en el presente, o el fascismo instalado en Europa bajo los regímenes fascistas en Italia y Alemania, lo que en la actualidad es equiparable a la aparición de la derecha radical en España, previo repunte en Europa.

La actuación del elenco de actores es portentosa. Mención aparte merecen Karra Elejalde (Unamuno) y Eduard Fernández (Millán Astray). Ambos representan dos idiosincrasias opuestas y enfrentadas, la del general, que alberga la acción, y la del intelectual, que abriga la razón.

Con todo, Amenábar logra un filme serio y convincente, que explica a través de la gran pantalla sucesos que debemos conocer, lo que proporciona un elemento didáctico: aprender del pasado para comprender el presente. El objetivo de Amenábar no es tanto explorar la barbarie en forma de violencia inusitada, sino cómo germina en política un fenómeno tan destructivo como el fascismo sin casi darse cuenta. Convence y persuade.

Lo bueno: el elenco de actores, la atmósfera del filme y la necesidad del cine de época.
Lo malo: la polémica que ha generado antes de salir a la luz.

Nota: 8/10

Escrita por Sergio Gavilán.