Estafadoras de Wall Street

‘Estafadoras de Wall Street’ es una crítica feroz a los hombres de Wall Street en los años previos a la Gran Recesión y los efectos de ésta en las strippers.

Título original: Hustlers
Dirección: Lorene Scafaria
Guion: Jessica Pressler, Lorene Scafaria
Fotografía: Todd Banhazl
Reparto: Constance Wu, Jennifer Lopez, Julia Stiles, Keke Palmer, Lili Reinhart, Lizzo, Cardi B, Mercedes Ruehl, …
Fecha de estreno: 08/11/2019
País: Estados Unidos. Duración: 110′. Género: Drama. Distribución: Diamond Films. Cines: 274. Tráiler.

Sinopsis: historia inspirada en hechos reales sobre un grupo de bailarinas de striptease que se unen para estafar a sus clientes, ricos magnates de Wall Street después de la crisis de 2008. Cuando Elizabeth, una periodista del New York Magazine, comienza a investigar a las strippers, ellas verán peligrar su negocio y tendrán que afianzar su lealtad por encima de la envidia y la avaricia.

 

El trabajo de la directora Lorene Scafaria ha sido todo un éxito en Estados Unidos sobre esta historia real y dura sobre un hecho que ocurrió hace tan solo diez años y que, desgraciadamente, sige existiendo. El mundo de las strippers se ha visto en la gran pantalla en algunas ocasiones, siempre con una moraleja social detrás, y el caso de esta película no es diferente. No obstante, su ejecución es ideal para que el espectador se entretenga viendo un relato que merece ser conocido si no se leyó los artículos publicados en el New York Magazine.

El film no es un drama social panfletario feminista ni pretende sarmonear sobre lo que sucedió victimizando a la mujer. En mi opinión, dejando de lado ideologías y pesamiento, cuenta la historia apoyándose en un buen montaje, sin ser, como se ha comentado, una película sobre el empoderamiento de la mujer. Es la realidad misma de este acontecimiento. Expone lo que sucedió de una forma clara y entendible, centrándose en todo momento en los personajes interpretados por Constance Wu y Jennifer López, ambas magníficas en sus papeles.  Si es cierto que en algun momento el film ahonda demasiado en esa relación familiar “chic” y “cool” entre todas las protagonistas y, en algun momento, como película de atracos, puede ser bastante descafeinada.

Aun así, es un trabajo bien realizado, en términos generales, y muy disfrutable para cualquier público que quiera conocer los efectos de la crisis de 2008 en el mundo de la noche, haciendo una crítica feroz a los hombres de Wall Street.

Lo bueno: el retrato social de los efectos de 2008.
Lo malo: que ese machismo siga existiendo.

Nota: 7/10

Joker

‘Joker’ es un viaje por la psique de un personaje maltratado por el sistema, que tiene todos los componentes para ser una obra perfecta (y maestra) con un Joaquin Phoenix superlativo que, toda ella, inquieta, perturba e impresiona.

Título original: Joker
Dirección: Todd Phillips (Resacón)
Guion: Todd Phillips, Scott Silver
Fotografía: Lawrence Sher
Música: Hildur Guðnadóttir
Reparto: Joaquin Phoenix, Robert De Niro, Frances Conroy, Zazie Beetz, Brett Cullen, Dante Pereira-Olson, Douglas Hodge, Jolie Chan, …
Fecha de estreno: 04/10/2019
País: Estados Unidos. Duración: 118′. Género: Thriller.
Distribución: Warner Bros. Pictures. Cines: 369. Tráiler.

Sinopsis: explica la historia de Arthur Fleck, un hombre ignorado por la sociedad, cuya motivación en la vida es hacer reír, pero una serie de trágicos acontecimientos le llevarán a ver el mundo de otra forma.

Tres años hemos tenido que esperar para que Todd Phillips volviera al cine después de Juego de Armas. Tres años hemos tenido que esperar para volver a ver el villano por excelencia de DC Comics en el cine desde Escuadrón Suicida (interpretado por Jared Leto). Por suerte, hemos tenido que esperar muy poco para volver a ver a Joaquin Phoenix en la gran pantalla (protagonista en Los Hermanos Sisters). Y, esta vez es especial porque Phoenix hace la mejor o de las mejores interpretaciones de su carrera después de más de cincuenta proyectos. Además, nadie se pensaba que Todd Phillips, director de la famosa saga Resacón en Las Vegas, pudiera hacer esta película seria y dramática después del listón tan alto que dejó el fallecido Heath Ledger en El Caballero Oscuro.

El ya conocido “Joker de Todd Phillips” o “Joker de Joaquin Phoenix” obliga al espectador a entrar en la psique del personaje, un hombre maltratado por el sistema que lo que quiere es hacer reír como payaso, pero que la indecencia e hipocresía que gobierna Gotham City lo trastorna cada día. El espectador debe saber que esta película tiene un ritmo lento, de cocción lenta, con algunos momentos de violencia, muy controlados, y una estética oscura, gris y depresiva. No sería extraño acabar con una sensación de tristeza, impotencia y abatimiento.

La estética del film recuerda, inevitablemente, a Taxi Driver y la representación del personaje por parte de Joaquin Phoenix recuerda a Christian Bale en El Maquinista. No obstante, este Joker será recordado durante muchos años y puede ser que el adjetivo “insuperable” para Ledger haya quedado inhabilitado. Es así porque todo en el film funciona: el guion y los diálogos (magistral), las interpretaciones (todas excelentes), el ritmo (lento pero correcto), la banda sonora (extraordinaria, a manos de Hildur Guðnadóttir), la dirección artística, el carácter reflexivo (sobre todo, sobre los movimientos sociales y el poder político), la empatización con el personaje (te sientes como Joker) y las sensaciones que transmite (pena, amargura, indignación, rabia).

Este Joker tiene todos los números para convertirse en obra maestra. Se debe indicar que durante una hora y media, el espectador está siguiendo al villano pero, a la vez, se está corrompiendo moralmente como el mismo Joker hasta que te das cuenta de que ha jugado contigo (gran labor de guion y montaje). Los últimos 30 minutos son un no parar, con un ritmo trepidante, lleno de sensaciones y emociones que elevan el film a un nivel tan alto que acaba estallando en su conclusión.

Lo bueno: todo, realmente todo.
Lo malo: que su ritmo lento desconecte al espectador.

Nota: 9/10

Mientras Dure La Guerra

‘Mientras Dure La Guerra’ es un filme serio y convincente, que explica a través de la gran pantalla sucesos que debemos conocer para aprender del pasado y comprender el presente.

2719939Título original: Mientras Dure La Guerra
Dirección:
 Alejandro Amenábar
Guion: Alejandro Amenábar, Alejandro Hernández
Fotografía: Alex Catalán
Reparto: Karra Elejalde, Eduard Fernández, Santi Prego, Nathalie Poza, Patricia López, Luis Zahera, Luis Bermejo, …
Fecha de estreno: 27/09/2019
País: España. Duración: 107′. Género: Drama.
Distribución: Buena Vista International. Cines: 283. Tráiler.

Sinopsis: explica los primeros compases de la Guerra Civil Española, de julio a diciembre de 1936, desde los ojos del célebre escritor Miguel de Unamuno. Tras ganarse la enemistad de la República apoyando al bando sublevado ––convirtiéndose así en la referencia intelectual de los insurrectos––, a medida que avanza el conflicto empieza a cuestionar su posición y sus principios cuando advierte de primera mano la verdadera naturaleza de la ideología de los rebeldes.

De la mano de uno de los intelectuales más lúcidos y a la vez contradictorios de la España moderna, Alejandro Amenábar nos muestra el inicio de un conflicto fratricida que derivó en la página más negra de la contemporaneidad española con la dictadura franquista. Lo que el director trata de mostrar al espectador es la vigencia y actualidad de los sucesos acaecidos en ese periodo, y cómo la sombra de la Guerra Civil y del Franquismo forman parte de un legado que es necesario recordar, pero no acoger ni extender sus raíces.

El filme es un retrato extraordinario y fidedigno de los primeros meses de la guerra. No necesita cubrirse de un manto de sangre o visibilizar la dureza del conflicto para conmover, pues la cinta logra consternar a través de una atmósfera triste y trágica característica de la guerra entre ciudadanos de un mismo país, circunstancia que acentúa su sentido funesto bajo un cielo plomizo.

El discurso de Unamuno en el paraninfo de la Universidad de Salamanca ante los sublevados es con toda probabilidad el momento de más actualidad y donde reside el espíritu de la cinta. El espectador abrigará la convicción de que casi nada ha cambiado: desde la criminalización a catalanes, vascos y comunistas (la llamada Anti-España o los “malos españoles”) a ése espíritu rancio, propio de los extremos, envuelto bajo el grito de “Arriba España”, propio de las mentes menos lúcidas y vacías de contenido, perfectamente representado en la figura de Millán Astray.

De esta forma, Amenábar consigue dejar patente su mensaje: la irreconciabilidad de los dos bandos (representado en las discusiones entre Unamuno y Salvador Vila) y que alude a la confrontación izquierdas-derechas en el presente, o el fascismo instalado en Europa bajo los regímenes fascistas en Italia y Alemania, lo que en la actualidad es equiparable a la aparición de la derecha radical en España, previo repunte en Europa.

La actuación del elenco de actores es portentosa. Mención aparte merecen Karra Elejalde (Unamuno) y Eduard Fernández (Millán Astray). Ambos representan dos idiosincrasias opuestas y enfrentadas, la del general, que alberga la acción, y la del intelectual, que abriga la razón.

Con todo, Amenábar logra un filme serio y convincente, que explica a través de la gran pantalla sucesos que debemos conocer, lo que proporciona un elemento didáctico: aprender del pasado para comprender el presente. El objetivo de Amenábar no es tanto explorar la barbarie en forma de violencia inusitada, sino cómo germina en política un fenómeno tan destructivo como el fascismo sin casi darse cuenta. Convence y persuade.

Lo bueno: el elenco de actores, la atmósfera del filme y la necesidad del cine de época.
Lo malo: la polémica que ha generado antes de salir a la luz.

Nota: 8/10

Escrita por Sergio Gavilán.

Downton Abbey

‘Downton Abbey’ es un buen drama de época, propio del ‘cine de tacitas’, que gustará a sus amantes y a los seguidores de la serie pese a hacerse aburrido y algo frío.

Título original: Downton Abbey
Dirección: Michael Engler (Empire, Notorious)
Guion: Julian Fellowes
Fotografía: Ben Smithard
Música: John Lunn
Reparto: Hugh Bonneville, Michelle Dockery, Maggie Smith, Joanne Froggatt, Kate Phillips, Imelda Staunton, Simon Jones, …
Fecha de estreno: 20/09/2019
País: Reino Unido. Duración: 122′. Género: Drama.
Distribución: Universal Pictures. Cines: 301. Tráiler.

Sinopsis: explica las peripecias de la familia Crawley y su carismática servidumbre que, esta vez, se preparan para el momento más crucial de sus vidas: una visita del rey y la reina de Inglaterra que desatará una situación de escándalo, romance e intriga que pondrá en peligro el futuro de Downton.

El director de una cantidad de series Michael Engler decide dar vida a los acontecimientos de Downton en formato película después de que la serie creada por Julian Fellowes fuera todo un éxito. Es, quizás, el spin-off adecuado y más esperado para sus seguidores y, probablemente, hará las delicias de su público pero, en mi caso, sin haber visto la serie, me aburrió mucho y me dejó totalmente frío.

Engler explica la historia de una manera académica dando la sensación que cada plano, momento y suceso se está ejecutando tal y como estaba pensado. La dirección artística es estupenda, la ambientación también y tiene personajes muy interesantes e insuperables, como el de Maggie Smith e Imelda Staunton. El tema más interesante de la película es la lucha entre el servicio de Downton y la Casa Real que es realmente el protagonista y lo poco que se le puede extraer al argumento. Otro logro del film es la perfecta combinación de las historias que envuelven el precioso castillo de Downton, perfectamente hiladas.

En resumen, Downton Abbey no es un mal producto cinematográfico porque a los amantes del género del ‘cine de tacitas’ les gustará e interesará, pero su historia en sí no deja de ser una más y, en mi opinión, se hace pesada y aburrida. En general, todo lo que cuenta me da bastante lo mismo, no me interesa en exceso pese a que me entretiene. 

Lo bueno: Maggie Smith, sin duda.
Lo malo: si no eres seguidor de la serie da bastante igual todo lo que sucede.

Nota: 6’5/10

Litus

‘Litus’ es la mejor película de Dani de la Orden y una comedia dramática simpática, entretenida y emotiva.

Título original: Litus
Dirección: Dani de la Orden
Guion: Marta Buchaca, Dani de la Orden
Fotografía: José Luis Bernal Ibañez
Música: Iván Ferreiro, Dani Trujillo
Reparto: Marta Nieto, Álex García, Adrián Lastra, Miquel Fernández, Belén Cuesta, Quim Gutiérrez, Jorge Cabrera, José Manuel Valdés.
Fecha de estreno: 06/09/2019
País: España. Duración: 90′. Género: Drama, Comedia.
Distribución: A Contracorriente Films. Cines: 159. Tráiler.

Sinopsis: explica la historia de un reencuentro de un grupo de amigos tras el suicidio de uno de sus integrantes, Litus. Durante la reunión empiezan a salir los secretos más íntimos y las tensiones y emociones escondidas durante años.

Después de las dos Barcelonas, dos documentales, dos series, El Pregón y el exitazo de El Mejor Verano De Mi Vida, Dani de la Orden vuelve al cine coEsn esta película, adaptando la obra teatral de Marta Buchaca. El film empieza siendo una comedia y, a medida que avanza, se convierte en un auténtico drama. Su guion es el verdadero protagonista puesto que es una película con muchos diálogos y giros argumentales (algunos difíciles de creer). Además, el director pretende reflejar cómo puede llegar a cambiar a las personas la muerte de un ser querido, en este caso un amigo, y afronta el temible tema de las despedidas.

La clave de la película son sus protagonistas, todos ellos creíbles en sus papeles, destacando a Adrián Lastra que transmite una química especial con Álex García. Cada uno tiene un rol y representan a un determinado tipo de personas con el que, inevitablemente, el espectador empatizará. De esta manera, consigue que se esté atento a todo lo que pasa hasta el final, un bonito homenaje a la amistad.

En mi opinión, Litus es la mejor película de Dani de la Orden porque me hizo pensar, sentir, emocionar, reír, y su ritmo constante, gracias a los diálogos, me entretuvo durante los 90 minutos.

Lo bueno: Adrián Lastra y su banda sonora, a cargo de Dani Trujillo.
Lo malo: algunos giros cuestan de creer.

Nota: 7’5/10

A Dos Metros De Ti

‘A Dos Metros De Tí’ una película muy intensa en cuanto a emociones, que no dejaras de cautivarte con cada secuencia.

Título original: Five Feet Apart
Dirección: Justin Baldoni
Guión: Mikki Daughtry, Tobias Iaconis
Fotografía: Frank G. DeMarco
Música: Brian Tyler, Breton Vivian
Reparto: Haley Lu Richardson, Cole Sprouse, Moises Arias, Kimberly Hebert Gregory, Parminder Nagra, Claire Forlani, …
Fecha de estreno: 13/09/2019.
País: Estados Unidos. Duración: 116′. Género: Drama romántico. Distribución: Universal Pictures. Cines: 255. Tráiler.

Sinopsis: explica la historia de amor entre dos adolescentes enfermos de fibrosis quística dentro de un hospital. Ambos adolescentes interpretados por Cole Sprouse y Haley Lu Richardson marcan el inicio de un romance adolescente donde su enfermedad no les permite estar a menos de dos metros el uno del otro, debido a la posibilidad de contagio entre ambos.

Justin Baldoni estrena su filmografía con esta tórrida historia de amor que da más visibilidad a una enfermedad que hasta ahora no se había dado mucho en el cine, o era poco común verla. Un punto a favor que creo que debe remarcarse. No obstante, a pesar de ser un romance teenager, el largometraje salva de ser un guion de tópicos gracias a la interpretación de Lu Richardson, que consigue dar bastante solidez a un personaje plagado de cliché.

Des del principio hasta el final, la película se convierte en un mar de lágrimas incontrolable, donde ambos personajes sufren una vida muy tormentosa, dejando a un lado la enfermedad que padecen. Un punto a favor son estas tramas que surgen paralelamente a la historia de amor. Ambos personajes son unos luchadores que intentan llevar una vida plena a pesar de la enfermedad, aunque se ha de admitir que el romance eclipsa por momentos la película.

En definitiva, una película muy intensa en cuanto a emociones, que no dejaras de cautivarte con cada secuencia, y recomendable de ver con palomitas para pasar estos días de otoño que nos llegan.

Lo bueno: Haley Lu Richardson y sacar a la superficie una enfermedad que poco conocemos o no somos conscientes de ella.
Lo malo: una historia de amor que permite ser muy previsible y corriente.

Nota: 6,5/10

Escrita por Albert Sánchez.

Tu Fotografía

‘Tu Fotografía’ es de lo mejor que se verá en 2019 porque la historia y sus personajes hacen de un argumento ya visto, una película sobresaliente.

Título original: Photograph
Dirección: Ritesh Batra (The Lunchbox)
Guion: Ritesh Batra
Fotografía: Ben Kutchins
Música: Peter Raeburn
Reparto: Nawazuddin Siddiqui, Sanya Malhotra, Abdul Quadir Amin, Denzil Smith, Saharsh Kumar Shukla, …
Fecha de estreno: 30/08/2019
País: Alemania. Duración: 110′. Género: Drama, Romance.
Distribución: Vértigo Films. Cines: 52. Tráiler.

Sinopsis: explica la historia de un fotógrafo al que su abuela presiona para que contraiga matrimonio lo antes posible. Por eso convence a una extraña para que se haga pasar por su prometida. La pareja acaba desarrollando una unión que ninguno de los dos esperaba y que cambia su vida inesperadamente.

El director indio Ritesh Batra vuelve a la India después de películas como El Sentido de un Final o Nosotros en la Noche para dirigir y escribir esta película repleta de emociones que no dejará indiferente a ningún espectador. No obstante, es cierto que el argumento no parece del todo original y, probablemente, se haya visto muchas veces en el cine, pero es la manera de filmar y guionizar la historia lo que impulsa este relato.

Además, la música es perfecta e idónea a cada instante, los diálogos son concretos y simples, y la fotografía es excelente. Asimismo, el film se nutre de pequeños detalles que endulzan la historia de amor, sin pasarse, siendo suficiente en cada escena. También, es una película hecha con silencios, sensibilidad, emoción y tacto, con toques de humor encantadores y un elenco actoral estupendo.

Ritesh Batra y sus protagonistas, Sanya Malhotra y Nawazuddin Siddiqui, hacen que el espectador crea en el amor y, al terminar la proyección, aplaudan su sobresaliente trabajo. Cualquier descripción se queda corta. En mi opinión, lo mejor que se vio en la Berlinale y de lo mejor que se verá en 2019.

¿Recomendable? Por supuesto que sí.

Lo bueno: todo, en general, pero sobre todo, las escenas de la madre de él.
Lo malo: quedarse solo con lo convencional del film.

Nota: 9/10