Reseña

La Ola Verde (Que Sea Ley)

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‘La Ola Verde’ es un documental feminista que muestra la actual polémica sobre el derecho al aborto en Argentina.

Título original: Que Sea Ley
Dirección: Juan Diego Solanas
Guión: Juan Diego Solanas
Fotografía: Juan Diego Solanas
Música: Paula Moore
Reparto: Documental
Fecha de estreno: 06/03/2020
País: Argentina Duración: 85” Género: Documental, Política.
Distribución: Caramel Films. Cines: 24. Trailer.

Sinopsis: Explica la historia del contexto sociocultural en Argentina de las mujeres y los derechos sobre sus cuerpos, en la lucha entre colectivos abortistas y sus contrarios, el movimiento provida.

El estreno de La Ola Verde llega dos días antes al célebre Día Internacional de la Mujer Trabajadora, el 8-M. Gozamos de la oportunidad de conocer de primera mano la versión del debate abortista con pintura argentina y un fascículo más del significado y la importancia de la lucha feminista. En España, sin ir más lejos, la ley de la interrupción voluntaria del embarazo (aborto) entró en vigor hace poco menos de una década, en julio de 2010.

La lucha feminista, en su búsqueda por el transversalismo e internacionalismo, es positivo que sea plasmada para el conocimiento de la causa en profundidad. La apuesta del director pasa por un relato directo, con una amalgama de entrevistas a figuras que viven el contexto que entremezclan la iglesia católica, las mujeres y los estratos pobres de la sociedad, más la influencia de los medios de comunicación y las opiniones parlamentarias en el Congreso de los Diputados. Funciona gratamente para compactar los fenómenos de opresión y la contra-reacción liberadora.

El documental se sitúa en la capital de Buenos Aires y alrededores, donde se realizan las manifestaciones más multitudinarias del país. El punto de vista está del lado proabortista, en ejemplos como la preponderancia en tiempo en pantalla de los grupos marginados y los que les ayudan y las escenas donde los provida se quedan, a causa del montaje, sin palabras o perdiendo el debate.

Este punto de vista será a la larga primordial para comprobar si dicha pieza audiovisual será útil o no, si servirá para remover conciencias e unir más y mejora los colectivos feministas, tanto a nivel nacional argentino como internacional. Su función es visibilizar y empujar a los poderosos a ceder un poquito más, aunque a paso de tortuga, en sus privilegios. Y de entrada, cumple.

Lo bueno: El mensaje y su rico contenido divulgativo.
Lo malo: El montaje es poco innovador.

Nota: 7/10

Escrita por Edgar Caride.

Onward

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‘Onward’ es toda una aventura mágica y peculiar, entretenida y divertida que reflexiona sobre la magia del día a día en nuestro mundo hiper-tecnológico.

Título original: Onward
Dirección: Dan Scanlon
Guión: Keith Bunin, Dan Scanlon
Fotografía: Sharon Calahan
Música: Jeff Danna, Mychael Danna
Reparto: Voces de Tom Holland, Chris Pratt, Julia Louis-Dreyfus, Octavia Spencer, …
Fecha de estreno: 06/03/2020
País: Estados Unidos. Duración: 103′. Género: Animación, Aventuras.
Distribución: Disney. Cines: ?. Trailer.

Sinopsis: explica una historia de un mundo de fantasía suburbana donde dos hermanos elfos adolescentes, Ian y Barley Lightfoot, se embarcan en una aventura en la que se proponen descubrir si existe aún algo de magia en el mundo que les permita pasar un último día con su padre, que falleció cuando ellos eran aún muy pequeños como para poder recordarlo.

Pixar empieza el 2020 estrenando en los cines esta película dirigida por Dan Scanlon, un habitual en la factoría Pixar, autor de Tracy y Monstruos University, y participante en películas como Toy Story 4, Cars, Brave y un largo etcétera. En esta película pretende explicar una historia personal sobre la pérdida de un ser querido, la relación entre hermanos y, sobre todo, la necesidad de poner un poco de magia a nuestro día a día, en nuestra sociedad cada vez más deshumanizada. Inevitablemente, y como es habitual en Disney-Pixar, el film tiene momentos muy divertidos, algunos hilarantes, y otros muy tristes, de lágrima fácil, que perpetúan las mismas fórmulas de siempre, sin innovaciones ni sorpresas.

Sin embargo, los elementos que diferencian a Onward de las demás películas es el mundo élfico que crea, como si de un juego de rol se tratara, con sus conjuros, personajes y trampas, que convierten el film en una aventura épica y única. Los más pequeños saldrán encantados porque es muy entretenida y visualmente apabullante y, los mayores también se lo pasarán pipa, viviendo en este mundo que, sin ir más lejos, es el reflejo de nuestra sociedad. Vale la pena comentar que es curioso y realmente loable como Disney-Pixar es capaz de sacar el máximo partido a unas piernas y regalar instantes inolvidables de máxima reflexión, como la escena del baile.

Quizás esta película no sea la mayor apuesta de Disney-Pixar para este 2020 en cuanto a rendimiento económico (lo es más Soul), pero contiene todos los elementos para ser una película notable: un argumento sólido y reflexivo, unos personajes bien desarrollados, una animación insuperable que crea un mundo apasionante, y un ritmo idóneo para vivir una aventura emocionante, peculiar y divertida. 

Lo bueno: la escena del baile.
Lo malo: no innova demasiado y repite códigos ya habituales en Pixar.

Nota: 8/10

Cuestión de Justicia

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‘Cuestión de Justicia’ es una película construida para situarse en la piel del oprimido, aunque de forma superflua y trivial.

Título original: Just Mercy
Dirección: Destin Cretton
Guión: Destin Cretton & Andrew Lanham (Libro: Bryan Stevenson)
Fotografía: Brett Pawlak
Música: Joel P. West
Reparto: Michael B. Jordan, Jamie Foxx, Brie Larson, O’Shea Jackson Jr., Tim Blake Nelson, Rob Morgan
Fecha de estreno: 28/02/20120
País: Estados Unidos Duración: 135′. Género: Drama, Biográfico
Distribución: Warner Bros. Cines: 132. Trailer.

Sinopsis: Explica la historia real de Bryan Stevenson, un abogado afroamericano licenciado en Harvard que libró diversas batallas judiciales contra las abusivas sentencias a presos afroamericanos en el estado de Alabama.

Cuestión de Justicia es una película basada en el libro de Bryan Stevenson, Por Compasión (Editorial Península), quien vivió en su propia piel los hechos sucedidos. La película se centra en el caso de Johnny D y su encarcelamiento por el asesinato de una chica blanca de 18 años. Por eso, el film es un drama judicial con el retrovisor puesto en precedentes como To Kill a Mockingbird con el que las similitudes entre ambas obras, literarias y cinematográficas, son tan solo argumentales, pues la realización dista mucho en cuanto a calidad.

La película de Cretton gusta por su bondad; tiene la estructura narrativa de una historia que busca justicia. Presenta un maniqueísmo necesario para construir la historia del opresor contra el oprimido y el público comprender las intríngulis de la parcialidad legal. Los personajes son estereotipos propios de una fábula apta para contar a generaciones futuras para que aprendan cómo fue la historia. En cierto sentido, funcionan como partes de una fábula, pero uno se pregunta si un ermitaño sin ningún tipo de antecedente informativo comprendería la cuestión del racismo a través de este film.

La película nunca ataca el racismo desde la raíz. La lucha aparece endulzada, entre otras causas, por el carácter plano del protagonista, más inclinado por cumplir como persona o abogado que por sentir la sangre hirviendo contra los abusos de poder sistemáticos. De trivializar a no trivializar el racismo puede dibujarse una “delgada” línea entre dibujar matices a un personaje en su implicación con la causa con detalles específicos que lo demuestren. ¿Qué motivos llevaron Stevenson a Alabama? ¿Qué baches tiene que atravesar para penetrar en el sistema judicial de Alabama con su color de piel? ¿Qué detalles nos muestran la brecha social diaria que sufre la población negra contra la blanca? Nada de esto aparece en pantalla.

En resumen: falta chicha en los personajes que tiran del carro, tanto en el héroe como en el sistema racista. Esencial acomplejar en un tema tan históricamente tratado por el cine, sea enfocado para un público juvenil o para un público con la barriga llena de cine antirracista.

Lo bueno: Su funcionamiento como una fábula contra el racismo.
Lo malo: La trivialidad con la que es presentado el racismo.

Nota: 5/10

Escrita por Edgar Caride.

The Gentleman: Los Señores de la Mafia

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‘The Gentleman: Los Señores de la Mafia’ es un ejemplo de argumento complejo, atrevido, lleno de giros argumentales y sorpresas que, al mismo tiempo, puede ser fácilmente olvidable.

Título original: The Gentleman
Dirección: Guy Ritchie
Guion: Ivan Atkinson, Marn Davies, Guy Ritchie
Música: Christopher Benstead
Fotografía: Alan Stewart
Reparto: Matthew McConaughey,Charlie Hunnam,Henry Golding, Michelle Dockery, Jeremy Strong, Colin Farrell, Hugh Grant, …
Fecha de estreno: 28/02/2020
País: Estados Unidos Duración: 113’. Género: Thriller, Acción. Distribución: Vértice Cine. Cines: 347. Trailer.

Sinopsis: explica la historia de un capo de la droga, con un estilo británico, que intenta vender su imperio a una dinastía de multimillonarios procedentes de Oklahoma. Sin embargo, la venta será mucho más complicada y violenta de lo que se esperaba. 

Guy Ritchie es de los mejores directores del panorama actual que, a veces, es fácil saber si una película es suya por su particular estilo de dirigir y montar los trabajos. Sin embargo, Aladdín fue un completo fracaso y muy mejorable film que manchó, poco o mucho, su filmografía. Por suerte, con The Gentleman regresa a su mejor estilo, el de Snatch o Lock & Stock, con un reparto excelente, capitaneado por Matthew McConaughey, y un argumento de lo más entretenido.

Cabe avanzar que The Gentleman no está al nivel de sus mejores películas y, probablemente, se olvide rápidamente, pero sí será recordada como un ejemplo de argumento complejo, atrevido, lleno de giros argumentales y sorpresas. El público que vaya a verla estará durante casi dos horas inmerso en una historia de drogas, mentiras, violencia y corrupción que no se sabe bien cómo acabará y, por eso, mejor quedarse hasta el final. Sin embargo, viniendo de Ritchie, personalmente esperaba un thriller de acción más trepidante, con un montaje más frenético y, en definitiva, con un trabajo que dejara huella en su filmografía. En este caso, es un producto de consumo rápido, correcto en su ejecución y mínimamente interesante.

El discurso principal de la película es el clásico “paso del tiempo”, “lo antiguo con lo nuevo” y funciona muy bien en la historia que relata. Además, todo está engalanado con una elegancia burguesa que le da un toque especial, con unos personajes que han pasado de ser macarras a señores de la mafia, como el subtítulo indica. The Gentleman, quizás, deberíamos verla como el regreso de Ritchie a sus inicios, pero con el inevitable paso de los años que muestra la evolución de su cine.

Lo bueno: Hugh Grant y Colin Farrell.
Lo malo: la poca innovación y originalidad desde los inicios de Ritchie.

Nota: 7’5/10

El Doble Más Quince

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‘El Doble Más Quince’ es cine romántico independiente que se queda a medio camino de una premisa inicial prometedora.

Título original: El Doble Más Quince
Dirección: Mikel Rueda
Guion: Mikel Rueda
Fotografía: Kenneth Oribe
Reparto: Maribel Verdú, Germán Alcarazu, Mario Plágaro
Fecha de estreno: 28/02/2020
País: España Duración: 98’. Género: Drama, Romance.
Distribución: Filmax. Cines: 42. Trailer.

Sinopsis: explica la historia de una mujer de 45 años y un chico adolescente que se conocen en un chat de sexo y pasan un fin de semana juntos.

Mikel Rueda regresa a la cartelera con un drama romántico protagonizado por la veterana Maribel Verdú y por el joven Germán Alcarazu para explicar esa relación que, a través del diálogo, ambos consiguen conocerse y cruzarse las edades. Ella rejuvenece y se transforma en una adolescente emocionalmente inestable: miente por miedo a la situación, se esconde o se suelta la melena en una fiesta. Él se hace mayor, deja citas sobre la muerte y el tiempo, ejemplificadas en una a lo Benjamin Button: “Sería mejor que empezáramos a vivir con 80 años y en nuestra jubilación estuviésemos más guapos, más ágiles y más enérgicos”.

En el universo visual de la película no cabe otro espacio en la imagen que planos medio, corto y detalle de los protagonistas; el resto, el espacio que les rodea, sea cual sea, se nubla, casi siempre desenfocado. La borrosidad de la imagen nos sugiere que nada importa: todo está en sus cabezas, miradas y cuerpos. En focalizarse en tan solo ellos dos, el tú a tú, aumenta la importancia de cada gesto y cada palabra.

Es una película de diálogo y requiere de sutileza tejiendo lo que dice y muestra. Sin embargo, dice demasiado y muestra demasiado poco. Cuando se introducen detalles de la vida de los protagonistas de una historia cualquiera, éstos ganan en profundidad y nos permite como espectadores conocerlos de tal modo que los veamos únicos, con una personalidad que los hace ser ellos. No es el caso. Todo lo nuevo que aprendemos de ellos proviene de lo que hablan, no del lenguaje no-verbal. A sus escenas paseando en silencio juntos les falta sustancia; carece de atención a las particularidades de cada uno. Ante la falta de desarrollo de los caracteres, la narración no anda equilibrada en ritmo e historia y se impregna de clichés.

Lo bueno: El acierto en el desenfoque del espacio visual.
Lo malo: La falta de profundidad del perfil de los personajes.

Nota: 6/10

Escrita por Edgar Caride.

Las Golondrinas de Kabul

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‘Las Golondrinas de Kabul’ es una sorprendente y emotiva película de animación con una feroz crítica y representación del Kabul de finales de siglo XX.

Título original: Les hirondelles de Kaboul
Dirección: Zabou Breitman y Eléa Gobbé-Mévellec
Guion: Zabou Breitman, Patricia Mortagne, Sébastien Tavel (Libro: Yasmina Khadra)
Música: Alexis Rault
Fotografía: Animación.
Reparto: Animación.
Fecha de estreno: 21/02/2020
País: Francia. Duración: 80′. Género: Animación, Drama.
Distribución: Night Drive. Cines: 17. Tráiler.

Sinopsis: explica la historia de Mohsen y Zunaira, dos adolescentes que viven en Kabul y se han enamorado pese a vivir en un entorno repleto de violencia y miseria. Paralelamente, explica la historia del matrimonio de Atiq, un trabajador en una cárcel de mujeres y Mussarat, una mujer enferma.

Es una pena que Las Golondrinas de Kabul no haya tenido más recorrido internacional porque bien podría ser una firme candidata en muchos premios, sobre todo por el componente crítico de los efectos de la llegada de los talibanes a Afganistán. Y es que el libro de Yasmina Khadra, pseudónimo de Mohamed Moulessehoul, enmarca dos relaciones de amor en ese Kabul destrozado y sin rumbo, gobernado por la angustia de la guerra. El film plasma muy bien los escenarios de la novela con la ayuda de una magnífica y luminosa animación de acuarela que, acompañada de una música orchestral, adentran al espectador de lleno en la historia.

La historia de Atiq Shaukat recuerda a El Alquimista de Paulo Coelho, un hombre sin alma, pensativo, que anda por las calles de la ciudad, con una vida rutinaria y una mujer enferma de cáncer. Paralelamente, se contrapone a la historia de Mohsen Ramat y Zunaira, dos jóvenes llenos de vida que tienen planes de futuro pese a vivir en un país cerrado, que no les deja salir y con pocas aspiraciones. Ambos relatos se combinan muy bien para que se vaya creando un clímax final lleno de tensión, dejando una sensación amarga en el cuerpo por la crudeza de los hechos, un factor que en la novela no se vive tanto. Eso sí: hay instantes en la película que podrían estar mejor explicados y que, por suerte, la novela los expone más claramente. 

Por lo tanto, el trabajo de Zabou Breitman y Eléa Gobbé-Mévellec es digno de alabar y demuestra que hay largometrajes que con animación pueden llegar mucho más lejos que con acción real. Este es un ejemplo que, por supuesto, no sería recomendable que niños y niñas la viesen ya que contiene momentos muy duros. Al final, por eso, se logra una sorprendente y emotiva película de animación con una feroz crítica y representación del Kabul de finales de siglo XX.

Lo bueno: aunque se haya leído la novela, emocionará mucho.
Lo malo: hay partes mal explicadas que con la novela se entienden mejor.

Nota: 8/10