Vitoria 3 de Marzo

‘Vitoria 3 de Marzo’ es el relato de un acontecimiento histórico silenciado y apartado que merece ser visto y conocido.

Título original: Vitoria, 3 de marzo
Dirección: Victor Cabaco
Guion: Héctor Amado, Juan Ibarrondo
Fotografía: Gaizka Bourgeaud
Reparto: Ruth Díaz, José Manuel Seda, Alberto Berzal, Mikel Iglesias, Amaia Aberasturi, Iñigo de la Iglesia,
Fecha de estreno: 01/05/2019
País: España. Duración: 90′. Género: Drama.
Distribución: Filmax. Cines: ?. Tráiler

Sinopsis: explica el acontecimiento del 3 de marzo de 1976 en Vitoria-Gasteiz cuando cinco trabajadores murieron a manos de la policía durante el desalojo de una asamblea, en el contexto de una larga huelga.

Tras unos años como director de algunos capítulos de la serie ‘Compañeros’, Víctor Cabaco se enfrenta al largometraje para explicar unos hechos que merecen tener su representación en cine. Mediante un proceso de documentación laborioso, el director y su equipo han explicado lo que pasó en Vitoria-Gasteiz el 3 de marzo de 1976, intentando no posicionarse políticamente y siendo lo más fidedigno posible. Asimismo, los 90 minutos pasan volando y hacen ágil un argumento que no se estanca y funciona perfectamente. Eso sí, me sobra la música enfatizadora en las escenas violentas que no necesitan dramatización.

Sin embargo, para alejarse del documental presenta una historia de amor como hilo conductor de todo lo que sucedió, interpretado por Mikel Iglesias y Amaia Aberasturi, ambos correctos en sus papeles. Además, el director y los guionistas deciden no centrarse en la violencia que hubo sino en la otra violencia, la psicológica y cómo afectaba a los ciudadanos de la capital vasca. No obstante, este retrato psicológico de los personajes no profundiza suficiente y es bastante superficial, pero eso no desmerece un trabajo que da voz a lo que, en su momento, fue omitido.

¿Recomendable? Sí, tanto a jóvenes como adultos.

Lo bueno: escuchar las grabaciones de la Policía.
Lo malo: el exceso de dramatización al final.

Nota: 6/10

Entrevista a Víctor Cabaco aquí.

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Gloria Bell

‘Gloria Bell’ es una película necesaria para los tiempos que corren, totalmente aconsejable y crucemos los dedos para que Julianne Moore nunca abandone su profesión de actriz.

Título original: Gloria Bell
Dirección: Sebastián Lelio
Guion: Sebastián Lelio, Alice Johnson Boher
Fotografía: Natasha Braier
Música: Matthew Herbert
Reparto: Julianne Moore, John Turturro, Michael Cera, Jeanne Tripplehorn, Holland Taylor, Brad Garrett,
Fecha de estreno: 26/04/2019
País: Estados Unidos. Duración: 102′. Género: Drama, Romance.
Distribución: Sony Pictures. Cines: 64. Tráiler

Sinopsis: cuenta la historia de una divorciada que pasa sus días trabajando en una oficina y, por la noche se desata bailando en discotecas de Los Ángeles. No obstante, su vida cambiará cuando conozca a Arnold.

Una discoteca. Luces de neón. Y una Julianne Moore tímida, insegura y escondida tras unas gafas. “Gloria Bell”: lo mejor, sin duda, en esta película es ella. Su capacidad de comerse la pantalla y eclipsar a cualquier otro actor es algo innato en ella. A eso se le llama talento y se agradece que suceda en cada uno de los personajes que interpreta en los distintos films en los que aparece. Sentimos las alegrías, las penas, las angustias de Gloria gracias a la excelente interpretación de Moore.

El director opta, además, por narrar la evolución de la protagonista a través de la música (“I will survive” o “Alone again”, entre otras), resultando un hilo conductor ágil y lleno de matices. “Gloria Bell” cuenta además con una de las estéticas más hermosas y características de los últimos tiempos, así como una puesta en escena elegante.

El mensaje de la película es obvio y tal vez ha sido bastante manido en el cine. Sin embargo, en este caso, cala en el espectador y, su forma de transmitirlo es inteligente y muy acertado para el lenguaje cinematográfico. Sus silencios y las expresiones de Julianne Moore nos transmiten sus angustias, su aburrimiento y hasta sus esperanzas en la vida.

Lo bueno: Julianne Moore y la escena del Paintball.
Lo malo: Que el espectador la vea como una película más.

Nota: 9/10

Escrita por Gabriela Rubio.

Gracias a Dios

‘Gracias a Dios’ es el símbolo de la lucha actual contra los abusos a niños de la Iglesia con la veteranía de Ozon aunque se hace algo pesado.

Título original: Grâce à Dieu
Dirección: François Ozon
Guion: François Ozon
Fotografía: Manuel Dacosse
Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine
Reparto: Melvil Poupaud, Denis Menochet, Swann Arlaud, Eric Caravaca, François Marthouret, Bernard Verley, …
Fecha de estreno: 18/04/2019
País: Francia. Duración: 137. Género: Drama.
Distribución: Golem Distribución. Cines: 82. Tráiler

Sinopsis: se adentra en los entresijos de la iglesia para relatar la historia de una organización que denuncia los casos de pedofilia de los capellanes. Basado en el caso real de Bernard Preynat, sacerdote de la Diócesis de Lyon.

A título personal, François Ozon me maravilló con ‘Frantz’ y me decepcionó con ‘El Amante Doble’. Esta vez trata un tema muy actual, ya que el caso de Bernard Preynat salió a la luz en 2016. El desarrollo del argumento es correcto, aunque algo denso, y muy bien filmado que provoca indignación, interés y emoción al espectador mediante tres historias de tres personajes diferentes.

Un detalle curioso del film es la demostración de que un movimiento así ha sido impulsado por gente que tiene dinero y puede permitirse abogados, mientras que la llamada ‘clase baja’ no está por estos temas ni puede permitirse ir a juicios. A parte de esto, hay que remarcar que la película dura 137 minutos, totalmente innecesario para explicar esta historia que se alarga y alarga.

En definitiva, Ozon no decepciona en su último trabajo al trata un tema delicado que logra hacerse interesante pese a su ritmo y duración y que recuerda a ‘Spotlight’ de Thomas McCarthy.

¿Recomendable? Sí.

Lo bueno: algunos detalles y su elenco actoral.
Lo malo: su densidad y ritmo.

Nota: 7’5/10

Vista en el contexto del Festival de Berlín. Consulta aquí la cobertura.

Un Pueblo Y Su Rey

‘Un Pueblo y Su Rey’ es otro punto de vista sobre la Revolución Francesa, algo peligroso y ambiguo, pero interesante de ver y conocer.

Título original: Un peuple et son roi
Dirección:Pierre Schoeller
Guion: Pierre Schoeller
Fotografía: Julien Hirsch
Música: Philippe Schoeller
Reparto: Gaspard Ulliel, Louis Garrel, Laurent Lafitte, Adèle Haenel, Denis Lavant, Niels Schneider, Céline Sallette, …
Fecha de estreno: 05/04/2019
País: Francia. Duración: 121′. Género: Drama | Histórica.
Distribución: A Contracorriente Films. Cines: 36. Tráiler

Sinopsis: cuenta la historia de la Revolución Francesa, entrecruzando los destinos de mujeres y hombres del pueblo con los de figuras históricas.

El director francés Pierre Schoeller presenta una superproducción sobre la Revolución Francesa, enfocada, en gran parte, desde la visión del pueblo aunque también deja lugar para la nobleza e iglesia. En ella encontramos un guion bien elaborado a nivel histórico con intenciones de hacer reflexionar al espectador sobre las diversas tendencias de la época, conteniendo detalles interesantes y curiosos. Sin embargo, en mi opinión, su enfoque sobre este hecho histórico puede ser peligroso y debe “cogerse con pinzas” aunque no deja de ser digno de analizar.

El trabajo de Schoeller se sustenta por un gran elenco actoral que da la talla en todos sus papeles. Ayudan a dar credibilidad al tema, al igual que su dirección artística que logra ambientar y situar muy bien al público dentro del contexto. Además, tiene algunos detalles que merecen una atención especial (el papel de la mujer, las figuras de Robespierre y Danton) porque, hasta cierto punto, pueden ser didácticos pero, como ya se ha mencionado, deben “cogerse con pinzas”. Podríamos decir que la obra de Pierre Schoeller no es errónea ni mala ni deficiente porque contiene escenas violentas y duras y tiene planteamientos interesantes y reflexivos, pero el enfoque es algo ambiguo y puede dejar entre dos aguas.

Lo bueno: la escena cuando sale el sol con la toma de la Bastilla.
Lo malo: sus 121 minutos se hacen largos y pesados.

Nota: 6/10

Mentes Brillantes

‘Mentes Brillantes’ es una lección de medicina a golpes de esfuerzo para enseñar y reflexionar sobre las duras pruebas de acceso que se tiene que pasar como si los humanos fuéramos máquinas.

Título original: Première année
Dirección: Thomas Lilti
Guion: Thomas Lilti
Fotografía:Nicolas Gaurin
Música: Alexandre Lier, Sylvain Ohrel, Nicolas Weil
Reparto: Vincent Lacoste, William Lebghil, Michel Lerousseau, Darina El Joundi, Benoît Di Marco, Graziella Delerm, …
Fecha de estreno: 05/03/2019
País: Francia. Duración: 94′. Género: Drama.
Distribución: Adso Films. Cines: 31. Tráiler

Sinopsis: se centra en la vida de Antoine quien decide prepararse para las pruebas de acceso a Medicina por tercera vez. Entrará en un mundo tan competitivo y caracterizado por noches de estudio intenso, junto con otro amigo tendrán que encontrar un término medio entre el sacrificio del presente y la esperanza de un brillante futuro.

Thomas Lilti es un director que logra hacer una gran película con una sencillez ejemplar. Es por eso que hay que tenerlo en cuenta. Más con esta película con la que, de alguna manera, cierra la trilogía que inició con ‘Hipócrates’ y siguió con ‘Doctor en la Campiña’. En este trabajo sigue en la misma línea que las anteriores, equipándose de un dúo actoral excelente para explicar la dureza de las pruebas de acceso a Medicina, al mismo tiempo que se crea una amistad.

Vincent Lacoste y William Lebghil hacen posible que esta historia cobre vida y el espectador sufra el mismo sufrimiento que pasan ellos. Lilti explica el proceso al que se llega a estas pruebas de acceso de una manera deshumanizadora porque, tal como lo enfoca, parece que los examinantes sean tratados como máquinas sin opción a razonar. Por este motivo, esta película es muy recomendable porque la historia está bien contada, bien actuada, vale la pena conocerla y reflexionar con ella. Su final es algo inverosímil, pero no deja de ser canto a la amistad.

¿Recomendable? Mucho. A cualquier persona.

Lo bueno: logra hacer que las conversaciones técnicas sean apasionantes.
Lo malo: que lo que plantea sea verdadero.

Nota: 7’5/10

Asher

‘Asher’ se mueve entre el drama y el thriller de un modo pausado con elegancia, al estilo Ron Perlman, pero deja mucho que desear.

Título original: Asher
Dirección: Michael Caton-Jones (Vida de Este Chico)
Guion: Jay Zaretsky
Fotografía: Denis Crossan
Música: Simon Boswell
Reparto: Ron Perlman, Famke Janssen, Richard Dreyfuss, Peter Facinelli, Jacqueline Bisset, Guy Burnet, Marta Milans, …
Fecha de estreno: 05/04/2019
País: Estados Unidos. Duración: 105′. Género: Drama.
Distribución: A Contracorriente Films. Cines: 3. Tráiler

Sinopsis: presenta la vida de Asher, un antiguo miembro del Mossad que se ha convertido en asesino a sueldo, viviendo de manera austera en un Brooklyn. Llegando al final de su carrera y quizá de su vida, Asher rompe una promesa que hizo de joven cuando conoce a Sophie en un trabajito que se tuerce.

El proyecto que presenta el director británico Michael Caton-Jones es un drama-thriller que promete ser ingenioso, con un guion distinto y una figura imprescindible en pantalla. Sin embargo, de los tres elementos solo encontramos el último. Ron Perlman es el que acapara la pantalla en esta historia que pretende ser reflexiva e ir más allá, pero no es nada destacable más allá del tema judío que incluye. Se asiste y entra en la historia con pasividad y falta de interés. 

Eso sí, la presencia de Perlman le da valor al film y su toque se nota, a la altura de personajes como León de ‘El Profesional’ (Luc Besson, 1994). Aun así, el gran problema del trabajo de Caton-James es su ritmo lento y falta de chispa. Le cuesta conectar con el espectador y llevarlo por las calles de Nueva York o meterle dentro de una trama de asesinatos. Además, más allá de los posibles clichés que pueda tener, parece que todo pase a cámara lenta y pasas los 105 minutos a duras penas, a poco de caer dormido. En definitiva, lo que el inicio prometía acaba diluyéndose en algo ya visto y sin interés.

¿Recomendable? No mucho. Para fans de Perlman.

Lo bueno: el inicio prometedor y algunos diálogos.
Lo malo: indiscutiblemente, su ritmo.

Nota: 5’5/10

Identidad Borrada

‘Identidad Borrada’ es una lección contra los que piensan que la homosexualidad es una enfermedad curable y es una flecha directa a la existencia de las clínicas religiosas creadas para eso.

Título original: Boy Erased
Dirección: Joel Edgerton
Guion: Joel Edgerton (Libro: Garrard Conley)
Fotografía: Eduard Grau
Música: Jonny Greenwood
Reparto: Lucas Hedges, Nicole Kidman, Russell Crowe, Joel Edgerton, Xavier Dolan, …
Fecha de estreno: 05/03/2019
País: Estados Unidos. Duración: 114′. Género: Drama.
Distribución: Universal Pictures. Cines: 123. Tráiler

Sinopsis: explica la historia de Jared Eamons, hijo de padres religiosos de una ciudad de norteamérica que será obligado a participar en un programa para curar su homosexualidad.

Joel Edgerton deja de lado el thriller y la intriga (‘El Regalo’) para tocar un tema delicado y complicado sobre la “normalización” o “cura” de la homosexualidad en un país en el que todavía hay clínicas para este tema. Mediante el libro sobre la experiencia de Garrard Conley define este drama interesante, dirigido con excelencia y elegancia, y con un carácter aleccionador. Edgerton adentra al espectador en la psicología de Jared mostrando el calvario que puede llegar a ser una clínica, sin dejar tiempo a la reflexión.

El director se acompaña de un reparto de lujo, con el protagonismo inmejorable de Lucas Hedges a quien le acompaña una Nicole Kidman y un Russell Crowe espléndidos. El mismo Edgerton sale como “antagonista” y el director canadiense Xavier Dolan también. Todos contribuyen a hacer creer esta historia que contiene humanidad y emotividad. Eso sí, su estilo narrativo puede dejar algo frío y hay poco espacio para la reflexión hasta que las letras finales acaban por obligar a pensar sobre la homofobia “normalizada”.

¿Recomendable? Sí para quien le interese el tema.

Lo bueno: la relación familiar Hedges-Crowe-Kidman.
Lo malo: los ‘flashbacks’ ralentizan un ritmo que se hace pesado.

Nota: 7/10