[Cobertura] Sitges 2019

Por segundo año consecutivo, Cinezin está acreditado al Festival de Sitges. Esta edición 52 se celebra del 3 al 13 de octubre promete ser todavía más friki y fantástica que la anterior, con algunas interesantes propuestas españolas. Arnau Roura y Fer Zaragoza estarán cubriendo el festival y en este artículo (que actualizaremos cada día) podréis leer qué películas van viendo y qué les parece. Eso sí: no os olvidéis de seguirnos en Twitter e Instagram. Información al minuto. ¡Que comience Sitges!

Día 9 (13/10/2019)

FIRST LOVE (*** 1/2)

En el fondo, todos sabíamos que Takashi Miike no podía faltar en Sitges 2019. Y, aunque con mucho suspense, ‘First Love’ acabó siendo la película sorpresa de este año. Un boxeador y una adolescente se embarcan en una odisea criminal repleta de violencia, yakuzas y humor negro. Miike nos da lo que promete, con esas «sobradas», marca de la casa, y que recuerdan a sus mejores trabajos. Es divertida y los personajes están al servicio de una peli que, afortunadamente, no trata de tomarse en serio así misma. Con sus altibajos, sabe sobreponerse gracias a sus momentos locos en los que su director sabe moverse como pez en el agua. La película ideal para cerrar la 52 edición del Festival de Sitges.

-Escrita por Fer Zaragoza-

Día 8 (12/10/2019

EL CAMINO: UNA PELÍCULA DE BREAKING BAD (**1/2)

Sin ser fans de la serie y sin haber visto todas las temporadas vimos la película que muchos estaban esperando (no solo por la presencia de Aaron Paul en Sitges). Por lo tanto, nuestra visión sobre la película está valorada desde un punto de vista no-fan y sin conocimiento. Dicho esto, El Camino explica cómo el fugitivo Jesse Pinkman huye de sus perseguidores, de la ley y de su pasado y, en líneas generales, no podríamos decir que es una mala película porque tanto en dirección como en guion cumple, además de tener instantes de auténtica tensión. No obstante, como thriller con persecuciones, disparos, engaños y violencia es bastante insulso, con muy poca garra y mala leche. Según algunos fans de la serie, parece ser que en lugar de ser un ‘spin-off’ es un episodio más de la serie, con una duración de 122 minutos y mensajes o momentos que recuerdan a la serie. En nuestra opinión, un thriller más.

LA FAMILIA ADDAMS (***)

La animación de Conrad Vernon y Greg Tiernan, creadores de La Fiesta de las Salchichas, es una adaptación más de esta peculiar familia que recuerda mucho a la saga de Hotel Transilvania y que mantiene el mismo mensaje de siempre. No obstante, el argumento está actualizado a los tiempos actuales con mensajes sobre las nuevas tecnologías, redes sociales, abusos de poder y vigilancia por parte de autoridades. Todo ello conforman una interesante cinta de animación que cualquier público disfrutará, sobre todo en el tramo final, y hará reflexionar. Además, directores y guionistas trabajan muy bien la parte humorística y, desde un punto de vista personal, tiene momentos muy divertidos que gustará todavía más a los espectadores que vean esta Familia Addams. 

WEATHERING WITH YOU (EL TIEMPO CONTIGO) (***)

Makoto Shinkai es el responsable del éxito de la célebre película Your Name que se estrenó el 2017 en España. Dos años más tarde presenta Weathering With You o El Tiempo Contigo, una historia de amor entre Hodaka, un estudiante que se muda a Tokio y trabaja en una revista misteriosa y Hina, una chica que tiene un poder que puede hacer que la lluvia pare y la luz regrese a la ciudad. Como es habitual en el cine japonés de animación, la originalidad es sorprendente y siempre saben buscar argumentos curiosos e interesantes, como el de esta película que, además de una historia de amor, hay de fondo temas sobre ecología y cambio climático. Durante 112 minutos, la película es el retrato social de ese ciudadano joven que se busca la vida como puede en Tokio, una ciudad masificada que, en este caso, llueve todos los días. Poco a poco, la historia de amor se va desarrollando tiernamente y va calando en el corazón del espectador sin dejar el drama social que presenta y el retrato de los posibles efectos del cambio climático con la lluvia desbordando las calles japonesas. Sin embargo, el film se hace repetitivo y su historia de amor puede llegar a cansar, un elemento que no sucedía en Your Name puesto que su argumento era mucho más sólido y elaborado que en El Tiempo Contigo. Aun así, el espectador disfrutará de una animación apasionante y muy colorida, y también, de una banda sonora emotiva y deliciosa que ayuda a convertir los momentos de acción en épicos mediante melodías orquestales excelentes.

Día 7 (11/10/2019

THE VIGIL (**1/2)

La película de clausura del Festival de Sitges 2019 es un film típico y previsible dentro del género de terror y del subgénero de posesiones y casas encantadas, con el elemento del judaísmo y la religión de fondo. La propuesta de Keith Thomas no es del todo fallida porque trabaja bien la tensión, los sustos y la iluminación, siempre manteniendo la intriga en todo momento y el «mal rollo» en el cuerpo del espectador. No obstante, a medida que avanza se puede intuir por dónde tirará la historia y, en general, tiene pocas sorpresas, pero puede ser que los amantes de este estilo de cine disfruten del terror religioso que presenta. Un elemento positivo del film sería el actor Fred Melamed quien realiza una destacable interpretación, haciendo creíble su personaje en todo momento, y otro elemento remarcable es el uso del sonido a lo largo del metraje. Idóneo en todo momento. Estos aspectos elevan una película modesta con un argumento convencional, pero que tampoco estaríamos delante de un trabajo excelente. 

EN EL POZO (***)

Los hermanos Bernardo Antonaccio y Rafael Antonaccio inauguran su filmografía con un aparente drama sobre una reunión de cuatro amigos en una cantera abandonada. A medida que pasan los minutos, la relación entre ellos se va complicando y, mediante el machismo y la toxicidad, el film se convierte en un thriller que, bien podría ser mucho más tenso de lo que es, pero que no decepciona en su ejecución. La película mantiene un ritmo lento, de cocción lenta hasta llegar a un clímax final inesperado que trata de ser un retrato de hasta qué punto puede traicionar al carácter de una persona la masculinidad tóxica. Todas sus conversaciones parecen ser aburridas y sacadas de un manual de guion pero te vas dando cuenta que la naturalidad de sus personajes y lo creíble que convierten el relato hace que se haga incómoda e indignante. En opinión personal, al film le falta garra y «mala leche», exprimir esa toxicidad pero, aun así, el resultado final es un correcto e interesante drama-thriller sobre la violencia de género.

EXTRA ORDINARY (****)

La película más divertida del festival. Los directores Mike Ahern y Enda Loughman se inspiran con El Exorcista y las películas de fantasmas para realizar una comedia de terror divertidísima, muy entretenida y digna de saborear. La historia se centra en un cantante en decadencia que decide hacer un pacto con el diablo para tener inspiración y volver a ser el mejor. Para ello involucra a una chica adolescente. Entonces, el padre de esta niña llamará a la profesora de autoescuela Rose, brillantemente interpretada por Maeve Higgins, con poderes para hablar con fantasmas y quitar la posesión de la adolescente. Todo este argumento que, aparentemente, parece complejo y demasiado lioso, el equipo del film logran que tenga sentido, se explique bien y sea un puro disfrute para el espectador, con múltiples gags, un detrás de otro, icónicos y muy graciosos. En general, la mayoría de secuencias son de humor básico y muy tonto, al estilo de Un Cadáver A Los Postres, perfecto para ir sacando la carcajada del público que disfrutará de una película totalmente hilarante.

FLY ME TO THE SAITAMA (***1/2)

Tuvimos la enorme fortuna de estar presentes, por primera vez, en la maratón Japan Madness. Aunque, lamentablemente, el sueño acechaba y sólo pudimos disfrutar de dos de sus cuatro películas programadas. La primera de ellas fue el live action ‘Fly me to the Saitama’, el film con el que más me he podido reír en esta edición. Los habitantes de la región de Saitama son marginados por una fuerte represión social y dictatorial. Rei Asami, un saitamés de los pies a la cabeza, tratará de liberar al pueblo de su amada Saitama. Disparatada adaptación del distópico manga nipón que te hace aplaudir cada dos minutos. Sus momentos de vergüenza ajena al más puro estilo Tommy Wiseau son magistrales y, en cierta manera, extremadamente divertidos y bochornosos. El público estaba completamente entregado desde el comienzo y las carcajadas inundaban el Retiro como nunca con cada escena que se iba sucediendo. Película MUY recomendable para ver con amigos y, si me permitís, con unas cuantas cervezas de más.

-Escrita por Fer Zaragoza-

SIGNAL 100 (**)

Segunda parte del Japan Madness de la madrugada del jueves al viernes. ‘Signal 100’ es obra protagonizada por unos estudiantes que tendrán que sobrevivir a un diabólico juego del suicidio mediante hipnosis. Propuesta oriental de manual, con referencias a clásicos asiáticos tales como ‘Battle Royale’ o ‘Confessions’. Muy irregular, pero consigue entretener y ofrece momentos gore bastante divertidos. No se le puede pedir más.

-Escrita por Fer Zaragoza-

LA POSESIÓN (*****)

El reconocido actor Sam Neill fue el invitado ilustre de este año al ser reconocido con el Gran Premio Honorífico del festival a una carrera marcada por el fantástico y el terror. Entre toda su filmografía destaca, por encima de todas, una película que, a día de hoy, se mantiene extraña y de máxima actualidad: ‘Possession’ de Andrzej Zulawski. Sitges recupera este clásico de culto de 1981 que contó con la presencia del ya mencionado actor y un posterior coloquio sobre la película. Obra maestra incontestable del surrealismo cinematográfico. El Berlín de la postguerra mejor retratado en el cine, con una ambientación fría, violenta y desgarradora. Entre medias, dos actores como Isabelle Adjani y Sam Neill en su momento de mayor plenitud. Una experiencia extrema que reflexiona sobre la complejidad de las relaciones amorosas, la figura femenina, Dios, el mundo moderno… En resumen, una obra compleja de análisis extenso y detenido que incita al rechazo, pero que supone la máxima expresión de lo que conocemos como ‘cine puro’. Locura y genialidad al servicio de un cineasta cuya inspiración sigue sin tener límites.

-Escrita por Fer Zaragoza-

Día 6 (10/10/2019)

LE DAIM (****)

Turno para una de las mayores sorpresas del festival: ‘Le Daim’ de Quentin Dupieux. Jean Dujardin es un fracasado cuya forma de afrontar la crisis de los cincuenta es obsesionándose con su chaqueta 100% piel de ciervo y que, casi por arte de magia, acaba interesándose por el cine y termina rodando pelis snuff. Lo que parecía que se iba a quedar en un simple chiste de ochenta minutos, resulta ser una alucinada cinta meteórica con mucha más profundidad de lo que uno podría llegar a imaginarse. A estas alturas, no vamos a descubrir el cine de Quentin Dupieux. Sus marcianadas son de sobra conocidas, pero con ‘Le Daim’ ha alcanzado su punto de madurez sin llegar a perder aquello que lo hace único. La cinta se desliza por el humor negro a través de las situaciones más absurdas que podamos llegar a imaginar. Una genial y divertidísima reflexión sobre el cine y el lenguaje cinematográfico.

-Escrita por Fer Zaragoza-

EL LAGO DEL GANSO SALVAJE (*1/2)

Decepcionante película del prometedor cineasta chino Diao Yinan que se estrella estrepitosamente en este fallido thriller de mafias. Cuando uno ve una película como ‘Black Coal’, no entiende cómo su director ha sido capaz de rodar algo como ‘The Wild Goose Lake’. Su arranque es formidable y engancha desde el principio. Pero, a medida que avanza, la trama comienza a regodearse en la banalidad de sus personajes hasta convertirse en desesperantes ínfulas al cine de Wong Kar-Wai. Lo único salvable aquí es la fotografía de Dong Jingsong.

-Escrita por Fer Zaragoza-

Día 5 (09/10/2019)

COME TO DADDY (***)

Siempre es un placer ver a Elijah Wood en la gran pantalla aunque sea con películas menores o no tan grandes como El Señor de los Anillos. En este film que se ha presentado en Sitges, Wood interpreta a un chico con problemas de adicción que un día recibe una carta de su padre solicitando una visita y acude rápidamente a su casa. Poco a poco se va dando cuenta que algo no encaja con la actitud de su padre, iniciándose así una pesadilla que acompaña al espectador durante 93 minutos. El director Ant Timpson mezcla el thriller con instantes de terror; el humor negro con violencia, mientras va siguiendo al personaje de Elijah Wood que, por cierto, está estupendo el actor norteamericano. No obstante, cuando el film va terminando, en mi opinión, el argumento se alarga y complica innecesariamente con lo que convierte la película en sí, un thriller disfrutable pero no excelente. 

PUNTO MUERTO (***)

Esta película de Daniel de la Vega es la incursión del director argentino en terrenos policíacos, propio del cine negro clásico con un argumento muy novelesco, al estilo de Agatha Christie o John Le Carré. Sigue las peripecias en un hotel de un escritor, Luis Peñafiel, que ha escrito su última novela que plantea el crimen perfecto en una habitación cerrada, pero una noche, un escritor será asesinado siguiendo el mismo patrón que el de su historia. Peñafiel es acusado del crimen, y para probar su inocencia, deberá encontrar al verdadero asesino. En líneas generales, Punto Muerto no es una película decepcionante ni propiamente «mala» sino que sus múltiples influencias, sus giros argumentales y el misterio que va creando, poco a poco, va atrayendo al espectador en un auténtico thriller policíaco. No obstante, su final es algo confuso y no termina de quedar del todo resuelto. Aun así, es una interesante propuesta. 

DANCING MARY (***)

SABU, director de Miss Zombie, Mr. Long, entre otros trabajos, presenta una película muy interesante que pretende reflejar el mundo laboral y la sociedad japonesa mediante el uso de fantasmas. A priori, puede parecer incoherente y estúpido, pero el director y su equipo técnico saben jugar muy bien con la fotografía en color y en blanco y negro, mantener bien al atención del espectador durante sus 110 minutos, aunque pueden hacerse largos, y retratar, con el género fantástico, un aspecto social del Japón. Además, logra que una aparente película con (y de) fantasmas se haga curiosa e interese la historia de amor que hay detrás. Cabe señalar que la historia sigue al personaje de Kenji, un miembro de un equipo encargado de construir un centro comercial que, para ello deben demoler un antiguo local de baile en el que se dice que hay un fantasma maligno.

THE GANGSTER, THE COP, THE DEVIL (****)

Procedente de Corea del Sur, Lee Won-Tae dirige su segundo largometraje en el que explica un hecho real de 2005, cuando un jefe de la mafia y un oficial de policía responsable de un sanguinario comando tienen que aliarse para perseguir a un asesino en serie de nombre K. Un argumento y una realización muy «hollywoodiense», aunque no tiene nada que envidiar, el director y su equipo mete al espectador en una trama policial llena de acción y violencia que no termina hasta pasados los 107 minutos. El carisma y la credibilidad de Ma Dong Seok y Kim Mu-yeol hace que la alianza entre enemigos, mafia y policía, sea lo de menos y el objetivo se convierta en el asesino encarnado por Kim Sung-kyun. El espectador es uno más de la trama que se va hilvanando de manera eficiente, con momentos de muchísimas violencia, otros de divertidos y algunos de auténtico terror en las calles de, supuestamente, Seúl. El único ‘pero’ que podría tener es que la resolución de todos los cabos sueltos del argumento es demasiado rápida y apresurada pero, en general, es un film de persecuciones, con muy mala leche, descarado y no tiene nada que envidiar a películas como Fast and Furious.

SWALLOW (****1/2)

Carlo Mirabella-Davis presenta Swallow, un drama sobre una chica embarazada y ama de casa que consume objetos no comestibles y peligrosos como chinchetas, clavos o pilas. Cuando su marido tóxico y su familia lo descubren empezará a sufrir, a sentirse atacada, a ir al psicólogo, a ser maltratada por el marido hasta que descubrirá la verdadera razón que la empuja a querer herirse a sí misma. El realismo de la situación de la chica y la naturalidad con la que actúa Haley Bennett son los dos puntos muy positivos del film adentran al espectador en una espiral de momentos incómodos, provocativos, indignantes e incómodos muy difíciles de olvidar. Cuando se piense en esta película, muchos recordarán qué sintieron al verla porque toda la historia está muy bien explicada, estéticamente es una delícia y atrapa desde el primer momento, provocando sensaciones extrañas y, algunas, difíciles de ver. Al final, el film pretende ser un homenaje al poder de decisión de la mujer porque el machismo y la toxicidad que envuelve a la chica es estresante e irritante. 

SYNCHRONIC (** 1/2)

Una de las pelis más esperadas de este Sitges 2019 era el regreso a la dirección del dúo formado por Justin Benson y Aaron Moorhead, responsables de la genial ‘El Infinito’ y que continúan explorando su campo temático favorito: el tiempo. En ‘Synchronic’ estamos ante una propuesta o un planteamiento que no ha sabido desarrollarse a la altura de su propia premisa. La película comienza de forma un tanto confusa para el espectador, pero consigue mantenerse en pie gracias a las notables actuaciones de sus protagonistas: Anthony Mackie y Jamie Dornan. Cuando consigue arrancar, la trama acaba por atraparte, aunque sin llegar a convencer demasiado. Su constante necesidad de dramatizar todo lo que sucede es chirriante. Sin embargo, sus pequeñas chispas de genialidad maquillan un resultado que logra, con dificultad, ser suficiente.

-Crítica de Fer Zaragoza-

Día 4 (08/10/2019)

BACURAU (*****)

Dirigida por Juliano Dornelles y Kleber Mendonça Filho, los mismos que estrenaron Doña Clara en 2016, vuelven con una propuesta muy interesante, con un tono de western y muy mala baba que repartir. Bacurau es un drama social que se centra en la vida de un pueblo de Brasil que vive como puede mientras, poco a poco, va siendo borrado del mapa y van desapareciendo sus comunicaciones. Con un tono político muy reivindicativo contra un político que les promete devolverles el agua de la zona, el espectador entre en esta historia poco a poco, con un ritmo lento, pero no aburrido, y va conociendo los personajes del pueblo. Al mismo tiempo, sigue a un comando de mercenarios que quieren acabar con el pueblo de Bacurau. A partir de aquí, la película pasa a ser un film de acción e intriga que pone los pelos de punta en algunos momentos, crea un revuelto de emociones por todo lo que sucede en el pueblo y termina con un final sorprendente. Una creación muy interesante, violenta (algo gore) y técnicamente impecable que solo merece un aplauso. 

PATRICK (****)

Una de las películas más hilarantes del festival. Patrick es un hombre de unos 30 años que vive con sus padres en un camping nudista y se dedica a crear objetos de madera. Cuando su padre muere, debe hacerse cargo del camping y, un día perderá su martillo favorito de la colección y tendrá que encontrarlo como sea. Con este argumento aparentemente estúpido y tan sencillo, el espectador se sentirá uno más en este camping nudista mientras busca junto a Patrick el dichoso martillo, viviendo escenas muy divertidas y otras de completo terror, todo entre genitales. La historia se desarrolla lentamente porque la mejor comedia es aquella que se va fraguando en el interior del público hasta que estalla en determinados momentos. Asimismo, el film también tiene sus instantes de tensión que ayudan a compaginar bien las emociones con el humor negro y, por si fuera poco, una historia sencilla puede volverse compleja por la cantidad de giros argumentales que contiene. Tim Mielants logra adentrar al espectador en un humor negro absurdo y un thriller psicológico para encontrar el martillo de Patrick.

THE ANTENNA (*1/2)

En Turquía también hay cine de género y propuestas fantásticas y terroríficas como la que presenta Orcun Behram. Con una ambición de querer hacer un retrato de la sociedad turca y una crítica directa a la influencia de la televisión y la manipulación, The Antenna explica cómo la mala instalación de una parabólica puede llevar una entidad demoníaca que realiza transmisiones que ponen en peligro la salud de los habitantes de lugar. Es en el consumo del edificio en el que se centra la película cuándo el director y guionista propone un alegoría con el propio consumo de esa sociedad manipulada e influenciada por sus dirigentes. O bien retrata esa sociedad que se va consumiendo por querer estar conectado a la nuevas tecnologías. Sea como sea, Behram realiza un buen trabajo, pero sus 115 minutos se hacen eternos, no controla bien el ritmo y, aunque tiene instantes muy terroríficos y de alta tensión, todo termina decepcionando. Se va filtrando en un sin sentido de imágenes y situaciones vividas por el portero del edificio que acaban siendo incoherentes y largas en una historia que podría ser explicada en 90 minutos.

THE MUTE (*1/2)

Una de las rarezas de esta edición ha sido The Mute, la polaca dirigida por Bartosz Konopka. Se centra en un grupo de caballeros de la Edad Media que trata de sobrevivir en la última isla pagana que queda ante la imparable evangelización de la sociedad. Y es en los escenarios, el maquillaje, el vestuario y, en general, la dirección artística donde reside lo mejor de la película que ayudan a adentrarse en esta historia que, en ningún momento, se hace interesante y se alarga innecesariamente. Todas las secuencias que crea, muy bien coreografiadas cuando se tratan de danzas tribales y religiosas, son una demostración de hasta qué punto el género fantástico puede moverse. No obstante, el film no deja de ser la explicación de la confrontación entre dos religiones o dos culturas, y su (in)adaptación adornado con un estilo propio, una puesta en escena asfixiante y unos decorados rocosos y salvajes. En cuanto al argumento, deja mucho que desear, ya que todo lo centra en la parte exterior del film y no tanto en qué quiere contar, a parte de que lo que cuenta no se hace interesante y aburre muchísimo.

EL HOYO (****)

Una de las películas más esperadas de esta edición del Festival de Sitges y del año. Después de sorprender en el Festival de Toronto, Galder Gaztelu-Urrutia vuelve a dejar al público perplejo con esta propuesta original, diferente, muy interesante y atrayente. No solo por su cartel y argumento sino que todo el film en sí mismo desprende curiosidad por saber qué es y qué quiere contar. La historia guionizada por David Desola y Pedro Rivero nos adentra en una distopía, más concretamente, en una habitación de dos personas desconocidas a un determinado nivel en un lugar gris, metálico y extraño con un sin fín de niveles. En el centro, una plataforma con comida para todos los niveles que va bajando y, luego, sube de golpe. A partir de aquí, la película explica la historia del personaje interpretado perfectamente por Iván Massagué que nos hace pensar: ¿Somos de los que piensan demasiado cuando están arriba o de los que no tienen agallas cuando están abajo? Como bien muestra el argumento, es una rareza muy estimulante con dosis de terror, canibalismo, ciencia-ficción y thriller en un espacio/mundo en el que hay que sobrevivir. Probablemente, al terminar la proyección uno se quede igual o extrañado porque no toma parte en los diferentes debates sociopolíticos que plantea sobre las clases sociales, por ejemplo, pero sí habrá que aplaudir la estupenda  y arriesgada apuesta de Gaztelu-Urrutia, con una excelente dirección artística y puesta en escena, y que tanto Massagué, como San Juan y Eguileor brillan en sus creaciones. 

Día 3 (06/10/2019)

THE LIGHTHOUSE (**)

La gran esperada del festival y, quizás, la gran decepción del certamen. Robert Eggers, director de la sobresaliente La Bruja, vuelve a los cines con una película que, a nivel técnico es un prodigio, algo arriesgado e increíble en los tiempos actuales, pero que decae a cada minuto que pasa. The Lighthouse es un descenso a los infiernos de la psicología humana a través de dos fareros que trabajan en una isla perdida de Nueva Inglaterra. Poco a poco, la idea de Eggers es que con la estética, las interpretaciones (magníficas las dos de Dafoe y Pattinson) y la ambientación, el espectador vaya siendo partícipe de la evolución psicológica de los personajes. El gran problema es que no explica nada, es decir, se queda en la simpleza de mostrar elementos perturbadores (sirenas, pulpo) sin explicar la razón por la que los expone. Es cierto que su tono clásico, el esfuerzo técnico y toda la atmósfera que crea es de diez, pero molesta mucho cuando estás intentando entender el por qué de todo el tinglado técnico que crea. Asimismo, es una película muy difícil de recomendar y que, probablemente, su paso por los cines sea muy mediocre. Eso sí: si lo que se busca es una experiencia cinematográfica sensorial, es la película correcta. 

DARK ENCOUNTER (*)

De las peores películas vistas en el Festival de Sitges y, quizás del año. Esta propuesta de Carl Strathie se mueve entre la ciencia-ficción al estilo de Señales del Futuro y el terror por algunas escenas oscuras. Explica la historia de una familia que, un año después de la desaparición de una niña de 8 años, su familia regresa a su pueblo natal para celebrar un memorial en su nombre. Esa misma tarde, una serie de luces extrañas aparecen en un bosque cercano y la familia sufre un siniestro que cambia para siempre sus vidas. A partir de aquí, la película se centra en descubrir qué son estas luces y qué quieren. Es en esta resolución cuando la vergüenza ajena acecha al espectador porque no solo no te crees ninguno de los personajes en sus papeles sino que, la historia en sí es tonta con elementos hilarantes cuando deberían ser terroríficos. En general, nada de lo que sucede se hace interesante o preocupa al espectador y, por muy buenos efectos especiales tenga, el resultado general es decepcionante. Alejaos si algún dia se estrena.

THE ROOM (***)

El director de la animación Renacimiento, Christian Volckman presenta este trabajo que habla sobre la maternidad, los deseos de una pareja y sus posibles diferencias, lo caprichoso que puede llegar a ser el ser humano y cómo se puede tergiversar todo en muy poco tiempo. La historia que construye Volckman trata sobre Matt y Kate quienes compran una casa aislada y, a medida que se mudan, descubren una habitación extraña que les da un número ilimitado de deseos materiales. Pero, todo se complica cuando piden un bebé y van descubriendo cómo acabaron los antiguos residentes de esa casa. Sin duda, una propuesta muy interesante y curiosa, que juega con el espectador mientras éste va viendo cómo se enreda el argumento y se da cuenta que por mucho que pidas, luego se te puede girar la buena suerte. No obstante, a nivel personal, es su resolución final la que no me acabo de creer porque pese a que la ejecución del film es correcta y atrayente, al final da la sensación que no saben cómo cerrar la historia. Cada vez, la película se va liando más y más porque no sabe qué hacer, y es en estos instantes finales, muy intrigantes, eso sí, cuando acaba perdiendo toda coherencia.

LUX AETERNA (***1/2)

En la Gala Meliès del domingo pudimos disfrutar de una programación la mar de interesante. Asia Argento recibió el Premio Meliès a toda su carrera como actriz y directora. Acto seguido, disfrutamos de la remasterización en color de la primera película de ciencia ficción de la Historia del Cine, ‘Viaje a la Luna’. Más tarde, el genial cortometraje ‘Nimic’ dirigido por Yorgos Lanthimos protagonizado por Matt Dillon. Y, por último, el plato fuerte de la noche: el nuevo trabajo de Gaspar Noé titulado ‘Lux Aeterna’. Tras ganar en la edición pasada del festival con la sobresaliente ‘Clímax’, el director franco-argentino vuelve, como no podía ser de otra manera, con una de sus provocaciones. ‘Lux Aeterna’ es un mediometraje de menos de una hora de duración que sirve como crítica al mundo cinematográfico y sus entresijos. Charlotte Gainsbourg y Béatrice Dalle están inmensas en este descenso a los infiernos que no es más que una burda demostración de estilo de su responsable. Todos los elementos del cine de Gaspar Noé están aquí recogidos resumidamente, tanto para bien como para mal. Destacar su apoteósico clímax final no apto para los más sensibles y, mucho menos, para aquellos que sufran de epilepsia o de cualquier otra enfermedad ocular.

-Crítica de Fer Zaragoza-

Día 2 (05/10/2019)

VIVARIUM (**1/2)

El director de Without Name, Lorcan Finnegan se junta con el guionista Garrett Shanley para adentrar al espectador en una película distópica sobre una pareja que busca el hogar perfecto. Entran en una inmobiliaria con un dependiente sospechosos, algo robótico, que los lleva a una zona residencial donde todas las casas son idénticas. Es aquí cuando la pareja empieza a dudar sobre ese sitio pero, cuando deciden volver a la ciudad, se encuentran en medio de un laberinto enloquecedor y repetitivo. El espectador forma parte de la película porque la historia atrapa a medida que avanza gracias a esa sensación de duda e interrogación que se desprende, puesto que no se sabe el por qué no pueden salir de esa zona residencial. Jesse Eisenberg es protagonista junto a Imogen Poots aunque esta última hace un trabajo memorable, primero encarnando a esa mujer ilusionada por encontrar piso con su novio, y segundo siendo esa madre que cuida a su hijo sola y que, con el tiempo, la relación se complica. No obstante, la propuesta de Finnegan no es del todo regular, tiene momentos demasiado repetitivos y cansinos que terminan por aburrir y querer que el largometraje se termine. A nivel técnico todo funciona, ya sea la puesta en escena como la dirección artística, pero este viaje por el laberinto acaba agotando pese a querer reflexionar sobre lo cuadriculada que es la sociedad, sobre la maternidad y el papel del hombre o sobre el peligro de los robots o las réplicas. 

BREVE HISTORIA DEL PLANETA VERDE (**)

El director argentino Santiago Loza sigue aumentando su extensa filmografía con esta película sobre Tania, una mujer transexual que descubre que su abuela ha pasado sus últimos años en compañía de un alienígena y decidirá embarcarse en una viaje por la Argentina rural con dos amistades para devolver la criatura a sus orígenes. El film es una ‘road movie’ de fuego lento que va siguiendo las peripecias de estos tres amigos con un alienígena, pero en ningún momento se hace interesante lo que les pasa. Es aquí donde reside un gran problema de este trabajo y es que no logra hacerse interesante, no atrae para nada todo lo que les sucede y se vuelve una película lenta y tediosa. Personalmente, no empatizo con los protagonistas, pese a que todos ellos trabajan bien, y la misma historia en sí no me atrae. Pretende ser un cuento ligero de ciencia-ficción para contar antes de ir a dormir pero, si alguien lo hiciese, estoy seguro que se dormiría rápidamente, a menos que la persona lo cuenta con especial interés.

GUNS AKIMBO (***)

Daniel Radcliffe se ha desprendido, por fin, de su pasado mágico como Harry Potter aunque en esta película de Jason Lei Howden (Deathgasm) da la sensación que hace de sí mismo, un chico programador de videojuegos que detesta la televisión y se dedica a «trolear» los contenidos. Todo se complica cuando es obligado a participar en un videojuego ilegal en el que los participantes deben matar a otro mientras las personas lo ven por internet. Desde que el personaje de Radcliffe se despierta con dos pistolas clavadas con clavos en sus manos, la película no deja de ser un torbellino de acción desenfrenada y ultraviolenta y muy entretenida con secuencias sorprendentes y momentos icónicos (Radcliffe en ropa interior, bata y zapatillas con dos armas en sus manos). Todo el film en sí mismo pretende ser una feroz crítica al mundo de Youtube, los videojuegos online y los «live» actuales en los que muchísimas personas están enganchados y disfrutan, en este caso, como dos personajes se matan. Y todos los elementos juntos crean una película ideal para desconectar y pasar unos 95 minutos delante de la pantalla disfrutando de la exhibición violenta que reparten los personajes, destacando la notable actuación de Samara Weaving. 

VENTAJAS DE VIAJAR EN TREN (****)

Altísima expectación por esta película dirigida por Aritz Moreno que se estrena con esta ópera prima, adaptando el libro de Antonio Orejudo (recomendamos su lectura). El trailer y la promoción ya indicaban que el film sería una locura y, de hecho, el libro contiene 6 capítulos que, todos ellos acaban siendo una locura importante. Idóneamente, Aritz Moreno coge 3 capítulos y los adapta en este viaje en tren con Helga Pato, una señora que ha internado a su marido en un psiquiátrico y, de vuelta a casa, un desconocido se le presenta como Ángel Sanagustín, psiquiatra que investiga trastornos de personalidad a través de los escritos de los pacientes. Durante el trayecto, Ángel le cuenta a Helga la historia de Martín Urales de Úbeda, un enfermo paranoico extremadamente peligroso obsesionado, entre otras cosas, con la basura. A partir de aquí, empieza una película por episodios que, poco a poco, se entrelazan entre ellos gracias al magnífico y sobresaliente guion de Javier Gullón que sabe dar vida a estas historias. Con él, el trabajo de todo el elenco actoral es excelente y dan credibilidad a sus personajes en una historia surrealista, loca y demencial que, quizás, no todos los estómagos la aguantarán. Ventajas de Viajar en Tren es de esas películas que, o bien irritan o bien fascinan, puesto que tiene momentos muy incómodos y muy divertidos, y puede llegar a dividir la opinión del público porque hay que tener agallas para poder saborear y entender todo lo que se proyecta en pantalla. Mediante el surrealismo, la comedia negra y el thriller, el film propone reflexionar sobre las identidades, las personas con trastornos mentales, el poder y el machismo que, todo ello recuerda a esa extraordinaria película titulada Relatos Salvajes. Aritz Moreno logra dar vida a los personajes de Orejudo y facilita la faena al espectador cuando el libro se vuelve algo confuso. Asimismo, el director demuestra que con el humor negro se puede tratar cualquier tema y convertir su ópera prima en un viaje tormentoso, hipnótico, absorbente y muy estimulador.

Día 1 (04/10/2019)

El segundo día del festival fue el primero de nuestra cobertura y vimos las siguientes películas:

3 FROM HELL (** 1/2)

El cantante y director Rob Zombie cierra su trilogía sobre la Familia Firefly con la que es, sin duda, su película más floja y menos inspirada de toda su filmografía. Nos situamos años después del (memorable) final de ‘Los Renegados del Diablo’. Parecía que los buenos de Otis, Capitán Spaulding y Baby habían acabado sepultados por las balas. Pero no. Siguen con vida y, sobretodo, con ganas de sangre. El film podría definirse como una versión extendida de su predecesora. Nada nuevo, sólo una sucesión continua de escenas violentas, macabras y carentes de sentido argumental. Eso sí, es muy divertida y, si disfrutas del sello Rob Zombie, te lo pasarás en grande. En definitiva, una obra menor a la que podría catalogarse como innecesaria. Repetitiva, pero disfrutable. Pasará sin pena y sin gloria.

-Crítica de Fer Zaragoza-

LA JAURÍA (**1/2)

El año pasado presentó El Año De La Plaga y este La Jauría. Carlos Martín Ferrera presenta un thriller en medio del bosque y en el interior de un coche en el que se encuentran cuatro hombres que no se conocen entre ellos, vestidos igual y esposados. A lo largo de 72 minutos, el puzzle en el que están metidos se va montando, poco a poco, mediante sus últimos recuerdos y las horas previas a estar en ese misterioso coche. En el exterior hay algo o alguien que los incomoda y desconocen si es peligroso o no. De este modo, el espectador asiste a una experiencia limitada a un solo espacio que no convence en su conclusión final. En mi opinión, pese a tener una buena puesta en escena y una premisa argumental prometedora, su desarrollo es muy confuso y parece que no sabe hacia dónde quiere ir ni cómo terminar. Una película correcta, sin más.

SUICIDE TOURIST (**)

La segunda película del día importante y esperada porque está protagonizada por Nikolaj Coster-Waldau o más conocido como Jaime Lannister en Juego de Tronos. Suicide Tourist está dirigida por Jonas Alexander Arnby, autor de Cuando Despierta La Bestia, y es una propuesta de 90 minutos sobre un hombre que quiere suicidarse tras saber que tiene un tumor en el cerebro. Se registra en el Hotel Aurora, una instalación secreta única que se especializa en elaboradas fantasías de suicidio asistido. A partir de aquí, el film es un viaje por la mente de este hombre, su relación con su novia, sus pensamientos acerca de la vida, la muerte y la realidad. No obstante, lo que podría haber sido un trabajo reflexivo, profundo y muy interesante se viene abajo por su lento y tediosos ritmo que, a nivel personal, desconecta del argumento. Las historias sobre crisis existenciales, a mi parecer, deben tener un perfecto equilibrio y mantener la atención del espectador en todo momento y, aquí, solo se aprecia el cambio de Coster-Waldau de Lannister a este personaje. Una pena. 

NOCHE DE BODAS (READY OR NOT) (****)

Película dirigida por Tyler Gillett y Matt Bettinelli-Olpin, responsables de ese film de 2014, El Heredero del Diablo. Antes de empezarla no había unas expectativas demasiado altas pese a que en Estados Unidos había convencido. La propuesta de Gillett y Bettinelli-Olpin es de adentrar al espectador en la piel de una chica, interpretada magníficamente por Samara Weaving, y su relación con la familia de su futuro marido. El día de su boda, por la madrugada y para seguir la tradición familiar, debe jugar a un juego muy antiguo con su nueva familia en su mansión: el escondite. Una vez empieza el juego, que se preintuye que no acabará bien, la película se convierte en una auténtica comedia de terror divertidísima y muy entretenida, con momentos de mucha sangre y violencia. Todo en su conjunto es una «puñalada» directa al alto standing, a los ricos y a las tradiciones, en medio de un juego simple e ingenioso que se retuerce y complica hasta la conclusión que el público espera. Noche de Bodas es distraída, tronchante, no aburre en ningún momento y con unas interpretaciones idóneas. ¡Muy recomendable!