[Cobertura] Festival de San Sebastián 2018

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Llega final de septiembre y Donosti se prepara para la que va a ser la 66ª edición de uno de los festivales más importantes del territorio europeo. Este año, personalidades como Danny DeVito, Robert Pattinson, Timothée Chalamet, Claire Foy y Laetitia Casta frecuentaran las calles de la capital vasca, y podremos asistir a las nuevas entregas de directores como Louis Garrel, Claire Denis, Carlos Vermut, Damien Chazelle o Mamoru Hosoda.

Como acreditado por parte de Cinezin, me gustaría recoger en ese artículo el máximo número de reseñas de las películas que veré durante esos diez días que durará el festival. Aunque no podré estar en todas las sesiones, espero poder ofrecer una muestra lo suficientemente variada que pueda servir de guía a todo aquel interesado que tarde o temprano podrá encontrarlas en su cartelera más cercana.

Palmarés final del Festival

SECCIÓN OFICIAL

  • El amor menos pensado” – Juan Vera

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Marcos y Ana descubren qué tras más de veinticinco años de matrimonio su relación ha dejado de tener sentido y se abocan nuevamente a la vida de solteros. Ricardo Darín nos abre las puertas al Festival con su característico encanto en esa elegante comedia romántica argentina. Aunque empieza con buen ritmo, poco a poco va perdiendo el rumbo hasta marear un poco al espectador. Algunas de las decisiones tomadas por los personajes carecen de sentido, y no queda muy clara la dirección general del filme.

Lo bueno: Darín. Lo malo: Cuesta empatizar con los personajes.

NOTA: 6/10

  • El reino” – Rodrigo Sorogoyen

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Parece mentira que a día de hoy no se hayan hecho más películas como esa. Antonio de la Torre da vida a un político corrupto en ese frenético thriller inspirado en el caso Gürtel. Un agudo guión nos pondrá frente a frente en lo que es un repaso de una de las épocas más oscuras de la política Española. Junto a la desbordante actuación de todo el cast y la mirada casi mórbida que Sorogoyen ofrece del lujo y el desperdicio, nos mantendrá atrapados en esa red de estafas y malversación.

Lo bueno: La enloquecida interpretación de Antonio de la Torre. Lo malo: Barbara Lennie actúa demasiado bien para hacer de presentadora.

NOTA: 7’5/10

  • Tiempo después” – José Luis Cuerda (fuera de concurso)

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En esa época de secuelas, preculas, reboots y soft-reboots no podía faltar la continuación de uno de los grandes clásicos del cine español. Después de casi treinta años del estreno de “Amanece, que no es poco”, José Luís Cuerda retoma su surrealista humor y su atrevida crítica social en “Tiempo después”. Han pasado miles de años desde los acontecimientos del primer filme y toda la población mundial reside en un solo edificio bajo el mandato de un rey omnipotente, mientras todos los parados del mundo viven en un descampado lleno de chabolas. Nos encontramos ante otro pseudoretrato de la España actual, pero con un lavado de cara, especialmente en lo que al humor refiere. Debemos aceptar que la comedia evoluciona así como lo hace la sociedad, y en ese sentido “Tiempo después” rebaja un poco la agresividad que se había visto a finales de los ochenta. Cuerda se aprovecha más del absurdo que del humor negro para buscar la risa del espectador. Tenemos aún así, una película divertidísima y atrevida. Ideal para que todos aquellos que disfrutaron del clásico… y también para los que quieran disfrutarlo ahora.

Lo bueno: Más “Amanece, que no es poco”. Lo malo: Es un humor que no funciona con todo el mundo.

NOTA: 8’5/10

  • In fabric” – Peter Strickland

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Una película muy diferente al resto que podemos encontrar al festival. “In fabric” es la historia de un vestido maldito que lleva la desgracia a todo aquel que lo porta. Un filme con claras referencias al “giallo”, con música experimental a todo volumen y colores sobresaturados que se clavan en nuestra córnea. No tanto al servicio del horror, sino más bien del desconcierto y el bizarrismo. “In fabric” no dará mucho miedo, pero es entretenida y divertida, y es que las situaciones absurdas que acompañan las travesuras del vestido y la despampanante puesta en escena reflejan autoconciencia de género y un encantador homenaje al cine de serie B.

Lo bueno: Su estética y su sentido del humor. Lo malo: Se hace muy larga.

NOTA: 6’5/10

  • Illang: The Wolf Brigade” – Kim Jee-woon

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Adaptación del manga de Mamoru Oshii. En un futuro próxima, las dos Coreas se ven obligadas a unificarse en un único país para hacer frente a las grandes potencias, lo cual genera todo tipo de estragos sociales. Para hacer frente a las revoluciones, el gobierno crea un cuerpo especial dentro de las fuerzas armadas que serán conocidos con el nombre de Brigada del Lobo. Las adaptaciones de mangas y animes a la gran pantalla siempre han sido complicados. El cómic japonés siempre se ha caracterizado por sus pausas y momentos contemplativos, con un número de páginas muy superior al que se hacen en el resto del mundo. Convertir toda esa esencia a un guión de dos horas y media requiere una severa modificación del original, lo cual suele conllevar la queja de los seguidores más fieles. “The Wolf Brigade” es una película adrenalínica y salvaje, divertida y muy llamativa a nivel estético. Aún así, la sensación de que nos estamos perdiendo algo siempre esta allí, y un final con mil cabos abiertos no ayuda. Nos quedamos ante una obra mediocre, al nivel de cualquier película de acción de usar y tirar.

Lo mejor: El diseño del mundo. Lo peor: El guión.

NOTA: 6/10

  • Quién te cantará” – Carlos Vermut

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Vuelve uno de los directores más aclamados del cine español. Narra la historia de Lila, una cantante de pop que sufre amnesia y se tendrá que valer de la ayuda de una de su mayor fan para recordar su manera de cantar. Con claras referencias a “Persona” de Ingmar Bergman, Vermut nos presenta un carrousel emocional en el que cuestiona la esencia de cada uno, lo que nos hace únicos. “Quién te cantará” nos descubre una cruel realidad en la que nadie vale nada por sí mismo, y no tiene ningún reparo en llevar a sus personajes al límite para demostrarlo. Obra maestra en dirección, guión y montaje que va a dar mucho de qué hablar.

Lo bueno: La actuación de Eva Llorach y Najwa Nimri. Lo malo: Es inevitable compararla con “Magical girl”

NOTA: 9’5/10

  • Vision” – Naomi Kawase

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Jeanne viaja a Japón para buscar una misteriosa planta que, según la leyenda, es capaz de acabar con el sufrimiento humano. La directora de “Aguas tranquilas” al final no ha podido asistir al festival, y probablemente haya sido lo mejor. “Vision” trata de contar una historia profunda con elementos fantásticos, pero pierde el fuelle al poco rato de empezar. En algunos puntos parece que trate de tonto al espectador con frases filosóficas salidas de la nada al más puro estilo Paulo Coehlo y sus personajes explicando todo lo que ocurre, y en otras se vuelve totalmente incomprensible para el espectador y trata de abstraer la narración con fatídicos resultados. El guión es incomprensible. Algunos personajes desaparecen sin casi explicación, mientras que otros aparecen de la nada y cuesta entender a los mismos protagonistas. Al final lo único que nos queda son una serie de planos bonitos y un intento de resolver las incógnitas que había abierto la trama a base con un montaje surrealista. Esperamos que la directora pueda recuperar el buen ritmo que llevaba hace unos años.

Lo bueno: La fotografía. Lo malo: Casi todo el resto.

NOTA: 4/10

  • High Life” – Claire Denis

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Un grupo de exconvictos acceden a reducir su sentencia a cambio de ser utilizados como conejillos de indias en un viaje espacial más allá de los confines de la Vía Lactea. Un impresionante Robert Patinson protagoniza esa agobiante “space opera” en la que se pondrán a prueba nuestros conceptos de humanidad y civilización. “High life” nos presenta un panorama donde las relaciones afectivas empiezan a perder su razón de ser, dejando a los personajes totalmente desamparados y guiados únicamente por su instinto de reproducción. Con las escenas de sexo más incomodas y bizarras y una dirección de fotografía excelente, Denis nos trae una obra maestra que va a dejar boquiabiertos a todos los fans de la ciencia ficción con dejes filosóficos.

Lo bueno: La belleza que desprenden algunas escenas, pese a su carácter tétrico. Lo malo: Puede marear al espectador con sus constantes saltos temporales.

NOTA: 9/10

  • “Bad times at the El Royale” – Drew Goddard (fuera de concurso)

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Ya ha pasado un tiempo desde “Cabin in the woods” y todos los fanáticos no podían esperar más para una nueva entrega de su director. Este año se han alineado los planetas y por fin hemos podido ver “Bad times at the El Royale”, un thriller criminal con unos toques de humor macabro que sin duda va a dar mucho de que hablar. Cuatro extraños entre los que figuran una cantante, un cura, un vendedor y una hippie reservan habitación para una noche en el hotel El Royale, situado justo en la frontera entre Nevada y California. Ninguno de ellos espera que la noche que les espera va a ser quizás la peor de sus vidas. “Bad times at the El Royale” atrapa nada más empezar con su sofisticada dirección, su banda sonora y lo rebuscado de su trama. La historia está dividida en varios capítulos, cada uno con el nombre de las habitaciones en las que se hospedan los protagonistas. Eso permite el transcurso de un guion lleno de “flashbacks”, “flashforwards” y saltos entre personajes que, aún con todo eso, se siente fresco y mantiene el tipo durante los 140 minutos de largometraje. Los actores son sin duda el plato fuerte, formando personajes atractivos y magnéticos, elemento clave para un relato coral de esas características.

Lo bueno: Su alocada trama. Lo malo: Va a ser comparada hasta la saciedad con “Cabin in the woods”.

NOTA: 8’5/10

NUEVOS DIRECTORES

  • Apuntes para una película de atracos” – Elías León Siminiani

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Primer filme del director de “Lo que la verdad esconde: caso Asunta”. Construye una analogía entre la vida del “Robin Hood de Vallecas”, autor de los famosos atracos de 2013, y el mismo director, en un formato metadocumental con cierto carácter humorístico. León Siminiani es consciente de la distribución clasista que se establece con los barrios en grandes ciudades como Madrid, y trata de plasmar esa realidad usando el pretexto de atracos y butrones. Referencias al cine negro francés, aproximaciones irónicas y una historia sin igual constituyen una película única.

Lo bueno: La convivencia entre ficción y realidad. Lo malo: El humor a veces no juega a favor de su propio mensaje.

NOTA: 8’5/10

  • Jesus” – Hiroshi Okuyama

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Hasta el momento la premisa más intrigante “y marciana” del festival. Yura, un niño japonés se muda desde Tokio a un pueblo pequeño y empieza las clases en un colegio profundamente católico. Pronto descubrirá que con sus rezos puede invocar a una versión de Jesucristo en miniatura que cumplirá todos sus deseos. Con una ironía finísima, “Jesus” se burla de la educación cristiana y al mismo tiempo trata de ilustrar ese fatídico momento de la infancia en el que empezamos a perder la inocencia y tenemos que enfrentarnos a un mundo al que poco le importan nuestras plegarias. Aunque le cuesta un poco desarrollarse y a veces parece que no acaba de encontrar su tono, sabe jugar bien sus cartas y es una película bastante entretenida (siempre y cuando estemos dispuestos a aceptar ese bizarro humor nipón).

Lo bueno: El humor implícito. Lo malo: Cuesta de digerir.

NOTA: 7/10

  • Viaje al cuarto de una madre” – Celia Rico Clavellino

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Drama materno-filial protagonizado por Anna Castillo y Lola Dueñas. Narra la historia de Leonor, una chica que busca independizarse, y Estrella, una madre que tras la muerte de su marido sobreprotege a su hija única. Una película íntima y acogedora, con un trabajo de guión y desarrollo de personajes implacable. La historia atrapa por su realismo y sinceridad, y la actuación de las dos protagonistas es excelente. Casi obligada para todos aquellos amantes del cine español de nueva generación.

Lo bueno: Excelente trabajo de guión y de las actrices. Lo malo: Que la directora solo haya hecho una película.

NOTA: 9/10

HORIZONTES LATINOS

  • Las herederas” – Marcelo Martinessi

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Drama intimista que rompe con algunos de los clichés que cada vez vemos más en el cine LGBT. En vez del despertar sexual encontramos un deseo veterano, ya establecido, con dos protagonistas de edad avanzada. El deterioro de la vida en pareja de Chela y Chiquita se ve reflejado en los muebles de su casa: viejos, polvorientos y a menudo empeñados para poder pagar las deudas. El aislamiento y desolación de la protagonista se transmite en el muy acertado uso de la cámara subjetiva.

Lo bueno: Un montaje muy pulido. Lo malo: Se hace un poco larga.

NOTA: 8/10

PERLAK

  • Asako 1 y 2” – Ryusuke Hamaguchi

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Años después de la desaparición de su novio, Asako se enamora de un chico que comparte la misma apariencia pero definitivamente se trata de otra persona. La idealización del amor juvenil vertebra ese dorama nipón, que nos deja boquiabiertos con su apertura de calibre casi fantástico. Por desgracia, esa sensación se va perdiendo a medida que se desarrolla la trama, hasta el punto de rozar el absurdo. Algunos giros de guión son tan precipitados que acaban pareciendo gags humorísticos. La convivencia de estos con algunos momentos dramáticos concluye en un clímax de lo más bizarro.

Lo bueno: El planteamiento. Lo malo: El final incierto.

NOTA: 5.5/10

  • 3 faces” – Jafar Panahi

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La grabación en móvil de un suicidio es el pistoletazo de salida para el nuevo filme del director de “Taxi Teheran”. Un director y una actriz se verán obligados a visitar un pueblo iraní aislado y topar así de morros con una realidad inexistente para ellos. Nos encontramos con el choque entre dos realidades artísticas separadas por la brecha que representan los nuevos medios de comunicación. La premisa es buena, y el guión no decae en todo el film –ganó en esa categoría en Cannes, qué más puedo decir. Destaca también la presencia de pequeños “gags” humorísticos a través del montaje, que no nos alejan de un clima de reflexión y debate cultural.

Lo bueno: Discurso directo y atrevido. Lo malo: Puede hacerse larga si se conoce el estilo del director.

NOTA: 8’5/10

  • Mirai” – Mamoru Hosoda

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Lo nuevo del genio de la animación nipona llega para sacar al niño que hay en todos nosotros –si se me permite esa expresión tan gastada. La vida de Kunchan cambia con la llegada de su hermana pequeña, y para adaptarse al nuevo modelo familiar tendrá que recorrer diversos escenarios del pasado y el futuro. Ya habíamos visto viajes en el tiempo en una de sus más famosas películas “La chica que saltaba a través del tiempo”, aunque en esa ocasión opta por un uso más sintético del mismo, solo al servicio del crecimiento de sus personajes. En cuanto al apartado visual, es tan sorprendente como en el resto de sus obras. Preparad pañuelos si la queréis ver en su estreno en salas.

Lo bueno: Sus travellings narrativos. Lo malo: No tiene mucho futuro en taquilla.

NOTA: 9/10

  • First man” – Damien Chazelle

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Vuelve el director de “Whiplash” y “La La Land”, esta vez con un biopic de la vida de Neil Armstrong y su participación en la misión de alunizaje durante los años 60. Chazelle aposta por un cine más “mainstream”, bastante diferente a sus trabajos anteriores. Aun así, mantiene la música como elemento clave y deja que se expresa por sus personajes en determinados momentos. Cabe destacar las escenas dentro del transbordador –que no son pocas- oscuras y claustrofóbicas, narradas con primeros planos de los astronautas y los cacharros que los rodean, enseñando poco del exterior y dejando que el espectador se sienta tan perdido y aislado como los protagonistas. El diseño de sonido también ayuda en ese aspecto, llegando a marear auditivamente hablando. En definitiva, una película que será gozada por todos aquellos fanáticos del cine espectáculo.

Lo bueno: El diseño de sonido. Lo malo: La frase de alunizaje no encaja muy bien en el personaje que construye Ryan Gosling.

NOTA: 8/10

  • Girl” – Lukas Dhont

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La adolescencia se convierte en un infierno para Lara, una chica transexual que no puede esperar a ver cómo su cuerpo cambia. Una película sensorial e íntima, que trata de contar el proceso de cambio de sexo con el dolor físico que este conlleva, y establece una relación con el sufrimiento que conlleva poseer un cuerpo en el que no te sientes a gusto. “Girl” es otro ejemplo de un tipo de cine cada vez más presente en la gran pantalla, encabezado por antecedentes como “Lawrence anyways” o “La chica danesa”. Es una lástima que aún hoy en día tengamos que ver a actores y actrices cisgénero en papeles transexuales.

Lo bueno: La íntima relación actor-cámara. Lo malo: Contiene alguna escena no apta para aprensivos.

NOTA: 8’5/10

  • Beautiful boy” – Felix van Groneningen

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Después del éxito que supuso “Call me by your name”, vuelve Timothée Chalamet dando vida a un joven adicto a la metamfetamina que dará varios problemas a su padre (Steve Carrell). El mensaje de la película es directo y conciso –las drogas son malas, y desde el primer momento, hará todo lo posible para que esa idea llegue al espectador. “Beautiful boy” tiene demasiado claro su mensaje. Tanto, que es poco sutil a la hora de transmitirlo, y puede llegar a ser un poco obvia y repetitiva por culpa de ese aspecto.

Lo bueno: La banda sonora. Lo malo: Ser un anuncio de “di no a las drogas” demasiado largo.

NOTA: 5/10

  • BlacKkKlansman” – Spike Lee

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Basada en una historia real, relata cómo a mediados de los años 70 un policía afroamericano logró infiltrarse en el Ku Klux Klan. Es muy complicado ilustrar la actualidad política de EEUU sin reflejar el patetismo y la sensación de amenaza que refleja a partes iguales el gobierno de Donald Trump. “BlacKkKlansman” sabe combinar ambos adjetivos y los envía al pasado para retratar una problemática que nunca deja de ser vigente. Con un sinfín de referencias a la “blaxploitation” y un guiño constante al espectador contemporáneo, Spike Lee se mofa del sector más racista de América y una realidad que no puede dejar de parodiarse a sí misma. Película muy necesaria a día de hoy.

Lo mejor: Sus guiños al futuro. Lo peor: Que aún no haya llegado a España.

NOTA: 8’5/10

  • “A star is born” – Bradley Cooper

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Tercer remake del clásico film que narra el romance entre una cantante novata y un músico profesional, y como ella asciende a la fama mientras él cae en picado. Vamos a ser francos. Es difícil aportar algo nuevo cuando tu película ya se ha hecho en varias ocasiones, pero el melodrama clásico que presenta Cooper podría haberse estrenado en 1937 y lo más revolucionario sería un nuevo estilo de música llamado rock. La trama se centra principalmente en el personaje de Bradley Cooper e intenta desesperadamente que sintamos cariño o pena por él cuando no nos da razón alguna para hacerlo. En algunos momentos parece que se va a producir un giro de guion en el que el personaje de Lady Gaga reconocerá que no necesita a su drogadicto marido para triunfar y huirá para convertirse en la estrella que todos queremos ver, y que de hecho nos anuncia el título de la película. Pero ese momento nunca llega, y lo único que nos queda es un relato de amor cursi e ingenuo que se niega a ofrecer reflexión alguna sobre lo que significa ser famoso o amar en el año 2018.

Lo mejor: Lady Gaga. Lo peor: Bradley Cooper y su guion.

Nota: 4/10

  • “Petra” – Jaime Rosales

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Una joven artista que nunca ha podido conocer a su padre viaja a un pueblo remoto del Alt Empordà siguiendo la pista que le deja una amiga de su difunta madre. “Petra” es una interesante reinterpretación de la tragedia clásica adaptada a nuestros tiempos. Su trama se divide en diversos capítulos, los cuales se presentan con títulos descriptivos a modo de clara referencia a los relatos griegos, y son desordenados en un intento de enrevesar la trama. Cabe destacar la actuación de algunos actores, que ronda el carácter bresoniano y aporta cierto temperamento irónico en algunas situaciones de carácter fatídico, combinación que puede resultar en una amarga sensación para el espectador.

Lo bueno: Su dirección. Lo malo: Los giros de guion se vuelven cada vez más radicales y repentinos a medida que la trama avanza, y pueden llegar a sacar al espectador de la misma.

NOTA: 7/10

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  • La casa lobo” – Cristóbal León y Joaquín Cociña

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Tras haber escapado de una colonia alemana (o lo que parece ser una secta) de Chile, María se esconde en una casa abandonada acompañada únicamente por dos cerditos. Terrorífica animación hecha a base de maniquíes, papel rasgado, pintura y otros elementos que podemos relacionar con desperdicios y muebles viejos. Un viaje surrealista y sobrenatural por la mente de una niña traumatizada, que no nos dejará indiferentes. Nos trae lo mejor de un buen “stop-motion” experimental, que sabe aprovechar al máximo sus recursos narrativos y visuales.

Lo bueno: Estética y estilo de animación, fresco y original. Lo malo: Sus efectos especiales pueden perder el “punch” a medida que avanza la trama.

NOTA: 8/10

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