San Sebastián 2016

Por primera vez daremos cobertura oficial ‘in situ’ del Festival de San Sebastián. El próximo 16 de septiembre empezará este gran festival de cine reconocido por todo el mundo con la llegada de grandes estrellas, grandes secciones y grandes películas. Del 16 hasta el 24 estaremos pendientes de todo lo que pasa, día a día, en la ciudad de San Sebastián. El encargado de redactar y dar la máxima difusión será nuestro colaborador Víctor Navarro que lo podréis seguir en su cuenta de Twitter (@vnd15) y en el hashtag oficial del festival #64SSIFF. En este apartado tendréis una crónica personal escrita por él de cada día haciendo un repaso de todo lo que ha visto y sus valoraciones. ¿Preparados?

PALMARÉS FINAL

Concha de Oro a la mejor película: I am not Madame Bovary de Xiaogang Feng

Concha de Plata al mejor director: Hong Sang-soo porYourself and yours

Concha de Plata a la mejor actriz: Fan Bingbing por I am not Madame Bovary

Concha de Plata al mejor actor: Eduard Fernández por El hombre de las mil caras

Premio del Jurado a la mejor fotografía: Ramiro Civita por El invierno

Premio del Jurado al mejor guion: Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen con Qué dios nos perdone

Premio Especial del jurado (Ex aequo): Invierno, Emiliano Torres y The Giant de Johannes Nyholm

Premio Nuevos directores: Packde Sofía Exarchou

Premio Horizontes: Rara de Pepa San Martín

Premio del público: I, Daniel Blake de Ken Loach

Premio a película europea: Ma vie de Courgette, Claude Barras (Suiza, Francia)

Premio al cine vasco: Pedaló, de Juan Palacios

Premio de la juventud: In between, de Maysaloun Hamoud (Israel – Francia).

TOP 10 del Festival

1. NOCTURAMA – (?)
2. ARRIVAL – (18 de noviembre)
3. LA IDEA DE UN LAGO – (?)
4. L’AVENIR – (EN CINES)
5. NERUDA – (EN CINES)
6. LA RECONQUISTA – (30 de septiembre)
7. RARA – (?)
8. COLOSSAL – (?)
9. QUE DIOS NOS PERDONE – (28 de noviembre)
10. EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS – (EN CINES)

Más información aquí.

DIA 8 y 9: ADIÓS SAN SEBASTIÁN!

Hago la maleta y me siento en la cama a recuperar la respiración. Han sido casi diez días muy intensos, arriba a abajo y abajo a arriba, de película en película hasta ver más de cuarenta. Leo lo que he publicado en estas páginas y pienso que no se escribir críticas. Os pido perdón.

Quizás no tenga suficiente bagaje cinéfilo, aunque no lo crea me falta mucho cine por ver y eso se nota en mi escritura. Perdón también si ofendo a alguien, supongo que a la figura del crítico siempre lo acompaña la sombra gris de la amargura o la envidia por no haber sido capaz de hacer lo que tus ojos ahora admiran.

Tan solo he pretendido contaros un poco lo que pienso, aquellas fílias que no me dejan dormir i todas las escenas que no me he quitado de la cabeza. No se me da bien criticar, y termino mezclando seguro mis opiniones con las de otros más preparados, tan solo espero que si olvidáis mi inutilidad hayáis sido capaces de disfrutar con la lectura tanto como yo lo he hecho en la escritura.

Muchas gracias por todo, nos vemos el año que viene Donosti!

IKARI: 7/10

En una de las paredes de una habitación donde encuentran unos cuerpos brutalmente asesinados, aparece la palabra “ira” escrita con la sangre de las víctimas. Un año después, todavía no han encontrado al asesino. El caso erosiona la capacidad de la gente para confiar en los demás, especialmente la de tres parejas en una pequeña población pesquera, en Tokio y en Okinawa, que acaban de hacer amistad con una persona de misterioso pasado. Más allá de la confianza está la ira, una emoción que tiende a convertirse en violenta y a revelar de un modo imprevisible el misterio que se esconde tras un asesinato.

Funciona como thriller entretenido pero abre tantos buenos hilos que no termina llevando ninguno a buen puerto. El final termina resultando un tanto empalagoso con tanto violín y tanto melodrama.

AMERICAN PASTORAL: 3/10

Seymour Levov, el «Sueco”, un atleta legendario en el instituto se ha convertido en un exitoso hombre de negocios casado con Dawn, una ex reina de la belleza. Pero, tras la apariencia impecable de la vida del “Sueco”, se fragua la tormenta. Cuando su hija Merry desaparece tras ser acusada de cometer un acto violento, el «Sueco” se dedica a buscarla y a reunir a su familia. Lo que descubre remueve sus cimientos, obligándole a mirar más allá de la superficie y afrontar el mundo caótico que le rodea: Ninguna familia americana volverá a ser la misma.

La peor película del festival y seguramente uno de los peores debuts detrás de las cámaras por parte de un actor. No conoce el sentido de la narración y del conflicto, consiguiendo algo no sólo desigual también desalmado. Para tratarse de un actor esta película contiene las peores interpretaciones de todo el festival y la ideología subyacente en el relato más que discutible. Mejor que Ewan McGregor se quede quietecito un tiempo.

ARRIVAL: 9,5/10

Cuando misteriosas naves espaciales aterrizan en diferentes lugares del planeta, un equipo de élite liderado por la experta lingüista Louise Banks (Amy Adams) es reclutado para investigar. Mientras la especie humana se encuentra al borde de una guerra global, Banks y su equipo buscan respuestas a contrarreloj, y para encontrarlas, Banks correrá un riesgo que podría amenazar su vida y posiblemente a la humanidad.

De lo mejor que se ha mostrado en el festival; Villenueve revalida su título como jefe del misterio y se añade al carro de la ciencia ficción. La propuesta, más allá de sus características formales, presenta una interesante y sensible aproximación sobre lo que realmente ocurriría si nos visitaran los extraterrestres. El director hace algo de trampa pero se agradece en pos del relato que, al contrario que sus anteriores películas, esta vez explora temas filosóficos/metafísicos que van más allá del simple género de extraterrestres.

SIERANEVADA: 8/10

Tres días después del atentado contra Charlie Hebdo y cuarenta días después de la muerte de su padre, Lary -40 años, médico- va a pasar el sábado con su familia, reunida en memoria del difunto. El evento, sin embargo, no se desarrolla como estaba previsto. Obligado a afrontar sus miedos y su pasado y forzado a reconsiderar el lugar que ocupa dentro de la familia, Lary tendrá que decir su verdad.

Un interesante experimento que nos permite observar lo parecidas que resultan una familia rumana de clase media con una catalana. La cinta tiene un humor parecido al de Toni Erdman pero al final el conflicto principal se abandona para recuperarse abruptamente en los últimos diez minutos de película. Es estimulante y acierta como nadie en el clavo de la realidad pero podría llegar más lejos de lo que hace.

DIA 7: ÚLTIMAS BUTACAS

Ha llegado el día, después de tantos tenía que ocurrir. La lista de películas que esperaba se acorta y me doy cuenta que el festival llega a su fin. Pronto un señor peruano de cincuenta años, a duras penas quitará algunos de los pósters que decoran los alrededores del Kursaal. En la otra acera Manuela, que tiene un bar justo delante del cine, lamentará rascándose la peluca todos los pintxos que dejará de vender y todas las cañas que dejará de tirar. La chica, estudiante de márketing internacional que sirve cada mañana café gratis a los acreditados, se frotará las manos agradecida por no tener que tocar más cápsulas ardientes de la máquina Nespresso por un tiempo. En ese mismo momento un pseudo-crítico de cine se levantará en su apartamento a más de veinte minutos del cine, se servirá un café americano recalentado del día anterior reflexionará con la mirada fija al extractor sobre su propia existencia. Luego, se sentará en la silla y encenderá el ordenador, pensará sobre qué escribir e intentará ser justo cuando le toque juzgar lo que ha visto; vendrán a su cabeza la imagen de un asesino en un bosque chileno y dos jóvenes madrileños fumando mientras escuchan folk español viejuno. Ahora, escribirá.

VIEJO CALAVERA: 8/10

El padre del Elder Mamani ha muerto, y parece como si no le importara. Sigue chupando en los karaokes, en las calles y metiéndose en problemas. Pero ya nadie quiere hacerse cargo de él. Lo único que le queda es la casa de su abuela en las afueras del pueblo minero. Allá no va a tener cómo ni con quién cañarse. Su tío Francisco, que es también su padrino, tiene que cargar con él, le da una mano, le consigue un trabajo en la mina. Pero a Elder parece que no le interesa nada, todo el tiempo la está cagando cuando palea con su padrino, se pierde en la oscuridad, no trabaja. De todas formas ahí dentro se ha enterado de historias oscuras de su tío. No es tan inocente, dicen, como parece. Hay que saber arreglárselas en medio de este laberinto, en medio de este lugar oscuro y desconocido, donde todos son otros. Medio tocados. Por la luz de la muerte.

Esta no es una película fácil (su mismo director me lo dijo a las puertas del cine), pero tampoco es esa su necesidad. Un duro retrato, que llega a veces a lo enfermizo, sobre las condiciones de vida de unos mineros.
Espléndida fotografía y elenco, ambos desprenden terror ante la cámara. Quizás lo más discutible de la cinta sea su tempo, aún teniendo en cuenta la intención del director.  

LA RECONQUISTA: 9/10

Manuela y Olmo se reencuentran en un futuro que se habían prometido quince años antes, cuando eran adolescentes y vivieron su primer amor. A partir de esta premisa romántica, La reconquista es, en realidad, una película en busca del tiempo; o sobre la conciencia del tiempo: del tiempo perdido y del tiempo recuperado; sobre lo que recordamos de nosotros mismos y sobre lo que no recordamos; sobre las palabras, los gestos y los sentimientos a los que seguimos guardando fidelidad, porque nos definen y nos interpelan en el presente, el pasado y el futuro.

Trueba nació francés, como ellos a veces se pasa de ñoño o de intelectual pero a los que le queremos nos sigue fascinando. Esta película destila ese cine que a él tanto le gusta, Rohmer en la juventud y un guiño genial a Nani Moretti, y vuelve a demostrar su valía también en el uso de la palabra. Como siempre son películas sencillas y sin muchos artificios que consiguen emocionar hablando del amor, en esta caso acompañados por las canciones de Rafael Berria cuya letra sirve como una capa más en la narración. Para fans de Trueba y para los que aún no están convencidos.

DIA 6: LLORAR Y OTRAS VIRTUDES

“Prepárate un paquete de kleenex porque vas a llorar”, parece una amenaza pero esconde el mayor halago que al parecer puede recibir una película. A primera hora de la mañana, las mujeres-bien de San Sebastián, con su correspondiente collar de perlas, se amontonan en las butacas del Kursaal, ellas no lo saben pero la amenaza llegara a cumplirse.

Cabe preguntarse, sabiendo que hacer llorar a alguien es una virtud, qué manera de llevarlo a cabo resulta más honrada. La orquestra filharmonica acompaña a una amada que despide a su soldado en la estación de Orsay, un piano sigue los pasos de una prostituta abandonada en la carretera de Ostia o simplemente el silencio, que acompaña a un minero chileno que acaba de perder a su esposa.

Creo que ahí está la clave del asunto. Hagan una cosa: busquen en su mente la escena mas triste que recuerden haber visto en cine (quizás les venga a la cabeza Titanic o La vida es bella); ahora, lentamente para que no se aturullen, quítenle la música, desnudenla. ¿Lloran también? ¿Quizás no? Era entonces mérito del guión y las imágenes su llanto, o fue la música quien les ayudó? Pero, al fin y al cabo, la elección de la música y su uso sigue siendo obra del director de la película. Es la pequeña trampa que nos brinda el cine; hay directores más tramposos que otros y de todos modos no está prohibido.
A veces cuando uno ve una película debería pensar en la responsabilidad del director sobre sus lágrimas, aunque como me pasa a mi tengamos una horrible dificultad para el llanto.

A MONSTER CALLS: 6/10

Conor sólo tiene trece años, pero sabe perfectamente qué va a pasar poco después de la medianoche. Va a tener la misma pesadilla otra vez, esa «pesadilla llena de oscuridad, de viento y de gritos». Ha sido así desde que su madre cayó enferma. Aunque esa noche parece diferente. Conor escucha una voz que le llama desde el jardín. Frente a la casa hay una antigua iglesia, con su cementerio… y un viejo árbol, un tejo que se ha transformado en un monstruo ante los ojos de Conor. De la mano de esa criatura, Conor emprende noche tras noche una nueva aventura para huir de sus propios miedos… hasta que reúna el valor suficiente para enfrentarse a su peor pesadilla, a su propia historia: la verdad.

Tener como referente a Spielberg, aunque aparentemente sea la mayor de las virtudes a ojos de la crítica española, no me parece en el caso de Bayona el mejor halago. En esta película toma prestado lo peor del director americano, esa obsesión por tocar la fibra de espectador cueste lo que cueste pasando por encima de cualquier consideración moral sobre un tema tan doloroso como el cáncer. Bayona no frivoliza, pero nos hace creer que para que un preadolescente entienda la magnitud de la tragedia debe ser tratado como un tonto. Lo que quiere contar el director se entiende a los quince minutos de película pero se esfuerza en alargarlo hasta la saciedad. El personaje de Sigourney Weaver es casi inexistente y su papel poco creíble. Lo mejor es la factura de la película y el monstruo en la voz de Liam Neeson.

La película me recuerda demasiado a El laberinto del Fauno pero en aquella la fantasía era desbordante y los personajes eran infinitamente más profundos.

No os aburriréis y auguro un taquillazo millonario con esta película pero al fin y al cabo me molestan los trucos del director.

SOMETHING IN BLUE: 6/10

Cuatro jóvenes, una ciudad. Por amor o idealismo, divertidos y algo desconcertados. A medida que cambian las estaciones, ellos entran en la película desde la vida; después vuelven a sus vidas desde la película. Se interpretan a sí mismos en la película, sus papeles transforman sus vidas. Una improvisación original en el cine chino, una nueva forma de narrar la vida urbana.

Amable esfuerzo por adaptar Woody Allen en china que resulta sospechosamente machista en muchos diálogos. Su narración cortada resulta pesada por su exceso y nos saca una y otra vez de la narrativa. Le sobra mucho metraje, quizás si durara la mitad resultaría mas simpática.

SANTA Y ANDRÉS: 7/10

Cuba, 1983. Santa es una campesina de treinta años que trabaja en una granja estatal. Andrés es un escritor homosexual de cincuenta años que, según el gobierno, tiene «problemas ideológicos». Como es habitual con los desafectos a la revolución, cada vez que hay un evento político en la zona, alguien es enviado para echarle un ojo y evitar que cometa algún acto de oposición pública. Esta vez la tarea de vigilar le toca a Santa. Durante tres días consecutivos Santa se sienta en la entrada de la cabaña de Andrés para supervisar cada uno de sus movimientos.

Aunque el elenco de actores solucione la película no me termina de convencer como crítica al régimen cubano. Eterniza ciertos momentos triviales pero el trasfondo de la historia termina siendo interesante. La inclusión de una figura fantástica a mitad de la película sin explicación resulta a mi parecer estúpida e innecesaria.

SNOWDEN: 4/10

Cuando Edward J. Snowden desveló los documentos del programa de vigilancia mundial secreto de la NSA, abrió los ojos del mundo y cerró las puertas de su propio futuro, renunciando a su carrera, a su novia de toda la vida y a su patria. ¿Qué le llevo a perpetrar el mayor caso de divulgación de documentos clasificados de la historia?

Que Oliver Stone critique al sistema americano no es nada nuevo, Republicanos y Demócratas reciben por igual pero la tendencia del director a divinizar a Snowden como un jesucristo moderno resulta bochornosa. En ningún momento se cuestiona todo lo que este soldado hizo para el gobierno americano antes de su “cambio de moral” y los diálogos provocaron la risa de los espectadores de la sala por su ridiculez; y a eso se suma una de las escenas de sexo más gratuitas que he visto en toda mi vida. Stone quería hacer un drama político y le sale una comedia chusquera.

OUR LOVE STORY: 8/10

Yoon-ju es una estudiante de posgrado de Bellas Artes, que tiene trabajos a tiempo parcial para llegar a fin de mes, y vive en la casa de su amiga Young-eun por un pequeño alquiler. A diferencia de Young-eun, que disfruta de sus relaciones sin compromiso, Yoon-ju busca algo más serio. Un día, mientras está buscando materiales para su proyecto, se encuentra con Ji-soo en una tienda de segunda mano. Al ver a Ji-soo en un lugar extraño, Yoon-ju se siente atraída por ella.

Esta es una película pequeña y sencilla, no sorprende con su argumento ni su forma pero eso es algo intencionado por parte de la directora. Un ambiente íntimo de lo más atractivo, sin duda lo mejor de la película es la puesta en escena y la dirección de actrices. Entretenida y sensible aunque no pretenda cambiar el curso del cine.

DIA 5: ACREDITACIÓN

Acreditaciones hay muchas, la mía es de color verde pero las hay azul claro, azul oscuro, naranja, amarilla, negra, blanca y si eres muy afortunado dorada.

Para los que no estéis familiarizados con la palabra, una acreditación es una tarjeta de plástico que cuelga de todos los que participamos en el festival estos días, como si fuéramos vacas para tenernos bien controlados. Es como una llave, cada una te permite abrir distintas puertas y segun el color (asi como pasa con el de la piel) puedes hacer más o menos cosas y llegar a más o menos sitios. La mía descubrí hace poco que me permitía tener café gratis y a mí, que como buen catalán me atrae la idea de no pagar, se me pusieron ojos de cocainómano y así han seguido desde entonces de todos los cafés que me he tomado. Por la calle una señora me ha visto temblando y me ha dado dos euros y una tarjeta de un centro de desintoxicación, no he sabido decirle que no y cuando se ha ido me he guardado el dinero y he agradecido no tener que gastarlo en café porque, como ya os he dicho, es gratis. Luego hay cosas que no puedo hacer; porque tener una acreditación es como tener visitar un baño publico, si te acercas y ves que el de tu lado izquierdo la tiene mas pequeña te separas un poco del urinario demostrando tus atributos pero al girarte hacia la derecha y ver el considerable tamaño del otro vuelves a esconderte entre las dos paredes de mármol; por eso, al descubrir que los de las acreditaciones doradas o naranjas pueden tener cerveza gratis me escondo la acreditación entre la chaqueta esperando que no la hayan visto desde lejos. En parte me compadezco por no tener esas acreditaciones; ¿Imaginad la mezcla que resultaría en mi cuerpo cerveza y café gratis?.

Esta mañana caminaba hacia el Kursaal imaginando un café caliente entre mis labios cuando me he dado cuenta que me la había dejado en casa; una sensación de vacío se ha apoderado de mí, algo que solo las madres y los castrados podrán comprender. He corrido, la he recuperado y esto es lo que he visto:

PINAMAR: 7,5/10

Dos hermanos vuelven a Pinamar después de la muerte de su madre para darle su último adiós y vender el apartamento familiar. Mientras que Pablo quiere terminar lo antes posible, Miguel quiere disfrutar de la visita. Durante su estancia en Pinamar el pasado vuelve a la vida a través de Laura, una vieja amiga de Miguel que les gusta a los dos, y mientras tratan de conquistarla, redescubren su relación y se dan cuenta de que cada final es siempre el comienzo de algo nuevo.

Un drama pequeño, se nota que es un primer film, sobre dos hermanos que realmente ha conseguido emocionarme. Cumple con todos los estereotipos de película indie pero también es un defecto que se pierde si se hacen más películas. Quizás lo más sólido de la película sean el guión y el trabajo sobre los personajes, que aparte de resultar creíbles no caen en moralinas de ningún tipo.

LUMIERS D’ÉTÉ: 7,5/10

Akihiro, un cineasta japonés que vive en París, vuelve a Japón a entrevistar a supervivientes para un documental conmemorativo del 70 aniversario de la bomba atómica de Hiroshima. Profundamente conmovido por las entrevistas, decide tomarse un descanso, y deambulando por la ciudad, conoce a Michiko, una joven alegre y enigmática. Michiko se lo lleva en un improvisado y alegre recorrido desde la ciudad hacia el mar, donde los horrores del pasado se mezclan con la simplicidad del presente.

Interesante revisión del genocidio de Hiroshima a medio camino entre el documental y la ficción. Sorprende que el director y guionista no tuviera ni idea de japonés y eso aporta más mérito aún a la cinta; lo que a mi me falla es la incorporación de un elemento paranormal y que la historia principal sea tan vaga que realmente no consiguió emocionarme lo más mínimo.

RARA: 9,5/10

Desde que sus padres se separaron, Sara y su hermana pequeña viven con su madre, cuya nueva compañera es una mujer. La vida diaria de las cuatro es muy parecida a la de cualquier otra familia, pero no todo el mundo lo ve de esa manera. En concreto, su padre tiene sus dudas. Sara está a punto de cumplir 13 años y se siente abrumada por los acontecimientos: su cuerpo está empezando a cambiar, por primera vez le gusta alguien y, por si fuera poco, hay un conflicto de lealtad con sus padres…

Esta película es necesaria. Es sensible sin caer en el melodrama fácil y política sin perderse en la burocracia. Un guión fresco, naturalmente creíble que no trata al espectador como un estúpido sino que le permite ir construyendo el relato al mismo ritmo que la niña protagonista. La clave de todo es mostrar el conflicto siempre de los ojos de Sara, que junto a Cata resultan lo mejor del film, nunca unas niñas han sonado más creíbles en una pantalla de cine y buena parte del mérito es de la directora. Esta película no solo ayuda a comprender la maternidad desde el punto de vista de una pareja homosexual, también por todo lo que debe pasar cualquier niño ante un proceso de divorcio. Repito; esta película es necesaria, pasadla en escuelas, en casa, en reuniones de vecinos o de padres pero sobretodo sigue siendo necesario que llegue al cine.

DIA 4:  DONOSTI (A)

Hacer cine y ser mujer no debe ser muy compatible, lo comparo por ejemplo con ser doctora y mujer. En la película La fille de Brest la protagonista, una doctora contra las farmacéuticas, habla por teléfono con alguien sobre lo excitante de esta lucha para retirar del mercado un medicamento, antes de terminar le suelta:

“Y mañana cocinar, planchar y poner lavadoras…¡Qué vida!”

Me sorprendió, pero claro, me olvidaba de que es una mujer. Por eso os digo que tiene que ser difícil ser directora y mujer, lo supongo también por las dos cifras:

• Una sola directora este año en todas las películas de la sección oficial
• Primera vez que una mujer gana el premio FIPRESCI en el festival (Maren Ade por Toni Erdman)

El dia de la gala de inauguración esta única directora de la Sección Oficial sube al escenario y grita “Viva las mujeres que hacen cine!” (ovación continuada). Por cierto, se me olvidaba decir que ella es la directora y guionista de La fille de Brest, vaya. Supongo que no me sorprende tanto cuando después en el mismo discurso diga “Pero bueno, yo me sentí un hombre cuando dirigía”.

Hoy (ayer para los que lo leeis) oigo a una chica decir “Necesitamos a una mujer que dirija películas de superhéroes” y, joder, es cierto. ¿Por qué ese es un género reservado solo a los hombres? Entonces veo Colossal de Vigalondo (sí, un hombre) y me alegra saber que alguién piensa en las mujeres como algo más que damiselas en apuros. Sonrió, camino, y me imagino como seria Iron Man dirigido por Mia Hansen-Love

MARIA Y LOS DEMÁS: 7,5/10

Desde que murió su madre cuando ella tenía quince años, María ha cuidado de su padre y de sus hermanos. Responsable y controladora, siempre ha sido el pilar de la familia y se siente orgullosa de ello. Por eso, cuando su padre se enamora repentinamente de su enfermera y anuncia su inminente compromiso, María siente que su vida se desmorona. Con 35 años e incapaz de encontrar una pareja estable, deberá atreverse a cambiar su destino.

Comedia bien intencionada que resulta en algún momento, lo mejor de la película es Bárbara Lennie y la capacidad por retratar nuestra generación con esos “problemas del primer mundo”. Tal vez no quede para siempre pero las risas están aseguradas.

PRETENDERS: 6/10

Tras haber tomado una difícil decisión, Anna y Juhan se sienten incapaces de seguir con sus vidas. Van a pasar unos días en la residencia veraniega de unos amigos,donde ofrecen cobijo a una pareja que se ha visto sorprendida por la tormenta. La pareja da por supuesto que la casa pertenece a Anna y Juhan y ellos no hacen nada para sacarles del error. En lugar de eso, aprovechan sus nuevos roles y empiezan a verbalizar su resentimiento mutuo ante los dos extraños. Pretenders es un drama psicológico sobre las verdades e ilusiones de una relación.

Intento fallido de Bergman + Haneke, no solo le sobran minutos de metraje sino que también le falta algo de imaginación. El ritmo que arranca en la parte final de la cinta se agradece, al borde de caer en la siesta. Aunque construye pacientemente el relato y la fotografía sea remarcable las casi dos horas de duración resultan demasiado.

NOCTURAMA: 9,5/10

Una mañana en París. Un puñado de adolescentes de diversa procedencia. Cada uno de ellos comienza a ejecutar una extraña danza en el laberinto del metro y las calles de la capital. Parecen seguir un plan. Sus gestos son precisos, casi peligrosos. Se reúnen en el mismo lugar, unos grandes almacenes, a la hora del cierre. París entra en erupción. La noche comienza…

Pocas veces, no recuerdo si me había pasado nunca, he terminado una película con la sensación de estar viendo un clásico (quizás me pase) o al menos algo tan icónico que quedará para siempre en mi retina. No puedo poner un 10 a la película porque no parecería un crítico serio pero creed que me encantaría. Es una película polémica, política y politizada; lo peor de todo es que muchos espectadores no sabrán que fue rodada antes de los atentados múltiples que tuvieron lugar en París este pasado año. Estética por necesidad y violenta con responsabilidad, sin caer en el sensacionalismo. Es lo mejor que he visto en la sección oficial, la dirección de Bonello merece al menos un premio; su posible crítica es que la reflexión sobre esta generación (llamemosles millennials) hace tiempo que se ha hecho, aunque aquí se aportan muchos matices. Otra forma de entender al adolescente y a la vez al radical, podemos hacer de abogados del diablo al lado del terrorista.

Sin duda, para no destripar nada, cuando uno sale de la proyección tiene la sensación que algo ha cambiado en su cabeza y esa es la mayor virtud que a mi parecer puede tener una película.

COLOSSAL: 8,5/10

Una chica que se pasa todo el día de juerga en juerga (Anne Hathaway) descubre que tiene una misteriosa conexión con un monstruo gigantesco que está provocando el caos en el otro extremo del globo.

Vigalondo es único, vino al mundo para cuestionar la ciencia ficción y siempre lo consigue. No solo es original el planteamiento inicial del argumento, todos los giros de guión resultan aún más creativos. Enteramente divertida, esconde a la vez una potente reflexión sobre el empoderamiento femenino y la opresión masculina (una escena de lucha con un punto muy controvertido). No es la cinta de acción que gustaría al señor Warner y en esa rebelión contra lo mainstream es donde siempre navega Vigalondo. Anne Hathaway está espléndidamente natural y el arco de personaje de Jason Sudeikis es lo mejor de la cinta.

La única duda que me queda es si el director va a tener por fin el reconocimiento del público que tanto se merece, ojalá te vaya todo bien Vigalondo.

DIA 3: TIEMPO

El tiempo es una mierda en San Sebastián, perdonad si me paso de vulgar pero lo es. No solo lo es el cielo tapado y mis zapatos mojados, especialmente es una mierda el tiempo en mi reloj. No tengo tiempo. Una empieza a las 8.30h y después camino 20min.hasta la siguiente que empieza a las 11.30h., tengo 17.4min. para comer y luego 10,4min. para llegar hasta la siguiente película. Me aburren y calculo que tengo 5,35min. para poder cerrar los ojos sin perderme nada del argumento, a veces cuando se trata de un director novel con ganas de alargar los planos tengo un poco más, pero siempre tengo miedo de ser descubierto. Entonces me sorprendo enfadado porque, oye, con tanta lluvia podría caerme un rayo y la vida no está tan mal como para dejarla ahora; hay un señor que me tiene 1h 35min 45seg. pegado a una butaca y ese tiempo también lo podría invertir el plantar un árbol. En realidad no, lo invertiría en comer o en ver otra película. En resumen, mi tiempo estos días consiste en valorar si he malgastado o he ganado tiempo, y eso también lleva tiempo y, ya puestos, alguien cuando lea esto va a tener que debatir también si ha malgastado o ha invertido bien su tiempo, unas continuas extinciones exponenciales del bien temporal.

Dicho esto, que no me quiero alargar y haceros perder el tiempo, voy a contaros lo que he visto todo este tiempo:

VANATOARE: 5/10

Lidia cría palomas y lleva una vida ordinaria con su marido y sus dos hijas. Denisa quiere comprarle al gorrón de su novio un par de zapatillas. Vanesa sueña con encontrar al hombre perfecto de ojos verdes. Las tres comparten el mismo lugar de trabajo, bajo un puente. Aunque se ven a sí mismas como personas normales, otras las consideran indignas por culpa de su profesión: la prostitución. Un día, ante la visita aparentemente bienintencionada de los policías del barrio, decidirán plantarles cara.

Cinta fallida si pretende contar una historia mínimamente interesante pero termina resultante estimulante en ciertas partes de su propuesta si su intención es la de un mero documento costumbrista sobre la vida de dos prostitutas rumanas. Un acierto el elenco y se agradece que no intente moralizarnos en ningún momento.

ON THE MILKY ROAD: 7/10

Primavera en tiempo de guerra. Cada día un lechero cruza el frente en un burro, esquivando balas para llevar su preciada mercancía a los soldados. Tocado por la buena fortuna en su cometido y amado por una bella lugareña, un apacible futuro parece aguardarle… hasta que la llegada de una misteriosa mujer italiana pone su vida patas arriba. Así comienza una historia de amor apasionado y prohibido que sumergirá a ambos en una serie de fantásticas y peligrosas aventuras. El destino les ha alcanzado y nada ni nadie parece capaz de detenerles…

A medio camino entre Mortadelo y Filemón y el Fellini más tardío, se trata de una película loca (divertida también) y profundamente imaginativa. Si el ritmo final de la película se mantuviera desde el principio seguramente resultaría mejor, pero sin duda algunas de sus escenas quedaran para siempre en mi cabeza; hacer algo tan memorable me parece más que loable. Bellucci y Kusturica se entienden de maravilla y estamos quizás ante el mejor director de animales de la historia del cine.

L’AVENIR: 9,5/10

Nathalie enseña Filosofía en un instituto de París. Su trabajo le apasiona y disfruta con la reflexión. Casada y con dos hijos, divide su tiempo entre la familia, antiguos alumnos y su madre, una mujer muy posesiva. Un día, su marido le dice que la deja por otra mujer. Nathalie se verá obligada a llevar a la práctica sus teorías sobre la libertad y reinventar su vida.

Mia Hansen-Love, llega a esta película a su madurez como directora. Un metraje limpio, cuidado plano a plano al que no le sobra ni un minuto; que encima alguien de su edad consiga hablar de un tema como el que trata con tanta lucidez tiene un mérito tremendo. Si con Un amour de jeunesse ya nos encantó aquí consigue enamorarnos. Mantiene los ecos de Rhomer pero su capacidad para apuntar y dar en la diana en cuanto a música y montaje son algo único. Aunque todo el elenco sobresale, Isabelle Huppert nunca me había parecido tan bella y natural como lo hace en esta película. Algo para recordar.

QUE DIOS NOS PERDONE: 8,5/10

Madrid, verano de 2011. Crisis económica, movimiento 15-M y un millón y medio de peregrinos que esperan la llegada del Papa conviven en un Madrid más caluroso y caótico que nunca. En este contexto, los inspectores Velarde y Alfaro deben encontrar a lo que parece ser un asesino en serie. Esta caza contra reloj les hará darse cuenta de algo que nunca habían pensado: ninguno de los dos es tan diferente del asesino.

Esta es de momento lo más estimulante que he podido ver de la Sección Oficial, un thriller madrileño que aunque peque a veces al caer en los estereotipos de su género sobresale ampliamente en el resto de su metraje. Espléndidamente dirigida desde la fotografía hasta los actores, con ciertas trampas para mantener la atención jugadas de forma fantástica (por eso se las perdonamos). Si Sorogoyen se decide a hacer más cine negro nos va a hacer un regalo a todos.

DIA 2: PARAGUAS PÚRPURAS EN EL TEATRO

Llueve en San Sebastián. “¡Qué novedad!”. Aunque sea algo normal me sorprende el espíritu de los donostiarras, ajenos al temporal desmoralizador hacen monumentales colas delante del teatro Victoria Eugenia para ver una película. La que sea, eso es lo más sorprendente; porque el festival no ofrece siempre propuestas comerciales y estoy seguro que más de la mitad de las películas que se presentan tendrán no solo un largo camino para llegar a las salas nacionales sino un esfuerzo por mantenerse ahí. Pero aquí siguen los paraguas púrpura bajo la lluvia. Un par de jubiladas comentan que este será el último año – “con este tiempo no se puede”- pero que “como nos dan un descuento” lo aprovechan; a mi lado una chica grita por teléfono a su novio, la película está a punto de empezar y aún no está aquí, se impacienta y al final no entrará, él llegará cinco minutos tarde, empapado, y le suplicará que le deje invitarla a cenar, ella, que se jacta de su integridad, tardará diez súplicas y un par de besos en aceptar. Pero todo esto no lo veo porqué ya he entrado en la sala, sueño despierto o quizás entre la lluvia y las películas me sube la fiebre y empiezo a delirar. Suenan tres timbres, se apagan las luces y se abre el telón.

PARK: (6/10)

Aislada y abandonada, rodeada por estadios deportivos en ruinas, la Villa Olímpica de Atenas es hoy un lugar casi desierto, cuyos únicos residentes son unas cuantas familias de clase trabajadora a las que se ofreció alojamiento gratis después de los Juegos del 2004. Atrapados en el interior de la Villa, un grupo de chicos deambulan entre las ruinas interpretando versiones distorsionadas de los Juegos Olímpicos y organizando apareamientos de perros por dinero.  El mayor del grupo, Dimitris (17), junto con Anna (22), una atleta retirada, tratarán de escapar de los límites de la Villa hacia los resorts de segunda clase junto al mar, en las afueras de Atenas. Durante sus visitas y conforme se introducen más y más en las vidas de los turistas extranjeros, el deseo de Dimitri de ser aceptado es puesto a prueba de maneras brutales.

La película sabe de donde viene, la ironía presente en el recorrido inicial por el estadio es inteligente y me resultó estimulante, pero llegados a un punto me resulta pesada y trillada. ¿Cuántas veces hemos visto estos relatos de ni-nis y generaciones perdidas? Resultan infinitamente más originales e interesantes las historias y secundarios que rodean al protagonista que él mismo. Al final uno sale con la sensación que el argumento apuntaba a algo mejor de lo que fue.

EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS: (8/10)

El hombre de las mil caras es la historia del hombre que engañó a todo un país. Una historia de tramposos e impostores inspirada en hechos reales. Francisco Paesa, uno de los personajes más intrigantes de las últimas décadas, ha sido hombre de negocios, banquero en Suiza, traficante internacional de armas, gigoló, playboy, diplomático, aventurero, estafador y agente secreto: un espía. En 1995 Luis Roldán y su mujer le contratan para ocultar 1.500 millones de pesetas sustraídos de las arcas públicas. Con la ayuda de Jesús Camoes, su inseparable socio, organizará una brillante operación donde la verdad y la mentira tienen límites difusos.

En España también se hace Scorsese, quizás un poco tarde para empezar pero no por eso el resultado es menos bueno. La película sostiene el ritmo, me engancha a la butaca y, aunque esto sea mérito suficiente para verla, el guión a veces divaga y algunos de los recursos resultan cansinos; la voz y el personaje de Coronado son sin duda lo peor de la película (más allá de que yo nunca haya entendido el furor que despierta este actor). Eduard Fernández está inmenso y la música de Julio de la Rosa vuelve a dar en el clavo como en La isla mínima.

Alberto Rodríguez es un buen director y, aunque esta no sea su mejor película, me fascina su capacidad por recorrer de formas tan distintas la “ejemplar” transición española. Larga vida al thriller español.

X500: (7,5/10)

María llega a Montreal desde Manila para vivir con su abuela y lucha por adaptarse a este nuevo ambiente. Alex, un joven afrocolombiano, es deportado de los Estados Unidos a Colombia para encontrar que su antiguo barrio está controlado por criminales. David deja su pueblo tras la muerte de su padre para buscar un mejor futuro en la Ciudad de México. X500 sigue la vida de estos tres adolescentes en diferentes ciudades de América mientras pasan por el mismo camino de dolor, migración y transformación.

Ecos de Babel y de Arriaga en esta película colombiana, las tres historias consiguen cruzarse de forma magistral consiguiendo que interesen por igual. Se agradece un cine social que hable de algo más que pobreza y una producción tan pequeña rodada en cuatro países distintos es, como mínimo, valiente. Que todo el elenco esté formado por actores no profesionales confirma el talento del director y la confianza en que no todo debe salir de las escuelas de teatro.

NERUDA: (9/10)

Es 1948 y la Guerra Fría llega a Chile. En el Congreso, el senador Pablo Neruda acusa al gobierno de traicionar al Partido Comunista y es desaforado por el presidente González Videla. Se le ordena al prefecto de la policía de investigaciones, Óscar Peluchonneau, que aprese al poeta. Neruda intenta huir del país con su esposa, la pintora Delia del Carril, pero se ven forzados a pasar a la clandestinidad. Inspirado en los dramáticos eventos de su nueva vida como fugitivo, Neruda escribe su épico Canto General. Mientras tanto, en Europa la leyenda del poeta perseguido por el policía crece y los artistas, liderados por Pablo Picasso, claman por su libertad.

Pablo Larraín no se gana al público con su simpatía pero sí con sus películas. Neruda no es pura poesía, es amor por la literatura. Como un  juego, como leer una aventura de Tintín, contar una parte tan negra de la historia chilena con esa ironía e inteligencia solo está al alcance de unos pocos. Éste es quizás el biopic más original que veréis en mucho tiempo y aumentan las ganas de ver Jackie (estrenada en Venecia y Toronto). Todo el elenco espléndidamente dirigido, la prosa y la poesía suena en sus bocas tan cotidiana como trascendental. Una joya.

DIA 1: ‘OVERBOOKING’ EN EL MCDONALDS

9 a.m. ya estamos despiertos buscando como zombies desesperados un café por la ciudad. La película empieza en una hora (sí, vamos prevenidos), pero evidentemente, no somos los únicos despiertos, y a esta hora, las calles llevan horas puestas. Finalmente entramos en una cafetería:

Sonido de puertas

Dependienta: Kaixo!

Yo: (esforzándome por articular sílabas) un café con leche por favor

Sonido de máquina registradora

Con eso y algo más que una galleta estamos en el Kursaal para ver La fille de Brest -película que inaugura el festival- y soñamos en poder saciar nuestra hambre a la hora de comer. Craso error haber soñado, al salir todo lleno de niños, pre-adolescentes y otros monstruos, alguien cuestiona si no deberían estar escolarizados, pero evidententemente son niños huérfanos de la calle (probablemente delincuentes)  que se amontonan en bares, restaurantes y hamburgueserías con el único propósito de generar el caos. En menos de una hora tenemos que estar delante del Victoria Eugenia para Toni Erdman y las esperanzas de encontrar algo para comer son cada vez menores. Quedan quince minutos para entrar y es un supermercado el que nos salva la vida, compramos algún alimento de primera necesidad y terminamos entrando en la película convencidos, esta vez sí, que cuando salgamos comeremos algo decente.

Os ahorro otra insufrible descripción para deciros que SÍ, HEMOS COMIDO! Y dicho esto, basta de hablar de mi, y empecemos a escribir sobre lo que he visto.

LA FILLE DE BREST: 6/10

Basada en el libro Mediator 150 mg., de Irène Frachon. En el hospital donde trabaja, en Brest (Francia), una especialista en pulmón descubre una conexión directa entre una serie de muertes sospechosas y un medicamento aprobado por el estado. La especialista lucha por su cuenta para que la verdad salga a la luz. Es la historia de Irène Frachon, que destapó el escándalo Mediator.

A ratos seria y comprometida a ratos comedia blanca sobre una doctora coraje contra las farmacéuticas. Un inicio un tanto frío para el festival pero, al fin y al cabo, necesario tratándose de la única película dirigida por una mujer, presente en la sección oficial. La protagonista es más que insoportable y algunas de las escenas son poco creíbles. A su favor, la película es entretenida y su historia, aunque nada original, interesa.

TONI ERDMAN: 8,5/10

Ines trabaja en una importante empresa alemana con sede en Bucarest. Tiene una vida perfectamente ordenada hasta que Winfried, su padre, llega de improviso y le hace una pregunta inesperada: «¿Eres feliz?». Incapaz de contestarle, su existencia se ve conmocionada por la presencia de ese padre del que se avergüenza un poco, pero que le va a ayudar a dar nuevamente sentido a su vida gracias a un personaje imaginario: el divertido Toni Erdmann.

Comedia extravagante que esconde algo profundamente triste. Es original en su temática y sus personajes  (claramente, la mente pensante es femenina) y aunque su metraje sea extenso no resulta para nada larga. Empezamos la película con dudas pero terminamos encantados. No lo dudéis: es un MUST SEE.

WALDSTILLE: 7/10

Ben es enviado a prisión tras causar un accidente de coche en el que murió su novia. Cuando, después de un largo tiempo, regresa a Waldstille, su ciudad natal en el sur de Holanda, debe hacer frente a sus suegros, que obtuvieron la custodia de su hija. Los suegros pretenden impedir que Ben vea a su hija de nuevo. Pero Ben está decidido a recuperar el tiempo perdido con Cindy.

Para tratarse de una ópera prima, todos sus aspectos técnicos son impecables sin nada que envidiar con cintas mayore. Donde peca la propuesta es en el guión que no arriesga nada y termina quedándose en un drama de lo mas normal.

LA IDEA DE UN LAGO: 9,5/10

Inés, una fotógrafa profesional, está decidida a terminar su nuevo libro antes de que su hijo nazca. La memoria, los recuerdos y este trabajo fotográfico nos llevan, una y otra vez, a un mismo lugar: la casa familiar en el sur de la Argentina. Se trata de un espacio que fue marcando la vida de Inés y forjando su personalidad a través de los años. La única foto que se conserva de ella junto a su padre fue hecha en este lugar cuando Inés apenas tenía dos años. Unos meses después de que esta foto fuese tomada el padre de Inés desaparecería víctima de la dictadura militar.

Sin duda, lo mejor del día y seguro que en el top 10 del festival. El guión redondo, libremente basado en un poemario Pozo de aire, y las imágenes son pura poesía. Un acierto, sin duda también, el juego entre los distintos formatos de película para visitar los recuerdos de la protagonista. Otro acierto: la escena del ordenador y la del escarabajo en el agua (no diré más). Habla de la memoria y de la infancia y nos deja con la seguridad que debemos seguir de cerca a la directora Milagros Mumenthaler.

¿Qué nos deparará el Festival de San Sebastián?