[Cobertura] Sitges 2021

Del 7 al 17 de octubre se celebra en la localidad costera de Sitges el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya – Festival de Sitges. En este artículo podréis leer las críticas y análisis de las películas que se van proyectando en el celebérrimo Hotel Melià (Auditori y Tramuntana) y los especiales cines del Retiro y Prado. 10 días repletos de cine fantástico, terror y ciencia-ficción como excusa para disfrutar y seguir disfrutando del cine más transgresor, violento y único.

Tres

Dirección: Juanjo Giménez | País: España | Duración: 104 min. | Género: Drama | Tráiler.

En la actualidad existen enfermedades, malformaciones o desequilibrios en los sentidos invisibles, desconocidos e ignorados. Apúntese aquí el tema principal y protagonista de Tres, el primer largometraje de Juanjo Giménez, nominado al Oscar por el cortometraje Timecode. Disincronía o síndrome de la disincronía es el desequilibrio en las capacidades auditivas que sufre el personaje interpretado por Marta Nieto, quien percibe los sonidos con hasta un minuto y medio de retraso. Y, por si fuera poco, su personaje se trata de una editora de sonido de películas. A medida que avanza el metraje, la película pretende (y lo consigue gracias a la acertadísima edición de sonido) que el espectador empatice con el personaje y sienta la misma sorpresa, frustración e impotencia. Además, la protagonista presenta un drama personal que la convierte en alguien frío y distante, y que se toma su trabajo como un refugio a las complejas relaciones con su madre, ex pareja y compañeros de trabajo. De este manera, está desincronización resquebraja su vida, llevándola a conocer secretos personales inesperados y a adaptarse como pueda y sepa. Y aquí es cuando la película decae, es decir, cuando explican el epílogo excesivamente largo, con tono fantástico que no cuadra ni es creíble. Con lo cual, Tres parte de una premisa muy original, con el valor añadido de querer visibilizar un problema de salud desconocido, pero son sus 104 minutos interminables, sus momentos reiterativos, su conclusión y la pésima interpretación de Marta Nieto que no redondean el primer trabajo de Juanjo Giménez.

Lamb

Dirección: Valdimar Jóhannsson | País: Islandia | Duración: 106 min. | Género: Drama | Tráiler.

¿Qué hace que una persona sea humana? ¿La piel? ¿Las falanges? ¿La forma del cráneo? ¿La manera de andar? Seguramente, responderíamos afirmativamente en todas estas preguntas. Pero, ¿y si existe una humano-cordero? ¿Sería un ser humano o animal? Esta eterna idea, ya vista en los conocidos centauros, se contempla en Lamb, una película con una bella fotografía y una cuidada dirección que juega acertadamente con las miradas, los sonidos y las impresiones para mezclar realidad con mitología. Explica la historia de una pareja que vive en medio de un valle en Islandia gestionando una granja. Su relación es fría y distante, y se percibe que, en medio, ha existido una persona que, desgraciadamente, ha fallecido. No obstante, cuando un día se levantan para seguir con su rutinario trabajo se dan cuenta que un cordero ha dado a luz a un misterioso recién nacido. Desde entonces, este nacimiento les cambiará la vida y les aportará felicidad, alegría y luz, intentando formar una familia en su frío y natural valle. Con esto, el director Valdimar Jóhannsson aporta su experiencia técnica en Hollywood en películas como Prometheus, Rogue One u Oblivion para adentrarse en un drama intimista y pausado, que regala instantes realmente tiernos y graciosos, y mantiene ese aura de incógnita durante sus 106 minutos. El gran valor del film es Noomi Rapace, que interpreta a esa madre rota en mil pedazos, pero reconstruida y decidida a volver a sentirse como tal. Sin embargo, sus decisiones en caliente condicionarán el destino familiar por los lares de la vida que, como siempre, les serán devueltos amargamente. Gracias a la magnífica actuación de Rapace y Björn Hlynur Haraldsson, la película se sustenta y se sobrelleva, tomándose algunas licencias de guion, pero creando una emotiva historia sobre las ansiedades emocionales y personales, preciosamente fotografiada, y que sorprenderá a la audiencia. Una ópera prima notable y, por momentos, perturbadora.

Veneciafrenia

Dirección: Álex de la Iglesia | País: España | Duración: 100 min. | Género: Terror | Tráiler.

Venecia, la Ciudad de los Canales o la Reina del Adriático. También, la ciudad del turismo que, en los últimos años, ha llegado a la friolera cifra de 25 millones de turistas al año, más de 68.000 al día. De hecho, actualmente se está popularizando el «Síndrome de Venecia», es decir, la acumulación descontrolada de extranjeros en centros urbanos que obliga a sus residentes a desplazarse fuera la ciudad por el encarecimiento de la zona. Y, por consiguiente, aparecen grupos reducidos de protesta contra el turismo salvaje. Aquí reside la original premisa que el director español por excelencia del género fantástico, Alex De la Iglesia, trata en Veneciafrenia. Un grupo de jóvenes españoles celebran una despedida de soltera y sus vacaciones en la ciudad veneciana durante el célebre carnaval, que inunda la localidad de máscaras, vestidos de la época y, por supuesto, personas. Mientras, en los recovecos más recónditos de las callejuelas de los canales se prepara un iniciático grupo de «turismofobia» que asesina, sin miramientos, a turistas. Con todo esto, De la Iglesia dirige con maestría un thriller de terror al más puro estilo del subgénero del slasher que entretiene y angustia durante sus 100 minutos. Sin embargo, como es habitual en el cine del director, sabe cómo captar la atención del público, pero desconoce cómo concluir la historia. Veneciafrenia no es una excepción y su conclusión final es abrupta, rápida y muy facilona. Además, no empatizas con los protagonistas y le cuesta regalar una secuencia de auténtico terror (aparecen, pero contadas). Por suerte, viniendo de De la Iglesia, la estética y el mal cuerpo que transmite según qué instantes del film lo convierten en una experiencia cinematográfica de miedo, pero descafeinada. Sinceramente, uno puede esperar mucho más de un director que, justamente, acaba de fascinarnos con una serie como 30 Monedas.

Cliff Walkers (Impasse)

Dirección: Zhang Yimou | País: China | Duración: 120 min. | Género: Thriller | Tráiler.

Década de los 30’ del siglo pasado. Desde 1931, los japoneses controlaban la región china de Manchuria donde instauraron un estado títere, nombrado ‘Manchukuo’. En ella habitaban japoneses, chinos, coreanos, soviéticos y un conjunto de minorías que convertían la región Noreste de China y la Mongolia Interior en un olla a presión de espías. Además, es harto conocido que el Imperio Japonés utilizaba esa zona para su interés, ya fuese para experimentar con armas biológicas con ciudadanos chinos u obligar a trabajos forzados a la población de la región. En este contexto y escenario se sitúa la nueva obra de Zhang Yimou (Regreso a Casa, Sombra) que, como cineasta comprometido ideológicamente, dedica a los caídos por la Revolución china, en un trabajo primordialmente anti-japonés, sobre cuatro agentes especiales del Partido Comunista Chino, entrenados en la Unión Soviética. Desde el mismo instante que aterrizan en paracaídas en los bosques de Manchuria se ven atrapados (el espectador también) en una red de espionaje en la cual abundan las traiciones y torturas, la imperante nieve y las triquiñuelas de la época. Yimou realiza, una vez más, una demostración de cine, dirigiendo una película con máximo detalle, regalando alguna que otra secuencia de acción sorprendente y desprendiendo elegancia en cada fotograma. Sin embargo, el argumento no deja de ser confuso, puesto que contiene una cantidad considerable de personajes y secretos con los que es fácil perderse y muy difícil empatizar. Aun así, Cliff Walkers o Impasse es un thriller de espías notable, tenso y emotivo, con una composición musical idónea (el tema armónico es bellísimo) y una dirección ejemplar.

Belle

Dirección: Mamoru Hosoda | País: Japón | Duración: 122 min. | Género: Animación. Ciencia Ficción | Tráiler.

En la lista de directores asiáticos esenciales debería estar el nombre de Mamoru Hosoda, creador de historias animadas únicas como Wolf Children, El Niño y la bestia o Mirai, mi hermana pequeña. Su último trabajo, Belle, es una tierna y emotiva historia que tiene como máximos referentes Rompe Ralph y La Bella y la Bestia. Hosoda se inspira en la reflexión sobre el mundo digital y los secretos que esconden las falsas apariencias para trasladar al espectador en un viaje a través de las vivencias de la protagonista, Suzu. Se trata de una adolescente tímida e inocente, huérfano de madre, que pasa desapercibida en el mundo real, pero se trata de un icono musical con millones de seguidores en la aplicación U, que consiste y construye un mundo virtual de followers y popularidad. Con todo esto, Hosoda explica una historia entre la realidad y la ficción, reflexionando sobre Internet y la Inteligencia Artificial, cómo nos mostramos y somos ante los demás y, más importante, cómo gestionamos el duelo que comporta una pérdida (en este caso, la madre). Porque, al final, Belle es una historia realista y, desgraciadamente, cotidiana, puesto que son muchas las personas que se refugian detrás de un avatar online como herramienta para gestionar emociones complejas. Y si, además, a este argumento, con algunas decisiones inverosímiles, todo hay que decirlo, le añadimos una realización con un inmenso festival de colores, explosivo y apabullante, y una animación preciosa y bella (como el mismo título indica), nos queda un notable trabajo de Hosoda que vuelve a enternecernos.

Censor (6/10)

Dirección: Prano Bailey-Bond | País: Reino Unido | Duración: 84 min. | Género: Terror. Misterio | Tráiler.

Cuenta la historia Enid, una mujer encargada de suprimir escenas de películas sensiblemente perturbadoras o con demasiada violencia, para que puedan ser distribuidas comercialmente en el Reino Unido. Ambientada en los años 80, Censor sumerge al espectador en una atmosfera alucinante y onírica que muestra el viaje emocional de la protagonista a través de sus traumas y obsesiones. La confusión entre la realidad y la fantasía consiguen que Enid desvaríe hasta vivir situaciones realmente espeluznantes.

La dirección técnica y artística es notable, así como la fotografía y el montaje visual y sonoro cumplen para construir un filme con grandes posibilidades. Sin embargo, el guion resulta confuso y con un ritmo poco equilibrado que produce una sensación de aburrimiento y desinterés. Es una película que se queda más en el misterio, alargado innecesariamente, y menos en el terror, que se siente forzado en la mayoría de escenas.

Escrita por Gabriel Bonanni Caldeira.

Gaia (8/10)

Dirección: Jaco Bouwer | País: Sudáfrica | Duración: 99 min. | Género: Terror. Fantástico. Drama | Tráiler.

En Gaia se nos presenta a una guardabosques que explora una zona forestal pristina y que, tras un incidente, decide adentrarse a lo más profundo del bosque sin saber que se encontraría con un secreto ancestral de dimensiones profundas. Visualmente, la película hipnotiza por su despliegue fotográfico, diseñado para comunicar misterio de una forma tan orgánica como artificial.

El guion favorece a que la historia mantenga un ritmo siempre expectante y que desvele paulatinamente una trama cada vez más rara e interesante. El filme transmite una gran atmosfera claustrofóbica, con escenas realmente desesperantes y aterradoras, que recuerdan sutilmente a películas como Under the Skin o Un Lugar Tranquilo 2, y también a cómics como La cosa del pantano. Asimismo, la banda sonora es una elemento clave, con sonidos inquietantes y sugestivos.

Gaia es una gran película, visualmente estimulante, con mensajes claros y subliminales profundos, que van desde lo filosófico a lo fantástico.

Escrita por Gabriel Bonanni Caldeira.

2551.01 (3/10)

Dirección: Norbert Pfaffenbichler | País: Austria | Duración: 65 min. | Género: Comedia. Distopía. Experimental | Tráiler.

En este filme nos encontramos con una propuesta experimental, con un trasfondo crítico a una sociedad decadente. Es una película que puede resultar incómoda de ver, pues su narrativa imita al cine de los años 20 pero con un ritmo sumamente repetitivo sin ofrecer puntos de reconexión o de interés, sumado una estética visual naíf con elementos grotescos y feístas. De igual forma, la banda sonora funciona de forma muy alegórica, con alguna inserción de música rock o electrónica. 2551.01 no es un filme para todo el mundo, pues requiere de un gran interés por lo experimental y por el estilo estético que expresa.

Escrita por Gabriel Bonanni Caldeira.